Elazne - Mi soledad en mi propio Mitilene

ME HA COSTADO PERO HE VUELTO...

2010-04-05T10:13:00.003+02:00

Hola.
Ya estoy de nuevo en mi rincón,como me ha pasado de todo no voy a empezar dando un ladrillazo, simplemente dando las gracias a todos/as que me habeis dejado vuestras palabras y vuestros buenos deseos.
GRACIAS...

Como cualquier mujer contemporanea se suele decir y utilizar siempre la frase: "Yo se lo que quiero", ya sea para establecer un punto o para abrirse paso en el mundo machista en el que se vive demostrando fortaleza y desicion. Al mismo tiempo como cualquier mujer de medioevo rara vez me he sentado ha pensarlo, ya sea porque uno vive la vida sin pensar mas allá de lo que uno tiene en sus narices y tratando salir del charco en el uno se ahoga, whatever. Sea cual sea mi motivacion, y mas aun sin importar el grado de importancia que tengan mis deseos, aqui estan:

- Hablar inglés
- Redecorar mi primer dormitorio
- Comprar algunos cd's que adoro y ordenarlos por grupo y alfabeticamente (idem con peliculas que idolatro)
- Ir nuevamente al Niagara
- Ir nuevamente a Mont-Tremblant
- Ir nuevamente a Disney
- Ir nuevamente New York, Paris y Londres
- Ser mas constante con los cuidados de mi pelo
- Bajar los tipicos 5 kilos que toda mina quiere bajar
- Ser organizada, puntual y sistematica
- Volver a hacer natación sincronizada
- Ser Rockstar y tener una banda y recorrer el mundo partyando
- Ir a un concierto de Ara Malikian
- Ir a una fiesta de disfraces
- Dejar mi orgullo
- Poder tomar Tequila de nuevo.
- Tener lenceria mega Sexy
- Ser Doctora por un dia, solo uno
- Ser capaz de hacer mi propia ropa
- Poder olvidar
- Sentir nuevamente como mi pecho se infla en un suspiro romantico mientras mi estomago siente un nudo vacio
- Nunca mas volver a sentir odio
- Recibir flores, pero mandadas a mi casa. Sin el susodicho presente.
- Escuchar un "perdon" de una persona
- Tener todas mis fotos favoritas
- Ser capaz de poder vivir financieramente como yo quiera
- Ir a la peluqueria a hacerme todos los tratamientos habidos y por haber solo para consentirme y probar
- Aprender a conducir
- Irme de mochileo con Ronda que la tengo como mejor amiga
- No tener que ver morir
- Tener mas habilidad para el dibujo y la fotografia
- Ser mas estable
- Saber que alguna vez me volvere a enamorar
- Encontrarme una cura en el que confiar
- Ser capaz de vivir en el extranjero sin morir de pena
- Ser escritora y tener una columna de opinion
- Irme a vivir con mi mejor amiga y tener una piscina en el dormitorio JAJAJAJA
- Aprender a jugar al billar, a tocar guitarra y a maquillarme
- Terminar de leer"La guerra y la paz"

Obvio que en dos minutos se me seguiran ocurriendo cosas...
(La de la foto soy yo éste verano pasado en el pozo de mi casa)

DOS GRANDES NOS HAN DICHO ADIÓS

2009-11-06T20:02:00.004+01:00

Francisco Ayala y Claude Lévi-Strauss, se cierran dos de los libros de la historia del siglo XX.

Qué no habrá visto este hombre de 103 años, que además tuvo siempre una mente lúcida y una pluma deslumbrante. Como recuerda Luis García Montero en El País con motivo de su muerte, reseñó el estreno de Mariana Pineda para la Gaceta Literaria en 1927, participó en las tertulias de Azaña y de Oretga y Gasset, se enfrentó a Luis Cernuda por ciertos comentarios sobre Perfil del aire. Necesariamente, Ayala es a la literatura ―y a la vida― lo que Picasso a la pintura. La descripción hecha carne de un siglo confuso y complejo. La letra de aquel que pasó por todas las generaciones manteniéndose fiel a sí mismo. Un hombre tan fiel que lo fue incluso hacia lo que escribía, consiguiendo curiosamente la armonía más absoluta entre vida y literatura. No es mi intención hacer una semblanza de Ayala, qué añadir a lo que un buen puñado de escritores y críticos literarios ya ha dicho sobre él ―con la virtud de que en muchos casos hablan más desde la amistad que desde la literatura―. Personalmente, pensar en Ayala es pensar más en un intelectual que en un novelista.

Francisco Ayala-Lévi-Strauss

Por otra parte, Lévi-Strauss, más cercano a Ayala de lo que parece. Ambos centenarios, ambos obligados a dejar sus países a causa de las guerras, ambos vueltos al fin con todos los honores. Los dos grandes pensadores y humanistas. Pero si Ayala es un testimonio ―importante por ser patrio―, Lévi-Strauss es una pieza fundamental para el siglo XX, un fragmento de la historia sin el cual el mundo no sería el que ahora es. Interesado prácticamente por todo aquello que tuviera que ver con el saber humano, sus aportaciones en el campo de la antropología, de la etnografía y de la filosofía son fundamentales en la visión que hoy se tiene del mundo.

A ciertas edades es previsible que ocurra. Al fin y al cabo, es lógico que la vida y la muerte no entiendan de honores. Pero hay vidas y hay muertes que nos hacen sentir más el paso del tiempo. Por eso, adiós a estos dos grandes maestros.

2009-09-30T15:20:00.007+02:00

Si hubiese vivido en nuestros tiempos, Frank Lloyd Wright (Wisconsin, 1867-Phenix,1959) habría acaparado portadas de pe´riódicos y revistas. Incluso habría protagonizado su propio reañity show. Porque, adem´s de un genio, y probablemente el mejor arquitecto norteamericano del siglo XX, Lloyd Wright fue un personaje criticado, demandado, perseguido por clientes insatisfechos, por maridos engañados... Vivió una vida demasiado molodramática incluso para el Hollywood de entonces, pero que hoy lo habrían encunbrado a la cima de la polpularidad de masas.
Un romance con una clienta, que lo llevó a abandonar a su familia y a convertirla en su amante, que acaba con la muerte de ella, de sus hijos y varios colaboradores de Wright a manos de un ayudante demente, los encerró en una casa, le prendió fuego y acabó con los que sobrevivieron a hachazos, es un buen arranque para el guión de una película de terror. ¿El escenario? La casa que él había diseñado para su nueva compañera en Taliesin(Wisconsin).
Pero hay más. Su arresto bajo el Acta de Mann (una enmienda que prohibía la prostitución, la inmoralidad y el tráfico humano); la locura y las adicciones de su segunda esposa (Hubo una tercera)...Sus aventuras de alcoba se aderezan con una carrera irrefular que lo llevó al triunfo, tras la construcción del Hotel Imperial de Tokio, a la bancarrota y el olvido, se dedicó a escribir sobre urbanismo, para luego volver a la construcción, durante la Gran Depresión, de ese hito de la arquitectura que es la Casa de la Cascada.

Para una precuela puede quedar su infancia mimada en un hogar victoriano roto; su educación poco adecuada; su huida de juventud desde el rústico Wisconsin de 1880 al trepidante Chicago; su pelea con un empleado que lo había herido con un cutter y un primer matrimonio convencional con seis hijos que no preagiaba lo que después vino.
Una vida de cine y una obra que lo ha convertido en un icono del siglo XX. Su meta como arquitecto siempre fue subrayar los efectos positivos de la arquitectura sobre la calidad de vida de los ciudadanos. Wright creó un nuevo concepto de edificios: rechazó el criterio existente hasta entonces de los interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás. Él creaba desde dentro hacia fuera, lo que ha marcado a muchas generaciones. Diseñó espacios en lso que cada habitación o sala se abría a las demás porque su objetivo era la transparencia visual, la entrada de luz y la amplitud. Además, estudió con gran atención la arquitectura precolombina y aplicó su estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas.
http://www.youtube.com/watch?v=ahKiKLb3CgQ
ODIABA LAS CIUDADES
Pretendía acercar a las personas a la naturaleza e integrar la ciudad en el paisaje. La arquitectura y la naturaleza se mezclan en inmensos espacios abiertos, como ocurre en su Casa de las Cascada. Los Kaufmann, ricos por unos grandes almacenes, querían una casa en su finca de verano con vistas a una cascada. Wright acepta el reto, pero pasa nueve meses "sin tocar un lápiz" y, ante la visita del cliente, se saca un as de la manga: la casa se construirá no enfrente, sino sobre la misma cascada. Discusión y como resultado: la consagración de lo que Wright acuñó como "arquitectura orgánica".

Los clientes lo demandaban; los constructores no lo soportaban; Hollywood, donde tuvo estudio lo rechazaba.
Nunca consiguió que lo que construía fuese mencionado en la emblemática Architectural Digest, aunque la revista tuviera su base en la ciudad donde edificó cuatro de sus más famosas casas, Los Angeles. No ayudaba que estuviera obsesionado por un supuesto método Low Cost de construcción en bloques de hormigon."¿Que rico querría vivir en una casa así?". Se preguntaban muchos.
Ahora sus casas tienesn problemas de mantenimiento y sus restauraciones son millonarias. Los bloques de hormigón se deshacen. La Casa Ennis (1925), en una colina de Los Feliz, requiere mas de diez millones pra su rehabilitación. Pero cuenta con defensores como Diane Keaton y sus espacios de bloques de hormigón de reminiscencias mayas fueron protagonistas e inspiradores de los interiores futiristas de la película Blade Runner.
Hoy, los enemigos de Frank Lloyd Wright no lo persiguen en lso juzgados ni sus escándalos amorosos son portadas de los periódicos; el peligro está en la naturaleza que tanto respetó. La lluvia y el viento erosionan sus míticas casas, que siguen seduciendo a nuevas generaciones, como lo hacía en la vida este menudo y ambicioso arquitecto con mujeres y clientes. Murió el 9 de abril de 1959 a los 91 años. Tres días después lo enterraban en su cas Taliesin, junto a la tumba de su madre y la de su amante asesinada. Mamah Borthwick.
Infatigable, en su último año de vida, mientras remataba su museo, discutía el color de la fachada para Bagdad en medio en una isla en el rio Tigris.
Un visionario, un creador prolífico que no llegó a construir la mayoría de los diseños que imaginó, lo cual no le impidó pasar a la Historia como uno de los grandes de la arquitectura del siglo XX.

ÉSTA EXPOSICIÓN NO ME LA PIERDO

2009-09-08T18:50:00.007+02:00

Estaré en Madrid en octubre y no puedo dejar de ir.
Esta mujer me encanta,desde que supe de ella me apasionó toda su obra y su vida.
La Fábrica Galería presentará del el 8 de septiembre hasta el 24 de octubre de 2009, en colaboración con el Estate of Francesca Woodman (Denver, 1958-Nueva York, 1981) la primera exposición individual de la artista en una galería de arte en España.Después de su reciente retrospectiva en el Espacio AV de Murcia la exposición, «Autorretrato sin retoques», incluirá 15 fotografías en blanco y negro de diversos períodos de la artista, así como la proyección de «Selected Video Works, 1975-1978», que se exhibirá gracias a la colaboración de la galería Marian Goodman de Nueva York. «Las cosas parecen extrañas porque mis fotos dependen de mi estado emocional... Sé que eso es verdad y he reflexionado sobre ello mucho tiempo. En cierto modo, me hace sentir muy bien, mucho», manifestó en alguna ocasión Woodman.

A Woodman, que tuvo una temprana muerte a los 23 años, le interesaba principalmente el retrato, y centró preferentemente su producción sobre su propio cuerpo, habitualmente desnudo. Con un marcado carácter autobiográfico, sus fotografías la muestran en escenarios melancólicos, habitaciones en las que la artista retrata la soledad, el olvido y el paso del tiempo. La obra de Fracesca Woodman alude permanente a un desnudamiento radical, a un gesto en el que literalmente se deja la piel. Esta mujer, que desaparece en sus autorretratos formulando la alteración del yo a la manera de Rimbaud, como afirma Fernando Castro Flórez, se sentía, en cierta medida, frustrada porque sus proyectos resultaban ridículos, completamente ilógicos o ilegibles. En la obra de Francesca Woodman -señala Chris Townsend- el cuerpo mismo deviene ambiguo. Toda la escenografía de la desnudez finalmente remite a una suerte de deseo angélico. Todos sus intensos gestos trasmiten la experiencia de la soledad y la extrañeza que puede llegar a producir la propia piel. Fotografías de una inquietante fragilidad en las que, como Rosalind Krauss ha señalado, no hay nada de narcisismo.

Francesca Woodman realizó a sus primeros trabajos con 13 años, adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir que la atención recayera sobre un sujeto principal (y normalmente único) en la escena. A los 17 años comenzó estudios en Providence, en la Escuela de Diseño de Rhode Island y consiguió una beca para cursar el tercer grado en Roma. Allí se identificó con el surrealismo y el futurismo, que desde entonces ganaron presencia en sus fotografías, así como la decadencia, manifiesta en las paredes desnudas y los objetos antiguos que también comenzaron a poblar sus trabajos. En Roma realizó sus dos únicas exposiciones individuales.

A su vuelta a los Estados Unidos, terminó sus estudios en Providence y se mudó a Nueva York, donde se embarcó en proyectos más ambiciosos, incluyendo el diseño de nuevas exposiciones y de varios libros sobre su obra.

Francesca Woodman falleció en 1981 con veintitrés años cerrando así una trayectoria breve pero de una intensidad extraordinaria. Su obra no estaba destinada a producir espectáculo sino intimidad, al expresar el desasosiego, el miedo y la angustia, indagando la ausencia del cuerpo.

UN BUEN FINAL

2009-08-29T14:02:00.002+02:00

La historia culmina el verano pasado en A Coruña, pero había comenzado en Madrid 70 años atrás, donde vivió los episodios principales de su laborioso despliegue. Es la historia de un lienzo, más precisamente un retrato al óleo pintado en los albores de la década de 1930 por un pintor que, como el personaje femenino que representaba, permaneció en el anonimato durante muchos años.

Ahora, el secreto ha sido desvelado y el cuadro se ha salvado gracias a la tenacidad de un ciudadano, experto en restauración, y a una conjunción feliz de circunstancias. El lienzo, de 150 por 91 centímetros, representa a una dama elegantemente vestida con un atuendo de fiesta, negro y con bordados plateados. Mira al frente y en sus ojos parece esconderse un enigma indescifrado.

El relato comienza cuando el vistoso cuadro, enmarcado en pasta negra, queda abandonado en un piso vacío de la calle de Alfonso XII, número 50, al finalizar la Guerra Civil en 1939. Algunos inquilinos ilustres han huido al exilio, pero el silencio se adueña del pasado y nadie parece saber nada. Transcurren 30 años.

Las escorrentías subterráneas del cercano parque del Retiro, que bombean agua hacia las calles aledañas, llevan a los inquilinos del inmueble a revisar la resentida cimentación del edificio. Entonces, el retrato de la dama es descubierto junto a la sala del ascensor. Nadie se atribuye su propiedad. Por ello, José Antonio Buces, hijo de la dueña de una de las viviendas, tras realizar infructuosas indagaciones, decide rescatarlo. Buces, que cuenta entonces con 20 años, va a comenzar a estudiar restauración artística en el cercano Casón del Buen Retiro. El lienzo recién hallado le atrae sobremanera, por la belleza de su hechura y la elegancia de la dama retratada. No está en mal estado, se dice, pero presenta dos orificios hechos presuntamente a conciencia en las inmediaciones del rostro de la mujer representada.

Así, tras restaurarlo, instala el cuadro en el comedor de su casa y un día invita a cenar a dos amigos, Rosa Suárez Inclán y José Ignacio Sáenz Díez. Rosa es sobrina de Pilar Ducassi, inquilina de Alfonso XII, número 52, desde antes de la guerra, cuando se llamaba calle de Niceto Alcalá Zamora. De Ducassi, Buces obtiene la primera respuesta a sus múltiples preguntas: "Ella, la dama del lienzo, era la esposa de Santiago Casares Quiroga".

Gloria Pérez Corrales, hija de un militar cacereño republicano y de una cigarrera coruñesa, era desde 1920 la esposa de Santiago Casares Quiroga, presidente del Gobierno de la República entre el 13 de mayo de 1936 y el 19 de julio de aquel mismo año, cargo que simultaneó con el de ministro de la Guerra en los albores de la contienda civil. Leal a Manuel Azaña hasta el final y también al doctor Juan Negrín, se exilió a Londres al acabar el conflicto.

Gloria y Santiago tuvieron una hija, María Victoria. Gloria sirve como confidente en la confección de las listas electorales y el republicano Manuel Guzmán la propone como candidata a diputada a Cortes, invitación que no acepta. Durante los primeros meses de la guerra, trabaja en hospitales de campaña. A mediados de octubre de 1936, Casares lleva a las dos a Barcelona y de allí pasan al exilio en Francia. En la capital gala se instalan en el hotel Paris-New York y en 1946 Gloria muere víctima de un cáncer de estómago en París. José Antonio Buces es pertinaz y reconstruye lo sucedido. Averigua que el matrimonio Casares vivió primero en la calle de Alfonso XI, cerca del Ministerio de Marina, donde el ministro y dirigente de Izquierda Republicana sesionaba. Luego se cambiaron a la de Alfonso XII, donde colgaron el retrato hasta que el desenlace de la contienda llevó al ministro al exilio londinense y a ella, a París. Allí su hija María Casares llegaría que con el tiempo a ser gran actriz de la escena francesa y europea.
Con ella José Antonio Buces intentó ponerse en contacto en París. Tras numerosas gestiones, su propósito fracasó. María falleció y el retrato de su madre permanecía en España. Mediado 2007, a través de un periodista amigo, Buces entra en contacto con Isabelo Herreros, dirigente de Izquierda Republicana, que posee una tenacidad documental extraordinaria. Así, localiza una pequeña fotografía, en blanco y negro, del misterioso lienzo en el Archivo del Reino de Galicia. "Se daba por desaparecido", explica Herreros. En cuanto al autor del cuadro, descubren que fue Luis Mosquera (La Coruña, 1899-Madrid, 1987), académico de Bellas Artes y afamado retratista. Tras la contienda, llegó a retratar a Francisco Franco y a Josemaría Escrivá de Balaguer, máximo dirigente del Opus Dei.

Herreros informa a Buces de que existe en A Coruña una fundación municipal recién creada que lleva el nombre de Casares Quiroga. Buces puede ver así cumplido su deseo de devolver el retrato de Gloria Pérez. La entrega del lienzo se consumó el 23 de julio de 2008 en la capital coruñesa. La memoria es, por encima de todo, justicia.

La historia no es tan sólo cuestión de fechas

TAL DÍA COMO HOY ALLENDE COMETIÓ EL FALLO MAS GRANDE DE SU VIDA

2009-08-23T11:21:00.005+02:00

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Yo tambien me voy hacer un cigarrito en honor de Victor Jara y de todos aquellos que no les dieron ni la oportunidad de fumarse el llamado cigarrito del condenado.
Si, tal día como hoy el presidente Salvador Allende cometió lo que para mi es el gran error de su vida. Nombró Comandante en jefe del Ejército de Chile al que pocos días mas tarde sería su berdugo, me niego a poner el nombre del dictador y mucho menos incluir una foto.
Si alguien le hubiera dicho a Allende lo que ocurriría tan solo 19 días más tarde.
El 11 de septiembre de ese año, dirigió a un golpe de Estado que derrocó al gobierno de Salvador Allende abrigándole a suicidarse. Desde ese momento, "el militar". (Ya he dicho que no diré su nombre) asumió el gobierno del país, primero bajo el cargo de Presidente de la Junta Militar de Gobierno (que ocupó hasta 1981), al que se sumó el título de Jefe Supremo de la Nación el 27 de junio de 1974, que le confería el poder ejecutivo.
Tan solo cinco días mas tarde detuvo y mandó ejecutar al cantante y poeta VICTO JARA.

VICTOR JARA
No se las miles de veces que habré tarareado sus canciones y leído sus poemas.
Víctor Lidio Jara Martínez (* San Ignacio, 28 de septiembre de 1932 - † Santiago de Chile, 16 de septiembre de 1973) fue un músico, cantautor y director de teatro chileno.

Procedente de una familia campesina de Ñuble, Víctor Jara se convirtió en un referente internacional de la canción reivindicativa y de cantautor. Fue torturado y asesinado en el antiguo Estadio Chile (actualmente Estadio Víctor Jara) por las fuerzas represivas de la dictadura, que derrocó al gobierno de Salvador Allende el 11 de septiembre de 1973.

"Que el canto tiene sentido,
cuando palpita en las venas
del que morirá cantando
las verdades verdaderas,
no las lisonjas fugaces
ni las famas extranjeras
sino el canto de una lonja
hasta el fondo de la tierra."

"Ahí donde llega todo
y donde todo comienza,
canto que ha sido valiente
siempre será canción nueva."

"Manifiesto" (fragmento) - Victor Jara

El Golpe de Estado del general contra el presidente Salvador Allende el 11 de septiembre de ese año lo sorprende en la Universidad Técnica del Estado, y es detenido junto a profesores y alumnos. Lo llevan al Estadio Chile, donde permanece detenido varios días. Según numerosos testimonios, lo torturan durante horas, le golpean las manos hasta rompérselas con la culata de un revólver y finalmente lo acribillan el día 16 de septiembre. El cuerpo es encontrado el día 19 del mismo mes.[1] [2]

Fue un destacado militante del Partido Comunista de Chile, siendo miembro del comité central de las Juventudes Comunistas de Chile hasta el momento de su asesinato. Estando preso escribió su último poema y testimonio: Somos cinco mil

Somos cinco mil

en esta pequeña parte de la ciudad.
Somos cinco mil
¿Cuántos seremos en total
en las ciudades y en todo el país?
Solo aquí
diez mil manos siembran
y hacen andar las fábricas.
¡Cuánta humanidad
con hambre, frío, pánico, dolor,

presión moral, terror y locura!

Carta de Ángel Parra a Victor Jara.
Querido Víctor:
Me despierto con ganas tremendas de escribirte para contarte lo que me sucedió anoche 24 de diciembre. Serían como las 12:10 cuando sonó el teléfono, nosotros dormíamos profundo, lo de siempre cuando te despiertas antes de haber terminado su noche, ¿quién será? ¿Porqué tan tarde? etc. La llamada era de Chile, para decirme que formaba parte de los perdonados, que era parte del paquete de regalo de pascua que la dictadura ofrecía este año.

La voz querida de mi hermana sonaba radiante, ¿te acuerdas Víctor de su voz? ¡Se te acabó el exilio hermano, se te acabó el exilio! Por un segundo compartí de corazón su alegría, la alegría de tantos otros que pelean todos los días a brazo partido por el fin del exilio y que en mi caso consiguieron mi perdón. Perdón, ¿pero de qué, Dios mío me pregunto?

¿Me están perdonando tus 40 balas por la espalda?

¿Mi padre a quien no volveré a ver?

Quema de libros, revistas y periódicos políticos después del golpe militar.

Ellos me están perdonando nuestros 30 mil muertos y ¿el río Mapocho ensangrentado?

¿Me perdonarán acaso los cadáveres que traía el Renaico en Mulchén? ¿Los fusilados de Calama (al quinteo, es decir 1-2-3-4-5-tú), el director de la Sinfónica Infantil de La Serena? ¿El padre Jarlan símbolo de los pobladores torturados violados relegados expulsados encarcelados desaparecidos?¿Carmen Gloria, Rodrigo? Parece que debo hacer una reverencia y agradecer el perdón. aquí no ha pasado nada y tan amigos como antes.

¿Qué te parece Víctor? A veces pienso que es mucha la generosidad, y que soy un mal agradecido.

Me perdonan Marta Ugarte, Tucapel, el Chino Díaz, Weibell, los degollados, Pepe Carrasco, Corpu Cristi y yo no se agradecer.

¿Me siguen perdonando los cinco jóvenes desaparecidos en septiembre del '87, mi pueblo hambriento, la cesantía, la Prostitución infantil y este nudo en la garganta permanente desde hace 14 años también me lo perdonan? Me pregunto si en este gesto están incluidos mis amigos muertos en el exilio, Lira Massi, Ramírez Necochea, Guillermo Atias,Vega Queratt.

Estas en la lista, ¿Cuál lista?, la de los que pueden reir pensar, circular, amar, morir, vivir.

La tumba de Víctor Jara en el Cementerio General en Santiago de Chile.

En fin Víctor amigo, mucho tiempo que quería escribirte pero ya me conoces soy un poco flojo. Te contaré que estoy componiendo mucho, entre merengues, tonadas, cumbias y cuecas, oratorios y pasiones, el tiempo pasa y se queda inscrito en el alma.

Quiero hablarte un poco de mi mujer a quien no conociste, pero conocerás algún día o no, mejor lo verás en ella cuando llegue el momento. Ella me ha dado algo que yo no sé como se llama, pero que se traduce en una cierta seguridad equilibrio y alegría de vivir, la misma que tú tenías junto a tu mujer. Me acuerdo perfectamente de tu claridad y seguridad en tus pasos, aventuras y destinos. Y eso se reflejaba en tu trabajo, el teatro, la peña, el partido, los sindicatos y los amigos. Siempre tenías tiempo para todo (yo me cansaba de mirarte). Me acuerdo que la Viola me decía, aprende, aprende. Espero haber aprendido algo.

Por ejemplo :

"El amor a la justicia como instrumento del equilibrio para la divinidad del hombre", oración de Victor Jara.La humildad, el heroísmo no se venden ni se compran que la amistad es el amor en desarrollo que los hombres son libres solamente cuando cantan, flojean o trabajan chutean el domingo la pelota o se toman sus vinitos en las tardes le cambien los pañales a su guaguas distinguen las ortigas del cilantro cuando rezan en silencio porque creen y son fieles a su pueblo eternamente como tú y como miles de anónimos maestros somnolientos de domésticas, mineros, profesores, bailarinas, guitarreras de la Patria. También quiero decirte al despedirme que París está bello en este invierno que no acepto los perdones ofrecidos que mi patria la contengo en una lágrima que vendré a visitarte en primavera que saludes a mis padres cuando puedas que tengo la memoria de la historia y que todo crimen que se haya cometido deberá ser juzgado sin demora que la dignidad es esencial al ser humano que el año que comienza será ancho de emociones esperanzas y trabajos sobre todo para Uds. Víctor Jara que siembran trigo y paz en nuestros campos.

ANGEL PARRA, París, diciembre 1987.

Esta entrada está dedicada con todo mi cariño y respeto a todos los muertos y vivos que sufren o han sufrido las distintas dictaduras de este mundo nuestro, que se llama Tierra y que me hace dudar muchas veces de la verdadera esencia del ser humano.

UN LENGUAJE DIFERENTE

2009-08-15T11:55:00.002+02:00

Desde el principio de los tiempos el hombre, además de su voz ha utilizado instrumentos para comunicarse,desde el ancestral "Tam tam" hasta los más sofisticados aparatos de éste siglo.
Por eso hoy voy hablar de un lenguaje que se utilizó durante siglos y que cada vez es más difícil escuchar.El lenguaje de las campanas.

EL LENGUAJE DE LAS CAMPANAS

La vida social en general, en nuestros pueblos y ciudades, ha cambiado de una manera galopante en los últimos años. Unas veces motivado por el avance tecnológico, otras veces por los cambios de emigración y desarraigo, y otras por el olvido de los tesoros culturales más tradicionales en nuestras comunidades.

Uno de los tesoros culturales que estamos olvidando es el rico significado del "lenguaje de las campanas". Hoy vivimos "sordos" al lenguaje del bronce, que sin embargo todavía repica en nuestros pueblos y, - menos, ay - en las ciudades. Nos hemos "colgado" del reloj-despertador; del televisor; del móvil parlanchín de correos, de alertas, de guiños; y del "mp3" sofisticado...

Pero, "érase una vez"... "in illo tempore"... en que nuestros abuelos y padres vivían cada día "colgados" de las campanas:

-"Había en el pueblo un campanero - me dice Catalina, una anciana risueña y vivaracha - tan "soberbio", que hacía hablar a las campanas"...

Y es verdad: "las campanas hablan". Las lenguas de bronce han servido a lo largo de los siglos:

-- para "mostrar" las horas, y así fueron relojes colectivos;

-- para "llamar al rezo de las horas" en el mundo de las horas canónicas;

-- para informar al pueblo de todo tipo de avisos y noticias;

-- para cantar alegrías y aliviar las penas en las despedidas últimas...

En cada pueblo al menos había una iglesia. Con su espadaña y sus dos , -o tres- campanas: la grande, la mediana, la pequeña (con la lógica verdad de perogrullo de los pueblos)... y a veces el "campanil", que era, como el último aviso de los curas para los retrasados: una esquila grande.

1.- La campana como reloj público:

Al despertar el día, la torre de la iglesia daba "el toque del alba", como un gallo... kikiricando.

Al mediodía, bajaba un angel con su dedo de silencio, y ponía en los lábios de todos los beatos un "Ave María", y un descanso.

Es el "Ángelus

": Con la campana más pequeña y a ritmo rápido que se interrumpía tres veces por un toque de la campana grande, era un toque diario a las 12 de la mañana.
(Pincha en este enlace: http://www.funjdiaz.net/mp3/campanas/leon.mp3, para oir el "Angelus")

A media tarde, se rezaba, sin angel ya, otro "Ave María", con el eco repetido de la campana "mediana".

Ave María

: Toque idéntico al Ángelus pero por la tarde y con horario variable según la estación. En invierno se tocaba a las 6'30 y en verano a las 8'30 de la tarde.
El día se apagaba, y el "toque de ánimas" invitaba al descanso merecido.

Toque de ánimas

: Tres toques secos con la campana grande en secuencia de un minuto. En otoño-invierno era a las 9 de la noche y en primavera-verano a las 10. Normalmente este toque de ánimas era utilizado por las madres para marcar la hora de regreso de los hijos a casa. Entre el primero y el último de estos tres toques era normal ver a chavales corriendo en busca del hogar paterno.
Y por si alguién se olvidaba, el "toque de queda" bajaba el telón a la jornada. Con resonancias militares...

2.- La campana, "cantora" de las horas canónicas:

A las tres de la mañana: "Maitines".

A las seis de la mañana: "Laudes", (alabanzas).

A las nueve de la mañana: "Tercia".

Varios "toques de misa", según el número de misas, a lo largo de la mañana.

A las doce: "hora sexta", con el "Angelus".

A las quince horas: "Nonas", un segundo alba, tras la siesta, imperdonada.

A las dieciocho horas: "Vísperas".

A las ventiuna horas: "Completas".

3.- La campana, altavoz de avisos y notícias:

Son todos avisos generales, de uso civil, aunque en muchos casos relacionados con la iglesia:

Llamada a concejo

: para citar a los vecinos a la reunión ciudadana.
Toque de "arrebato":

Sólo con la campana mayor o grande y a buen ritmo y sin parar durante mucho tiempo (10 ó 15 minutos) hasta que la gente acudía al lugar del siniestro, que normalmente era fuego.

Toque de muerte

:Toque impulsado por cuerda a dos campanas. Al final dos toques si era mujer y tres toques si era hombre indicaban el sexo del fallecido.
Toque de tormenta (en algunos sitios llamado "tente nube"):

El campanero, desde su puesto privilegiado tenía la obligación de avisar a los vecinos cuando venía una tormenta. La gente, al oírlo, se refugiaba en las casetas del monte o regresaba al pueblo. Se trata de un toque combinado de las tres campanas. Se solía tocar dos veces.

Toque de "perdido":

Se tocaba cuando se perdía alguna persona. Es un toque combinado de las tres campanas.

Toque de fiesta:
Se tocaba en celebraciones especiales. En el repique se tocan las tres campanas combinando la Grande y Pequeña por un lado y la Mediana por otro.

Toque de fuego:

En tiempos pasados no era raro que se produjese el incendio de algún pajar, casa o campo. Normalmente el campanero indicaba a la gente mediante gritos el lugar del fuego. Era un toque muy acelerado con la campana Grande, que comenzaba con tres toques separados.

La fiesta de los Quintos

: Prácticamente, éste era el único momento del año en que se permitía tocar las campanas a personas fuera de la familia o que no fueran de confianza de los campaneros, ya que los quintos subían con gran ilusión a tocar las campanas.
4.- La campana como toque de pena y despedida:

Un capítulo aparte merece la campana y los toque de muerte y entierro:

El toque "a muerto":

Avisaba en general del fatal desenlace.

Toque combinado de las tres campanas para anunciar la muerte de un vecino. Se realizaba en el mismo momento en el que se comunicaba el fallecimiento, y después al mediodía y/o al atardecer, tras el toque de oración, según la hora en que se hubiese producido. Al día siguiente, lo mismo, tras los toques de oración hasta el momento del entierro.
Toque de entierro

: que según la categoría y los "bienes" del difunto, podían ser:
Ordinario

: Toque impulsado por cuerda a dos campanas. Al final dos toques si era mujer y tres toques si era hombre indicaban el sexo del fallecido. Al entierro iban dos curas.
General:

Campanas a medio vuelo -las cuatro- y al finalizar dos o tres toques según fuera hembra o varón. En el entierro iban tres curas vestidos con capa a la casa del finado.
Generalisimo

: Se hacían un par al año. El toque era idéntico al general y se diferenciaba de aquel en que los tres curas que oficiaban vestidos uno con capa y dos con dalmática iban y venían tres veces a la casa mortuoria rezando por la calle.
"Por amor de Dios":

Entierro de los pobres, cuyos gastos sufragaban los cofrades de alguna cofradía humanitária.
Toque de ángel:

Cuando moría un menor de siete años (antes de tomar la comunión), se procedía con este toque. Las dos campanas pequeñas y una mayor velocidad en la secuencia era lo que distinguía el toque de ángel. Como en los adultos, 3 y 2 toques si el párvulo muerto era niño o niña.
Este toque sustituía el toque de muerto cuando el fallecido era un niño que no había hecho la Primera Comunión.
Como se ve, los pueblos eran una "fiesta contínua de sonar de campanas". Cuentan que en un pueblo que hace muchos años un grupo de mujeres, de las más beatas, visitaron al alcalde para pedirle que encargara la compra de una campana nueva, de la que según ellas, el pueblo estaba muy necesitado. El alcalde era un hombre honrado, pero no demasiado religioso, y menos un "beato". No compartía la opinión de las mujeres, pero no quiso llevarles la contraria, y prometió comprarla.Al cabo de unos días, las mujeres impacientes visitaron de nuevo al alcalde, llevándole un precioso catálogo de campanas.

-" No hace falta catálogo!" - dijo el alcalde, al verlas -, " Voy a comprar una campana, sí!, pero de pana!!!... porque estoy hasta los h.... , de toques de campanas".

SU SONIDO ME TRAE RECUERDOS DE MI INFANCIA.

2009-08-11T10:31:00.002+02:00

La txalaparta me trae recuerdos de mi infancia cuando aun celebrábamos la cosecha de la manzana y a continuación hacíamos la sidra,o cuando celebrábamos alguna fiesta familiar en el prado del caserio,junto con los vecinos de los caserios colindantes todo era alegre y el buen ambiente de cariño y vecindad flotaba en el aire.
Os voy hablar de éste original instrumento de que aun recuerdo y que guardamos en la panera del caserio familiar.
LA TXALAPARTA.

La txalaparta es un instrumento de percusión tradicional vasco con un claro equivalente en el semantron o toacă de la Iglesia Ortodoxa. Es posible que la txalaparta constituya el único vestigio entre la cristiandad occidental de un ritual de llamada a la liturgia anterior al Cisma de Oriente.

La txalaparta clásica se compone generalmente de dos soportes (cestos, sillas, banquetas, etc.), sobre estos algún material aislante (hoja de maíz, sacos viejos enrollados, hierba seca, etc.) y sobre esto un tablón que es golpeado con cuatro palos (dos cada Txalapartari). Las maderas más utilizadas para el tablón han sido el aliso, fresno, castaño u otras del país. Aunque tradicionalmente cada txalaparta solía tener dos o tres tablas de madera, recientemente es habitual encontrar txalapartas formadas por una docena de tablas.

TOQUES DE LA TXALAPARTA

Existe varios toques que han evoluconado a otros mas modernos.

- Tradizonala ( Tradicional ) - Laukitua ( toque moderno ) - Hirukoa ( de tres ) - Papua ( en honor a la tribu papua africana ) - Bostekoa ( de cinco ) - Balsa ( Vals ) - Ezpata Dantza ( danza de la espada )

Dónde se ha utilizado?
En Gipuzkoa, Donostia-Urumealdea Lasarte, Usurbil, Hernani, Ereñotzu, Urnieta, Altza-Intxaurrondo, Astigarraga, Ergobia, Andoain, Oiartzun, Orio, Bidania, Elduaien, Alkiza, y en Navarra, Lesaka y Bidasoa-Baztanaldea han sido los lugares que en un tiempo conocieron esta costumbre. Teniendo en cuenta el retroceso que ha sufrido en los últimos tiempos, es de suponer que también sería conocida en otros lugares.

Siempre aparece en el medio rural y relacionado con ese modo de vida.
En la década de los setenta quedaban pocas parejas que la tocaran, y éstas en las siguientes comarcas: Donostia-Urumea, es decir, Lasarte, Hernani, Astigarraga, Ergobia, Altza,...(txalaparta), Oiartzun, Lesaka (tobera) y Bidasoa-Baztanaldea (kirikoketa).

En todos estos lugares hemos aprendido lo que sabemos sobre la txalaparta, pero nuestros principales informadores y maestros han sido Migel y Pello Zuaznabar del caserío Sasoeta de Lasarte y los hermanos Asentsio y Ramon Goikoetxea del caserío Erbetegi-Etxeberri de Astigarraga.

¿Dónde y cómo se ha utilizado?

Aparece relacionada con dos tipos de actividad social diferente: las celebraciones de finalización de los trabajos comunitarios (auzolan) y de boda, pero siempre dentro de un ambiente festivo.
En Donostia-Urumealdea, sus habitantes han conocido esta costumbre viva en relación con los trabajos comunitarios de la fabricación de la sidra. Tras triturar la manzana, los que habían colaborado en el trabajo celebraban una fiesta con cena incluída. En ocasiones era una buena cena, y en otras no tanto. Como dice Ramon Goikoetxea: "Algunas veces bacalao, otras veces sardinas viejas", pero la fiesta siempre se celebraba. Lo que no faltaba era sidra, sidra o zizarra (sidra recién hecha).

Estos dos caseros son unos excelentes txalapartaris.
Tras la cena, la gente se iba animando y entonces se montaba la txalaparta. Normalmente frente a la entrada del caserío, en el exterior, y en seguida empezaban a tocarla. En aquel momento comenzaba una nueva parte de la fiesta; hasta entonces la fiesta era de los comensales, de ahí en adelante, al oir la txalaparta, acudiría la gente de los caseríos de los alrededores, jóvenes la mayoría.
Cuentan que la txalaparta se oía en un radio de unos 5 kilómetros y muchos de los que vivían dentro de él acudían a la fiesta.
Según dice Ramon Goikoetxea: "Al triturar la manzana, la tabla del lagar que elegíamos para tocar la txalaparta solía estar mojada, y la poníamos en el tejado para que se secara y diera así un mejor sonido. La gente la veía y se enteraba de que pronto iba a haber fiesta allí. La gente solía estar atenta, para enterarse de cuándo se organizaba la fiesta en Erbetegi-Etxeberri".
"Allí solíamos estar saltando y gritando, bebiendo sidra y tocando la txalaparta hasta el amanecer". Por lo visto también se haciá gaupasa en otro tiempo, y no eran unas gaupasa cualquiera porque en esa época las noches son largas y duras. Para comprender el ambiente de aquellas fiestas, he aquí otro detalle curioso contado por R. Goikoetxea: "Nuestro abuelo se doblaba hacia atrás y pasaba por debajo de la tabla mientras mi hermano y yo tocábamos."

Algo parecido era lo que relataba Migel Zuaznabar sobre estas fiestas en torno a la sidra y para conocer mejor el ambiente de la txalaparta contaba otro episodio. En cierta ocasión hicieron una cena de "quintos" en un restaurante de Lasarte y al acabar la cena se les ocurrió tocar la txalaparta pero allí no tenían a mano los elementos necesarios para montarla. ¿Qué hacer? En el paso a nivel del tren Donostia-Bilbo había una caseta, la desmontaron y con ese material hicieron la txalaparta e inmediatamente se pusieron a tocarla.

En torno al toque

Junto a la txalaparta se utilizaban otros elementos. En Lasarte, por ejemplo, se tocaba el cuerno antes de cada sesión de txalaparta.

En Navarra, el entorno de la fabricación de la sidra era similar. Allí recogió Aita Donostia hace muchos años la forma de toque que se conoce por el nombre de "Kirikoketa" (todavía recordada por los viejos de algunos pueblos). Allí el toque se acompañaba de una cantinela.
A cada golpe correspondía una sílaba de esta cantinela:

Alakiketa alakiketa
Alakiketa kiketa kiketa
Sagarra jo dela sagarra jo dela
Sagarra jo dela jo dela jo dela.

(se ha golpeado-prensado, la manzana)

Este toque muestra claramente que tiene algo de mensaje, un rastro de mensaje. Doble mensaje quizá: por una parte, que el trabajo de triturar la sidra se ha acabado y, por otra parte, una llamada a la fiesta.

En torno a los hornos de cal también aparecen este tipo de actos y celebraciones. Se juntaban para hacer la cal, por la noche encendían un fuego junto a la calera y se celebraba la fiesta denominada "karobi eztaia". En esta fiesta había cena, bersos, irrintzis, música y también se tocaba la txalaparta.

También se ha utilizado con motivo de las bodas y de diferentes maneras. En ocasiones el mismo día de la boda, otras veces antes, el día de las amonestaciones.
Una cuadrilla de jóvenes generalmente cargan la palanca al hombro y se acercan a la casa de la novia. Allí plantan la palanca en el suelo, muchas veces adornada de cintas y flores, y a la hora de tocar, la sacan del suelo y, sosteniéndola en el aire por los dos extremos, proceden al toque.

En los toques de boda se intercalan coplas. Las coplas son de tres tipos: viejas, confeccionadas para ese día e improvisadas. Para ello se elige a alguien ducho en estas lides y de vez en cuando la cuadrilla canta el siguiente estribillo:

San Martin de la Moja
Moja de San Martin.
Toberak jo ditzagun
Ordu onarekin;
Ordu onarekin ta
Birjin Amarekin

(toquemos las toberas en buena hora y con la viregen maria)

La opinión de que la txalaparta ha sido un instrumento para enviar mensajes de un lugar a otro está muy generalizada pero, de entre toda la información que hemos recogido, el de Alakiketa es el único caso en que hay alguna traza de mensaje. Y es que en ninguna parte hemos encontrado nada por el estilo y los viejos txalapartaris que hemos conocido no han enviado jamás ningún tipo de mensaje por este medio. Así nos respondía R. Goikoetxea a la pregunta de si enviaban mensajes: "Tal y como tocan Andre Madalen los acordeonistas, pues nosotros igual tocábamos la txalaparta".

Con esto no queremos decir que nunca se haya utilizado para esa función y que no hubiera distintos códigos (como en el caso de las campanas) para hacer pasar los mensajes. Aparte del caso de Alakiketa, los txalapartaris que hemos conocido la empleaban únicamente para entretener a la gente y como instrumento musical, siempre para hacer música festiva y juegos rítmicos con un punto de improvisación.

La txalaparta también posee otra calidad. Tanto por los escritos como por todos los casos que hemos conocido directamente, queda claro que se tocaba de noche. En las fiestas en torno a la sidra, en las fiestas de las caleras (karobi eztaiak) y en las celebraciones del matrimonio. Las únicas excepciones se han producido estos últimos años, audiciones fuera de contexto ofrecidas por viejos txalapartaris a modo de exhibición.

Es éste tema que habrá que estudiar en profundidad, porque no creemos que sea casualidad, ya que en todas las costumbres similares a la txalaparta que conocemos a través del mundo sucede lo mismo.

Modos de hacer música con la txalaparta

Los intérpretes suelen ser dos. La música la hacen entre los dos. Según los lugares, cada intérprete toma un nombre diferente:

ttakuna herrena (cojera)
tukutuna urguna (cojo)
bia pikatzailea / bata

Tal y como indican estos nombres, cada intérprete tiene su función. Uno impone el orden y equilibrio y otro rompe lo impuesto por el compañero, haciendo aparecer el desorden y el desequilibrio. De esta forma, en la actuación hacen y deshacen el ritmo, cada vez más rápidamente, hasta llegar a un equilibrio imposible de romper.

Situación actual

Hoy en día ha cambiado mucho la situación de la txalaparta. Se ha multiplicado el número de txalapartaris y respecto a la distribución geográfica podemos decir que en todas las comarcas de Euskal Herria se organizan cursos y clases de todo tipo. De estas escuelas están sugiendo muchos txalapartaris y las actuaciones de los mismos se pueden escuchar en cualquier lugar y tiempo.
Las funciones de la txalaparta también se han ampliado notablemente tanto en el terreno musical como en el social. Aparece en grupos musicales de tipo y estilo diferentes a la par de los demás instrumentos. Los creadores, en muchos casos, cuentan con este instrumento en sus nuevos trabajos. A menudo hemos podido escuchar el sonido de este instrumento en actos y celebraciones políticas,sociales, familiares y festivas.

En cuanto a la forma de tocar, ésta se ha enriquecido notablemente. Gracias a los trabajos efectuados por los nuevos txalapartaris en los últimos años, las interpretaciones resultan cada vez más complejas.

En cuanto al material, si antes en unos casos se empleaba la madera y en otros el hierro, en la actualidad se emplean esos dos y algunos más (piedras, vidrios, etc.), mezclados o en solitario.
Cada vez hay más grupos estables de txalaparta que la trabajan con seriedad, que actuan solos o formando parte de diferentes conjunto musicales.

Por todo ello podemos afirmar, sin lugar a dudas, que si la txalaparta ha tenido un pasado y tiene un presente, también ha de tener un futuro saludable.

COMO CONOCÍ EL FLAMENCO

2009-08-08T12:12:00.002+02:00

Como casi todo en mi vida, y el flamenco no podía ser diferente lo conocí gracias a Silvia.Me voy a explicar.
Por deseo expreso de su padre, mi marido por aquel entonces, decidió que ella estudiase en el Instituto Británico de Madrid ya que en el País Vasco no existía ningún instituto inglés bilingüe, por no existir ni tan siquiera existía el Pais Vasko que se llamaba las Vascongadas.
Así que yo viajaba todos los fines de semana para recoger a mi hija unas veces regresábamos a casa y otros pasábamos el finde en Madrid, el día se lo dedicaba a ella enteramente y por la noche me dedicaba a conocer Madrid y su ambiente.Tenía la suerte de contar con mi madre que la cuidaba por la noche mientras yo vivía la noche madrileña.

De éste modo y gracias a una amiga profesional del flamenco y una gran bailarina de la cual no voy a dar el nombre por respeto ya que no se si le agradaría que lo hiciese.Me recorrí uno a uno los tablaos de flamenco de Madrid, Los Canasteros,Torres Bermejas,Café de chinitas,El Corral de la Morería,El corral de la Pacheca incluso llegué a conocer el que inauguró Lola Flores y que duró muy poco abierto y aun no se bien porque.
También pude ver en el Teatro Nacional a Antonio, Antonio Gades y a la gran Pilar Lopez.

Aqui el gran Antonio nadie como el para bailar los martinetes.
Ademas de estos dos anteriormente citados conocí y vi bailar a El Güito,Mauela Carrasco,y siendo aun muy joven al Pipa.¿Que nombres verdad?. Pero cuanto arte, verlos bailar y oyendo cantar a los más grandes, porque en esos tiempos con estos grandes artistas actuaban los mejores cantaores de flamenco.

Aprendí a vibrar con las tarantas,a alegrar mi alma con las bulerías y a centrar mis ojos en la evolución de sus manos cuando bailaban imaginando que eran exóticos pájaros dotados de cuerpo humano. Por aquel entonces los primeros que se atrevieron a mover las manos al bailar como lo habían hecho siempre las mujeres fueron, Gades,El Güito y el Pipa,era toda una revolución ya que entre los puristas se comentaba que eso solo lo debían de hacer las mujeres y los que lo hacían eran homosexuales, pero al hacerlo estos que su fama de mujeriegos les precedía nadie se atrevió a criticar.Por eso creo que los bailarines actuales deben mucho a estos gigantes del baile.

A mi me dejaron impactada y consiguieron que me enamorase de su arte en todas sus facetas y como dicen ellos aprendí a distinguir todos "los palos".

Espero que os gusten los videos que voy a dejar a mi me emocionan, como habreis visto no comento nada de Antonio Canales,Farruquito ni Joaquin Cortés, no porque crea que no se merecen estar si no que estos los he conocido despues y aunque son muy buenos para mi no tienen el mismo sabor.Sabor a Silviala mejor etapa de mi vida.

EL DIOS DEL RIO AMAZONAS

2009-08-02T12:57:00.006+02:00

Así se titula el artículo que he leído hoy en un suplemento de esos que regalan con el periódico, mientras desayunaba en una terracita del pueblo en donde vivo.
Me ha llamado tanto la atención que me he puesto a buscar cosas sobre "estos dioses" y aquí dejo lo que he encontrado,que por cierto la parte mitológica está muy bien pero saber que están abocados a un final tremendo y a su total exterminio por culpa como siempre del hombre que nos empeñamos en destruir todo lo hermoso que nos rodea, claro está que lo hacemos en nombre de la ciencia y el progreso, una ciencia y un progreso que como no le pongamos fin acabará con la Tierra y en consecuencia con nosotros los llamados seres racionales e inteligentes, que visto lo que hacemos me pregunto.¿Donde está la inteligencia?.
LOS DELFINES ROSAS

El delfín rosado (Inia geoffrensis) es una especie de cetáceo odontoceto de la familia Iniidae, la única del género Inia. Es un delfín de río que habita en los ríos y lagunas de la cuenca alta del río Amazonas y el río Orinoco, bajo los 400 msnm. Está bien adaptado a vivir en la varzea (bosque inundado).

Su color varía de rosado y marrón claro a gris azulado, siendo más oscuro en la parte superior y a medida que pasan los años. Los adultos miden 2,5 a 3 m de longitud y pesan 110 a 200 kg. Las aletas laterales son grandes comparadas con tamaño de cuerpo y se curvan hacia atrás. En cambio la aleta dorsal está reducida a una prominencia sobre el lomo.

Nadan generalmente en pareja, pero en circunstancias especiales forman grupos de hasta 20 individuos. Durante el apareamiento nadan con la parte ventral hacia la superficie, cerca de la orilla del río. Su reproducción depende del nivel estacional de las aguas.
Llegaron al Pacifico hace 15 millones de años y se adaptaron al auga dulce.Son juguetones pero esquios, por eso no hay censo fiable.
Es inteligente y muy sociable. Se relacionan fácilmente con los humanos, especialmente con aquellos que se desplazan en embarcaciones pequeñas.
Debido a la vulnerabilidad de la especie se han tomado medidas para su protección en todos los países que habita. Sus mayores enemigos son la deforestación y aquellas actividades humanas que contribuyen a perturbar su medio de vida. Algunas muertes de delfines rosados ocurren por envenenamiento con mercurio del ambiente, debido que en las minas de oro, el mercurio se utiliza para separar el oro de roca circundante.

Una de las grandes aventuras que todavía pueden realizarse en siglo XXI es la travesía amazónica que va de Iquitos, en Perú, a Manaos, en Brasil. A mitad de camino entre las dos urbes de la selva tropical, se encuentra la llamada Triple Frontera, conformada por la ciudad colombiana de Leticia, la isla peruana de Santa Rosa y la ciudad brasileña de Tabatinga.

Y es cerca de Leticia, ciudad palpitante y selvática, donde existen más posibilidades de ver saltar a unos extraordinarios y esquivos animales acuáticos: los extraños delfines rosas del Amazonas. Similar al delfín gris, puede llegar a medir casi 3 metros y mantenerse durante 15 minutos sumergido en el agua.
Estos curiosos mamíferos de piel rosada y notable joroba, son un emblema del ecoturismo en Colombia. Rodeados de leyenda, el mito habla de un guerrero indígena tremendamente bello y bien dotado, que envidiado por los dioses fue convertido en delfín y condenado a vagar por los ríos y lagos de la Amazonia. Desde entonces, acecha, durante las fiestas, a las jóvenes más bellas que se acercan al río.
Los delfines rosas del Amazonas.
Tal es el peso de la tradición que las mujeres evitan bañarse en el río de noche, o cuando tienen la menstruación, por miedo a que el rosado delfín las deje encintas. Como dato anecdótico cabe destacar que en muchos casos, en el registro de niños de padre desconocido, suele constar un escueto y fantástico “hijo del delfín”.
Los indígenas creen que por las noches los desfines rosados se transforman en hombres y seducen a las mujeres.Quien les haga daño morirá.
No es una pena que acabemos con unos animales tan bellos?.

TODA UNA VIDA DEDICADA AL ARTE

2009-07-29T12:15:00.003+02:00

El célebre coreógrafo estadounidense Merce Cunningham, que revolucionó la danza contemporánea, ha muerto a los 90 años, según ha informado la fundación que lleva su nombre. "Estamos muy tristes por la muerte de Merce Cunningham, que falleció apaciblemente en su casa, por la noche, de forma natural", ha afirmado la institución en un comunicado.

Apodado el 'Einstein' del baile y nacido el 16 de abril de 1919 en Centralia (Washington), Cunningham dinamitó desde los años 50 los códigos del ballet: el bailarín no se desplaza hacia el centro del escenario; él es el centro. Además, con la colaboración de John Cage, su pareja en la vida real, liberó la danza de la música, del decorado y de la narración.

Hijo de un abogado, estudió entre 1937 y 1939 en la Cornish School de Seattle y fundó su compañía en 1953, con la que creó más de 200 piezas. La fama le llegó antes en Europa, concretamente en París, que en su tierra. Aunque, junto a Martha Graham y George Balanchin hizo de Nueva York la capital mundial de la danza.

Hasta que cumplió los 70 años estuvo sobre un escenario en solitario con su compañía. En 1989, con los 80 ya cumplidos, bailó un dúo con Mikhail Baryshnikov en Nueva York.

El pasado mayo, su compañía estuvo en el Museo Reina Sofía para exhibir uno de sus 'event', una pieza de arte efímera, y en el Festival Madrid en Danza.

La danza de nuevo está de luto...

NUNCA ME DEJAN INDIFERENTE SUS LETRAS

2009-07-22T18:58:00.003+02:00

La canción más bonita del mundo...
Siempre pensé que las letras de Joaquín eran versos,unas veces deslenguado otras mordaz y siempre urbano y real como la vida misma.

Yo tenía un botón sin ojal, un gusano de seda,
medio par de zapatos de clown y un alma en almoneda,
una hispano olivetti con caries, un tren con retraso,
un carné del Atleti, una cara de culo de vaso,
un colegio de pago, un compás, una mesa camilla,
una nuez, o bocado de Adán, menos una costilla,
una bici diabética, un cúmulo, un cirro, un strato,
un camello del rey Baltasar, una gata sin gato,
mi Annie Hall, mi Gioconda, mi Wendy, las damas primero,
mi Cantinflas, mi Bola de Nieve, mis tres Mosqueteros,
mi Tintín, mi yo-yo, mi azulete, mi siete de copas,
el zaguán donde te desnudé sin quitarte la ropa.

Mi escondite, mi clave de sol, mi reloj de pulsera,
una lámpara de Alí Babá dentro de una chistera,
no sabía que la primavera duraba un segundo,
yo quería escribir la canción más hermosa del mundo.

Les presento a mi abuelo bastardo, a mi esposa soltera,
al padrino que me apadrinó en la legión extranjera,
a mi hermano gemelo, patrón de la merca ambulante,
a Simbad el marino que tuvo un sobrino cantante,
al putón de mi prima Carlota y su perro salchicha,
a mi chupa de cota de mallas contra la desdicha,
mariposas que cazan en sueños los niños con granos
cuando sueñan que abrazan a Venus de Milo sin manos.

Me libré de los tontos por ciento, del cuento del bisnes,
dando clases en una academia de cantos de cisne,
con Simón de Cirene hice un tour por el monte Calvario,
¿qué harías tú si Adelita se fuera con un comisario?

Frente al cabo de poca esperanza arrié mi bandera,
si me pierdo de vista esperadme en la lista de espera,
heredé una botella de ron de un clochard moribundo,
olvidé la lección a la vuelta de un coma profundo.

Nunca pude cantar de un tirón
la canción de las babas del mar, del relámpago en vena,
de las lágrimas para llorar cuando valga la pena,
de la página encinta en el vientre de un bloc trotamundos,
de la gota de tinta en el himno de los iracundos.

Yo quería escribir la canción más hermosa del mundo.

El amo de las antítesis, sin duda alguna.

LA MATANZA SE REPITE, DE NADA SIRVIÓ...

2009-07-20T10:17:00.003+02:00

Hace unos días saltó la noticia de una matanza tremenda en nombre de la religión o en nombre de no se bien qué.
En una remota provincia de la lejana China se enfrentaban una minoría musulmana con los habitantes de esa provincia, para mi de nombre imposible de recordar. Solo se que el saldo de muertos fue escalofriante y que desgraciadamente no tiene ningún síntoma de parar.
Si como decimos que nuestro dios es magnánimo y misericordioso (en eso coinciden todas las religiones) como es que el hombre se empeña en demostrar que su dios y su credo es el mejor a fuerza de violencia?.Llegado a este punto creo que los violentos somos los hombres que escudamos nuestra vileza y nuestras ansias de poder detrás de credos que nada tienen que ver con el poco amor que nos profesamos los unos hacia los otros.
Después de esa noticia me pregunto.
¿Qué fue del hombre de la plaza de Tian´meng?.

Avenida de Changan de Pekín. Cinco de junio, 1989. Los tanques han aplastado la revuelta estudiantil en las últimas 48 horas y los hospitales están desbordados ante el número de heridos. Algunos han perdido las piernas, aplastadas bajo los tanques. La rebelión ha muerto para todo un pueblo, menos para él.

¿Quién es?

Lleva un pantalón negro, camisa blanca y dos bolsas de plástico, como si viniera de la compra. Una fila de tanques T-59 trata de avanzar por la principal avenida de la ciudad, pero él se antepone y logra frenar su avance.
El primer tanque trata de esquivarlo y él se desplaza hacia un lado para ponerse de nuevo delante. Se sube al tanque y habla con el soldado que quiere avanzar, quizá tiene prisa por seguir disparando contra jóvenes desarmados. Aseguran que le dijo: "Vete, da la vuelta y deja de matar a mi gente".

¿Quién es?

Nadie lo sabe. Han pasado 19 años y sigue siendo simplemente el 'hombre tanque'. 'El rebelde desconocido'. 'El héroe de Tiananmen'. Si está vivo, quizá alguien le haya contado que fue nombrado por la revista Time uno de los '100 personajes más influyentes del siglo XX' y que su acción ha inspirado revueltas desde Indonesia a Ucrania. Pero no ha aparecido para reclamar su premio o recibir los aplausos. Unos los sitúan viviendo en el anonimato en alguna parte de la China rural, otros en el exilio de Taiwán y la mayoría bajo tierra, su osadía concluida de un disparo en la nuca.

Me gustaría preguntarle qué se siente cuando se actúa convencido de que un principio está por encima de la vida propia, si tenía miedo o éste había desaparecido engullido por la magnitud de aquella injusticia. ¿Acaso creíste que podías, tú solo, frenar al mayor Ejército del mundo, derrocar a la dictadura y devolver la vida a los caídos?

Tanques contra personas: parece desigual y lo es. Fuerza contra ideas. Parece injusto pensar que se pueda imponer la primera, pero ocurrió. Cientos de miles de estudiantes y ciudadanos de a pie dijeron basta al régimen comunista chino, tomando ese millón de metros cuadrados de historia que es la plaza de Tiananmen. Atrincherados, un grupo de líderes despóticos se vio en la encrucijada de perder el poder o disparar a su propia gente. Eligieron la segunda opción. El delito de las víctimas: haber osado enarbolar la bandera de la libertad.

"No fueron miles sino unos pocos cientos los muertos de Tiananmen", llevan años repitiendo los siempre comprensivos apologistas de una dictadura que nos les afecta directamente. Bien, fueron cientos pues. ¿Es eso más aceptable? "Gracias al régimen y su intervención, China es hoy el milagro económico que es", insisten. Más bien a su pesar, pensamos los que creemos que el mérito es del pueblo chino y no de un grupo de dictadores que cada cinco años se reeligen a sí mismos en el nombre de un comunismo que ha desaparecido.

Y parece legítimo preguntarse si volverían a sacar a los tanques en caso de que vieran amenazadas sus prebendas. Quizá un hombre sin nombre, recién llegado de la compra, se pondría frente a ellos para recordarles que hay cosas que no se pueden matar. Ni siquiera con tanques. Aquí estamos, 20 años después, y el héroe de Tiananmen sigue vivo, símbolo imperecedero de la lucha por la libertad y contra la opresión.

¿Quién es?

Importa más qué hizo...

DÍA 15 Y 16 DE JULIO DOS DÍAS MUY ESPECIALES PARA MI

2009-07-17T10:44:00.008+02:00

El día 15 me vestí de faralaes y como una mujer más de la Carihuela sali hacer el paseo por todo el barrio de pescadores para terminar haciendo la ofrenda de flores a la Virgen del Carmen entre cantos y palmas, por cierto canto tan mal que mi hermana siempre me dice que lo hago tan fatal que parece que lo hago aposta.
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LA foto siguiente es en la puerta de una amiga mia de La CArihuela.

Al terminar nos reunimos en la iglesia y con las flores de la ofrenda construimos la barca que llevará al día siguiente a la Virgen.
El día 16 desde muy temprano me vestí de marinera y marché ya que tenía guardia durante dos horas ante la virgen que sale en procesión y que los marineros y marineras meten con sus propias manos en el már hasta una barca que luego la pasean por todo el litoral.

Entre gritos de ¡Viva la Virgen del Carmen! y ¡Carmen guapa! se hace todo el recorrido para finalizar en la playa donde ya he dicho se mete a la Virgen en un barco,primero se le hace una misa marinera en recuerdo de todos los que perdieron la vida en el mar y se le canta la salve marinera.

Hay una canción que dice algo asi (soy muy mala para las música)
Dime tu Reina del mar
Virgen del Carmen Señora
quiero cantar en memoria.
a los que en el cielo contigo están.
Hoy no tengo voz de tanto repetir ¡Viva la virgen del Carmen! y ¡guapa guapa y guapa!.

Para mi es tan emocionante porque primero soy como ya todos sabeis hija de pescador y pertenecer a la Cofradía de pescadores es un honor y luego escoltar a la virgen es algo que no tengo palabras.
Os dejo fotos del día 15 y del 16.
P.D:No tengo aún las fotos del embarque pero dejo video de otros años

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Solo me queda decir
¡VIVA LA VIRGEN DEL CARMEN! ¡VIVA!
¡CARMEN GUAPA! ¡CARMEN GUAPA,GUAPA Y GUAPA!

TENGO CUATRO HERMANOS AHORA YA SOLO CORREN DOS

2009-07-12T10:06:00.010+02:00

Desde que me alcanza la memoria,y mis hermanos ya eran mozos veía como mi madre preparaba desde el día 1 de Julio la ropa para que mis hermanos fuesen a San Fermin. Recuerdo que se quedaban en un caserio de Etxarri-Aranaz,on poeblo precioso cercano a Pamplona, que pertenecía a unos amigos de la familia,desde allí salían todas las madrugadas a eso de las cinco para Iruña (Pamplona).
Su equipaje consistía en ocho camisas y ocho pantalones de un blanco impoluto,tres pares de alpargatas negras que mi madre compraba en Cervera de Rio Alama (La Rioja)allí se hacen las mejores,o eso decía mi madre,su pañuelico con el escudo de la peña a la que pertenecían,dos eran de la Aldapa y los otros dos eran de Oberena, su fajín y sus txapelas.

Con el pasar de los años mi madre consintió que mi hermana y yo les acompañásemos, bajo palabra de ser prudentes a la hora del encierro y que no bebiéramos, lo primero lo eramos por la cuenta que nos tenía lo segundo ya no eramos tan obedientes algún kalimotxo que otro caía.(Eran fiestas).

Recuerdo la cara de sufrimiento y contención de mi madre yo ahora al pasar los años creo que esos ocho días mi madre estaba como las madres de los toreros rezando por sus hijos, ya que cuando regresabamos a casa hacía una fiesta y se le iluminaba la cara al ver regresar a sus cuatro hijos sanos y salvos. Y a pesar de todo ese sufrimiento jamás les dijo que no corriesen sabía de su ilusión y lo mucho que les gustaba.
Digo que respiraba al regreso porque al principio no tenía teléfono todo el mundo había que llamar desde un punto fijo del pueblo que era una especie de centralita pública.

Mis hermanos son de los que tiempo después se les ha mal llamado "los divinos" ellos estaban en Iruña para correr los encierros pero no se privaban de sus cenas y comidas luego por la tarde asistían a la corrida y después al frontón a ver pelota
que por cierto es esos días hay unos partidos espectaculares.
Este año es un San Fermin muy triste.

El día 10 murió un chico que como mis hermanos todos los años acudía a los encierros para correrlos que era su ilusión y además siempre fue un buen corredor.
Hoy los Miuras que normalmente no dan disgustos han hecho una carrera muy peligrosa y a estas horas no se si habrá que lamentar alguna muerte más, pero si que ha habido muchos heridos y casi todos graves.
Yo he hablado con mis dos hermanos que siguen corriendo,y al igual que hacía mi madre, no les he dicho eso que llevo en mi mente."Porque no dejais de correr" simplemete me he limitado a decirles que me alegraba mucho escuchar su voz y que eran los mejores corredores del mundo,que seguían siendo mis ídolos.Solo ha faltado decirles que les espero despues del "Pobre de mi" para celebrarlo con una comilona en el caserio.
Pero no importa yo les seguiré llamando todas las mañanas para confirmar que están bien y daré gracias a San Fermin por cubrirles con su capa para que los toros no me los pille.
¡GORA SAN FERMIN!!.
Aqui os dejo unas fotos en varias de ellas salen mis hermanos, uno sale más que otro.
P:D:Por cierto los llamados "divinos" tienen muy mala prensa porque dicen que se creen que son los únicos y los mejores corredores, yo no estoy de acuerdo con esto pero es verdad que corren muy bien.
Posiblemente mañana os cuente unos San Fermines que viví junto a Silvia y que no podría olvidar aunque quisiera.
P.D2:He renunciado a poner la foto del muchacho muerto el día 10 se llamaba Daniel y era de Alcalá de Henares.
Espero que como dice una canción ahora esté corriendo esos toros azules que dice la canción.

GRACIAS

2009-07-10T12:26:00.002+02:00

Gracias, por preocuparos por mi,ya estoy algo mejor,o como dicen por estas tierras "estoy que no es poco".
Os dejo este video,ya que no se como daros la gracias de otro modo.

Ahora espero continuar escribiendo y prometo ir pasandome por todos los blogs,aunque no aseguro hacerlo de un tirón.
Besos a tod@s.
Disculpar mi silencio pero no estaba en mi mejor momento,aunque no me haya recuperado del todo voy a ir intentándolo poco a poco.

AYER NO FUE MI MEJOR DÍA

2009-06-25T09:26:00.005+02:00

Ayer como cada miércoles, fui a mi ITV particular y personal,no me lo hicieron pasar precisamente bien, no quiero decir que los demás miércoles lo hagan pero ayer lo pasé de pena, tanto es así, que al regresar a casa, saqué un ratito a Ronda (ella no tiene culpa de mis dolores). Abrí el ordenador para ver que pasaba entré en algún blog,dejé algún comentario y me fui a la cama, no me aguantaba ni yo.
Cogí un libro primero hice amago de meterle mano a Cioran...uf!!! imaginaros como estaba,pero creí que era demasiado amargo hasta para mi en ese momento, y me decidí por un libro de poemas de John Berger (Páginas de la herida) no es precisamente alegre pero era lo que me pedía el cuerpo.
Así que os voy a dejar algo de él y algunos de sus poemas.Espeo que os guste, a mi en ciertos momentos me ayuda,no sé a qué pero me ayuda.

John Berger nació en Londres en 1926.

Novelista, ensayista, crítico de arte, poeta, guionista de cine y televisión…
Pero es mucho más que un escritor, esencialmente es un inconformista.
Su adolescencia estuvo marcada por la segunda guerra mundial, lo que inevitablemente le marcó.
Su primera novela (1955), fue “Un pintor de nuestro tiempo”, duramente criticada. El libro incluso fue retirado de las librerías y Berger apareció en varias listas negras. Berger decidió marcharse de Inglaterra. La novela en cuestión, relata la historia de un exiliado húngaro en forma de diario, donde se plasma la amargura del exilio, el fascismo y los sucesos ocurridos en Hungría.

Sus obras, quizás, más conocidas, son las pertenecientes a la trilogía “De sus fatigas”, que son: “Puerca tierra” (1989), “Una vez Europa” (1992) y “Lila y Flag” (1995).
“Puerca tierra”, se sitúa entre principios de los años cincuenta y finales de los sesenta, testimonia la destrucción de la vida rural a consecuencia de la economía actual.
“Una vez Europa” abarca desde los sesenta hasta los años noventa, y en “Lila y Flag”, los campesinos abandonan el pueblo y se instalan en la ciudad.
Esta obra es vista como un documento sociológico. El primer volumen incluye un epílogo histórico donde Berger nos muestra su visión sobre el campesinado.

John Berger es autor de una numerosa y variada obra.

Su último libro publicado “El tamaño de una bolsa”. Él mismo presenta así:
"La bolsa en cuestión es una pequeña bolsa de resistentes. Una bolsa se forma cuando dos o más personas se ponen de acuerdo y se unen. Se unen para resistir contra un nuevo orden económico mundial que no puede ser más inhumano. Nos reunimos tú -el lector-, yo y todos aquellos de quienes se habla en los ensayos que contiene este libro. Y este intercambio refuerza inesperadamente nuestra convicción de que lo que está sucediendo hoy en el mundo es perverso y que las explicaciones que se nos suelen ofrecer al respecto son un montón de mentiras. Nunca he escrito un libro con mayor sensación de urgencia".

Y ahora os dejo unos poemas, para que lo catéis, espero que os gusten:

“Pañuelo”

Por la mañana
doblado con sus flores silvestres
lavado y planchado
apenas ocupa espacio en el cajón.

Ella lo agita en el aire
y se lo ata a la cabeza.

Por la noche se lo quita
y lo deja caer
sin desatar en el suelo.

En un pañuelo de algodón
entre las flores estampadas
un día laborable
ha escrito su sueño.

“Páginas”

Describo palabra por palabra
tú aceptas cada hecho
y te preguntas
¿qué quiere decir?

Cuartilla tras cuartilla de cielo
cielo salado
cielo de la lágrima plácida
impreso del otro cielo
horadado de estrellas.
Páginas puestas a secar.

Pájaros como letras alzan el vuelo
-Ea, alcemos el vuelo-
se ciernen en círculos y se posan en el agua
junto a la fortaleza de lo ilegible.

“Distancia”

Has llenado el termo con café
envuelto nuestras huellas
por si tuviéramos que lanzarlas a las fauces
….de la indemostrable
………nieve eterna.

Juntos, martilleando como carpinteros,
hemos enseñado a la distancia
cómo construir un tejado
….con los árboles
………que separan nuestra carrera.

En el silencio que dejamos atrás
no oímos ya la lejana
pregunta de la casa del verano:
….¿Y adónde iremos
………mañana?

Al atardecer temen los perros enjaezados
que el bosque no tenga fin.
Y cada noche en la nieve
….los tranquilizamos
………con nuestras sorpresivas risas.

Estos poemas pertenecen al libro titulado “Páginas de la herida”

DOS DAMAS MUY SERIAS

2009-06-23T09:55:00.003+02:00

Escandalizaron y fascinaron por igual a sus contemporáneos. Porque, desafiando las convenciones del siglo XVIII, huyeron juntas de Irlanda para poder compartir sus vidas y su amor. Lady Eleanor Butler y Sarah Ponsonby, las Damas de Llangollen, son las protagonistas de esta historia, que se ha convertido en toda una leyenda del imaginario lésbico.

Eleanor era hija del Conde de Ormonde y Sarah Ponsonby, una huérfana, que vivía con sus familiares Sir William (cuentan que este “caballero” trató de forzarla varias veces) y Lady Elizabeth Fownes. Las dos se conocieron en 1768, cuando Eleanor tenía 29 años y Sarah, 13.
Diez años después de su primer encuentro, decidieron huir juntas, para escapar de una vida desgraciada y un más que probable matrimonio concertado. Tras cruzar, vestidas de hombre, el mar de Irlanda y pasar dos noches a la intemperie, fueron capturadas por sus familias que sintieron un gran alivio al descubrir que ningún hombre estaba implicado en esta huida. Una familiar de Sarah, Mrs. Tighe, señaló: “La conducta de Sarah, aunque pueda parecer imprudente, no puede tacharse de impropia. No había hombres relacionados con la huida ni parecía que hubiera nada más que una simple amistad romántica”.
Sarah enfermó gravemente a causa de una pulmonía y, durante su agonía, no dejaba de repetir una y otra vez el nombre de su amada: Eleanor, Eleanor… Ésta se escapó de nuevo de su casa para reunirse con ella y durante días se ocultó en una diminuta alacena. Finalmente las dos familias cedieron al deseo de las dos mujeres, incapaces de frenar la extraña pasión que las unía y que, a pesar de todo, ellos consideraban “pura”.

Durante cincuenta años. Eleanor y Sarah vivieron como un matrimonio, dedicaron su tiempo al estudio de disciplinas como literatura, idiomas y a ocuparse su propiedad, cerca de la ciudad galesa de Llangollen, en la que crearon un magnífico jardín que cuidaban con esmero y gran dedicación. Y si el jardín recibía tantas atenciones, las dos Damas apenas se preocupaban de su vestuario. Cuentan quienes las visitaban que sus ropas eran viejas y poco cuidadas. En fin, digamos que el glamour no era uno de los rasgos característicos de las Damas, quienes tampoco, es cierto, disfrutaban de unos ingresos importantes.
Sin embargo, su hazaña, su vida y sobre todo su mutua devoción traspasaron las fronteras, despertaron el interés y la curiosidad de muchísima gente y su casa se convirtió en una especie de Meca de la “intelligentsia” del momento. Escritores como Southey, Wordsworth, Shelley, Byron y Walter Scott, el Duque de Wellington, el industrial Josiah Wedgwood y la novelista aristócrata Caroline Lamb (ésta última tambien tenía lo suyo).Se encontraban entre sus visitas más ilustres. La reina Charlotte, esposa del rey Jorge III, quiso visitar su casa de campo y consiguió que el soberano garantizara una pensión para estas dos dos Damas de vida tranquila y fama sorprendente que, paradójicamente, resultaron ser de lo más conservador: se opusieron siempre a la Revolución Francesa y llegaron a despedir a una pobre cocinera que se quedó embarazada sin haber pasado por el altar.
Las jornadas de las Damas transcurrían sin sobresaltos mientras ellas se dedicaban a coser, a leer, estudiar y a pasear por los alrededores de su casa. Cada noche, Eleanor escribía en su diario los avatares de la jornada (el diario se publicó en 1930). Y así fue hasta que el 2 de junio de 1829, la muerte infringió el castigo más duro a una relación tan larga: Eleanor murió a los 90 años y dejó a su compañera desolada. Sarah no tardó en reunirse con ella: el 9 de diciembre de 1831, a los 76 años de edad, fallecía en la misma casa en la que había compartido su vida y su amor con Eleanor.
Aunque Eleanor habla en sus diarios de compartir la cama con su “amada”, la naturaleza exacta de sus relaciones no está clara. Algunos contemporáneos, incluyendo la lesbiana Anne Lister de Halifax, pensaban que las Damas de Langollen podían ser amantes; el diario “Sunday telegraph” describió su relación como una “relación amorosa que desafiaba las convenciones”, y otro artículo, en otro diario de la época, aseguraba que eran lesbianas diciendo que Eleanor era “una mujer masculina” mientras que Sarah era “muy femenina”.
En cambio, Lord Byron comparó su amor por el joven John Edlestone, con el de las Damas de Langollen, como ejemplo de amistad romántica, y, un siglo más tarde, en 1932.Colette escribió sobre ellas en “Lo puro y lo impuro”, refiriéndose a las Damas como “dos solteronas fieles”, libres de cualquier forma de “libertinaje sáfico”. Sean cuales sean los hechos, su vida sigue inspirando la fantasía lesbiana. Así, en 1984, la escritora americana Doris Grumbach publicó una novela basada en la historia de Butler y Ponsonby.

Más información:
“Lo puro y lo impuro”, de Colette,
wikipedia.Ladies_of_Llangollen.

P.D. En otra entrada hablaré de Colette y "Lo puro y lo impuro" os prometo que es un libro muy interesante de como puede ser la moral humana, al margen de ser una novela estupenda como casi todo lo que escribió su autora.

COMO CON TAN POCO SE PUEDE DECIR TANTO...

2009-06-20T13:00:00.008+02:00

Dicen los que saben que la poesía japonesa ya acumula más de dos mil años de historia. En su origen, se encontraba fuertemente influenciada por la literatura china pero, con el tiempo, Japón logró desarrollar su propio estilo distintivo. Un estilo que volvería recibir nuevas influencias a partir del siglo XIX, en este caso occidentales, cuando el país reabrió sus fronteras.

Entre los siglos VII y VIII, Japón desarrolló la colección de poesía Manyōshū, formada por escritos producidos entre los años 600 y 759. Sus veinte libros contienen 265 chōka (poemas largos), 4.207 tanka (poemas cortos), un tarenga, un bussokusekika, cuatro kanshi (poemas chinos) y 22 pasajes en prosa de origen chino.

Sin embargo, la forma más popular de la poesía japonesa es el haiku, composiciones de tres versos de cinco, siete y cinco sílabas que comenzaron a surgir durante el siglo VIII. El haiku fue muy utilizado por el budismo zen para transmitir sus preceptos, pero su influencia llegó al mundo occidental y marcó a famosos poetas del siglo XX como Ezra Pound.
Un verano de 1686 en Edo, la actual Tokio, capital del Japón. Un hombre de unos 40 años, con vestiduras de monje budista, recibe en su pequeña vivienda a dos visitantes. La brisa levanta murmullos en las hojas del plátano que da sombra junto a un estanque. “¿Qué habla, antes de que la hierba verdease?”, preguntó el más viejo de los visitantes, un maestro de Zen.
En ese momento, una rana saltaba al agua. El hombre vestido de monje no vaciló un instante: “Una rana salta desde el borde; ruido de agua”. Los visitantes supieron inmediatamente que se trataba de una brillante improvisación que, según las reglas al uso, necesitaba un primer verso para ser un haiku. Siguiendo la costumbre de la época, cada uno de los presentes propuso un primer verso: “Crepúsculo”, dijo uno. “En la soledad”, dijo otro. Pero el hombre vestido de monje protestó: “Tratáis el tema muy parcialmente. Como excepción, voy a proponer yo mismo el primer verso: ¡Oh, viejo estanque! . Los otros asintieron admirados. Así surgió uno de los haikus más famosos de la historia literaria de Japón. Quien los improvisó en ese momento no era otro que Matsuo Bashou, tal vez el poeta japonés más celebrado. Así quedó el poema, traducido libremente:

“¡Oh, viejo estanque!
Una rana salta desde el borde;
ruido de agua”

Se ha escrito mucho sobre esta breve composición, famosa en la literatura japonesa. El agua se comenta , representada aquí por el viejo estanque, despierta un sentimiento de profundidad, eternidad, misterio del origen inefable de las cosas. En esa continuidad imperturbable que representa el agua, sólo la acción viva del momento, del ahora: el salto repentino de la rana, puede hacernos oír, percibir por un instante toda esa silenciosa, ingente eternidad. Lo sorprendente es que algo tan sencillo y directo pueda ser al mismo tiempo tan profundo.

La poesía tiene en Japón un sentido y una función muy diferentes de las que suele tener entre nosotros. En primer lugar, trata de un arte tremendamente popular. Raro es el japonés que no haya escrito un verso en su vida. Se leen y conocen las obras de los grandes poetas, que son comprendidos y apreciados en todos los medios sociales. Tal vez porque la poesía japonesa nunca se propuso la expresión exclusiva de la personalidad del autor, sino más bien la comunicación de una experiencia concreta. Además, y en esto también se diferencia de la tradición occidental, se caracteriza por la total ausencia de retórica y brillo, por su extremada sencillez.

Sin embargo, la sencillez del haiku no significa despreocupación por la forma, sino todo lo contrarío. La forma del poema está sujeta a reglas estrictas. Por ejemplo, el número de sílabas de los tres versos que forman el poema: 575. La intención de esos versos está igualmente determinada: si el primero indica una situación, el segundo es frecuentemente una acción o cambio, y el tercero supone una sorpresa, que da un valor nuevo al poema.

El haiku es una forma de mirar.
Una manera de vivir.
Estas normas, que no han cambiado mucho en el transcurso de siglos, pueden llegar a convertirse en una rutina convencional. De ahí que la historia del haiku sea una continua lucha por la autenticidad, por el sentimiento, a pesar de las determinaciones de la forma. De tiempo en tiempo surgen poetas geniales, que dan al haiku nueva vida cuando estaba amenazando convertirse en algo rutinario y muerto. Figuras de ese calibre son Bashou, en el siglo XVII, Yosa Buson y Kobayashi Issa.

En la centuria siguiente, o Shiki, en el siglo XIX. Bashou fue determinante para la historia del haiku, tal vez porque concibió sus poemas desde estados de ánimo que tenían que ver con la práctica del budismo zen, una religión y una manera de entender la vida que han influído enormemente en la forma de ser de los japoneses. La exigente práctica del zen tiene como objeto llegar a la iluminación del espíritu, a la repentina toma de conciencia de la unidad con el todo. En esa situación anímica, las cosas adquieren una vida nueva, en medio de una gran paz y alegría. Como en este poema de Basho:

“Un rayo de eternidad descubro en las hojas caídas de mi jardín”

El haiku es una forma de mirar. Una manera de vivir. La flor del haiku es la frescura. Frescura, espontaneidad, expresión directa de la vivencia del instante. Es lo que requiere esta forma peculiar de la poesía japonesa. Es más que una técnica. Es la transparencia de una emoción profunda ante las cosas más sencillas.

Abrasándolo todo
embolviendote en llamas de ese frio intenso,helado, que te jala.
y en ese lenguaje abstracto, ya sin palabras ya sin mensaje,
se hace un hueco en la eternidad..
como el viento.
La ola pasa, como el viento.

Al amanecer
tiende un puente sobre el mar
la luna llena

Lágrimas de dioses
se esfuman en la sequía del desierto
se pierden en la oscuridad de la noche
se ocultan en un mar de sueños y se ahogan en un grito.

En nada pienso.
Veo correr el arroyo
y en nada pienso

Cierro los ojos:
Busco, busco por dentro
y nada encuentro.

Bellos momentos
cuando existo tan sólo
porque respiro.

El grillo canta
y el bosque se desviste:
Tarde de otoño.

Cable tendido
de una a otra montaña:
Se posan cuervos.

No nací feo;
pero el paso del tiempo
me convirtió.

Tu nombre es primavera.
Es primavera.
La sonrisa en tus
labios ha florecido.

soy el creador de espadas
desconozco la muerte
así como la vida

mis manos an creado infinidad de armas
pero aun así mis
manos nunca sostendrán nada.

Yosa Buson (1716-1784), Kobayashi Issa (1763-1827) y Masaoka Shiki (1867-1902). También se destacaron en este campo poetisas como Den Sute-jo (1633-1698) y Chiyo ni (1703-1775).

América Latina tuvo sus propios poetas que, en algún momento, experimentaron en el terreno del haiku, como el argentino Jorge Luis Borges o el uruguayo Mario Benedetti.

Algunos ejemplos de haiku:

A la intemperie,
se va infiltrando el viento
hasta mi alma
(de Matsuo Bashō)

En una brizna
de hierba se aposenta
el viento fresco
(de Kobayashi Issa)

Cuando mi vida
atienda el crisantemo
se tranquiliza
(de Mizuhara Shuoshi)

Cae la nieve
ya tienen de qué hablar
padre e hijo
(de Shuson)

DESDE EUSKADI A GRANADA PASANDO POR CUBA...(PAFERMI)

2009-06-18T21:47:00.005+02:00

Una amiga del amor de mis amores,(que luego termino siendo amiga mía)llamó a Gloria Fuertes para que le hiciese el prólogo de un libro de poemas,cosa que hizo encantada,ya que eran muy amigas y además la profesaba un gran cariño. Como varéis aquí,en este relato, todas somos amigas.
Nos reunimos a tomar café cuando Belén le dijo a Gloria,toma nota de lo que voy a decirte.

"Escribir,leer y pintar son mis tres únicos verbos esenciales para mi. Las personas somos libros de carne: hay quienes son echan solo un vistazo a la encuadernación, y hay quienes nos leen capítulo a capítulo,coma a coma, punto a ponto, con ternura y con respeto. Eso es el amor, porque mas que leer los libros, hay que vivirlos, amarlos. Un poema es un parto, un vómito a veces. Me ocurre que noto el embarazo, que siento la molestia, que ssé que hay algo que quiere salir, noto sus patadas en mi pecho, no sé lo que es, y al cabo de unos días sale fuera...

Hay poemas que nacen muertos. Otros mueren a poco de nacer: no se acostumbran a esta atmósfera. Otros viven y crecen por siempre como los ángeles. Son niños azules, eternos, pues son hijos del espíritu. Y es que el espíritu tiene deseos de hacer hijos de hacerse percepcible en un poema. Por eso mis poemas son mis hijos, a todos los amo. Reconozco que algunos son hijos de puta, porque son hijos de la vida. Y la vida a veces no es muy decente que digamos"...
Me pareció tan hermoso y real lo que dijo Belén a Gloria que cuando salió su libro de poemas y me lo regaló firmado,copié esto que os he escrito y lo llevo siempre en una hoja que pasa de libro a libro según los voy leyendo.

Patricia me imagino que para ti tus cuadros, son como para mi amiga sus poemas por eso quiero que te lo quedes es mi regalo para ti,mi bella pintora.
Para redondear el regalo algo imprescindible, tu adorado Serrat.

NO ES UN THÉ,TAMPOCO UNA INFUSIÓN,PERO SU CONSUMO ANIMA A LAS CONFIDENCIAS

2009-06-17T13:33:00.007+02:00

Mate es un té hecho de unas hojas provenientes de un arbusto llamado yerba mate, que se relaciona con el acebo y crece como una hierba mala en la rivera de los ríos Paraná y Paraguay. Su nombre científico es paraguarensis de Ilex, y también se conoce como té Paraguayo o té jesuita, aparentemente los misioneros jesuitas del siglo 18 se quedaron bastante enganchados con esta infusión luego de que los indios guaraníes les enseñaran como prepararla. En la Argentina, sin embargo, se lo denomina siempre como yerba mate o simplemente mate.

El mate es un secreto bien guardado que se bebe comúnmente en la Argentina, Paraguay, Uruguay y el Brasil meridional. Con todo entre los varios méritos del paraguarensis del Ilex están sus características como estimulante al sistema nervioso central, como diurético, como contra-reumático y como tónico. En dosis extremadamente grandes causa purga y vomitas. Algunos homeópatas se han aventurado a sugerir que puede retrasar las muestras de envejecimiento, reducir la tensión y estimular la mente. Existe un dicho conocido en Argentina que se suele usar a modo de seducción dándoles a las novias a modo de ultimátum, 'querido/a, bebemos a mate o vamos a la cama.' A consecuencia de esto el receptor del ultimátum deberá ceder al pedido de amor o sufrir una sobredosis.
Una cosa segura: el beber mate mantiene a los Argentinos permanentemente en pie. El ingrediente activo en mate es un pequeño alcaloide de gran alcance conocido como mateína, que, para fines prácticos, es idéntico a la cafeína y causa los mismos efectos. De aquí puede obtenerse el secreto de la capacidad de los Argentinos estar de fiesta noche tras noche y ser la llave para convertirse en un verdadero trasnochador.

El mate forma una parte dominante en la cultura de Argentina y se podría decir que el país entero está felizmente enganchado con este té suavemente narcótico. La gran mayoría de los Argentinos no irá a ningún lado sin su mate y un termo con agua caliente. Son rápidos precisar, sin embargo, que no son casi tan adictos como sus amigos en Uruguay, que serían absolutamente capaces de beber a mate y de montar sus bicicletas al mismo tiempo, con un termo metido cuidadosamente debajo de su brazo.

No obstante, mucho Argentinos beben mate varias veces al día - tanto como ocho veces. Decir que los Argentinos aman su mate no es ninguna exageración. Incluso hay un tango escrito sobre él - y en la Argentina es lo mas alto que uno puede aspirar a llegar.

Tomar mate

Una calabaza de madera (también conocida confusamente como mate) se rellena con yerba mate y se llena agua caliente, pero nunca hervida. El té resultante se bebe a través de una pajilla de metal, a menudo de plata, conocida como bombilla. Al principio, esto puede resultar un tanto desagradable ya que el agua que se vierte en el mate se encuentra a punto de hervir y la bombilla se tornara un tanto candente con lo cual seguramente se quemara los labios o la lengua. Incluso al bebedor inexperto de mate le puede salir alguna ampolla. Una vez que usted consiga la destreza, momento en el cual usted será probablemente tan adicto como cualquier argentino, usted no deseará volver a beber mate frío nunca mas. (En Paraguay, y algunos Argentinos del norte, beben mate helado, tereré, a pesar de la diversión y el horror del resto de la Argentina.)

La Yerba mate puede ser comprada en kilos por todas partes en la Argentina bajo varias marcas. Un kilo cuesta aproximadamente US$ 3 y es suficiente para mantener a una familia de cuatro felices por una semana. La parafernalia esencial para beber mate - un termo (para almacenar la agua caliente), un bombilla y la calabaza del mate - se puede comprar barato en cualquier supermercado del país. Algunas bombillas y mates pueden ser muy elaborados: los mates y los bombillas antiguos adornados con plata pueden costar centenares de dólares. Los mates también vienen en diversas formas y tamaños. Los hay de calabaza, de madera aromática y hasta de testículos del Toro! ( nunca escuche de mates de testículo de toro, si de cuernos de toro).

El beber mate es un asunto muy social; beben al mate generalmente entre amigos y la familia. El mate se pasa en ronda a cada integrante del grupo. Cada persona bebe todo el contenido del mate antes de pasarlo de nuevo para ser rellenado por el ' servidor ', que entonces lo pasa otra vez. Como usted puede imaginarse, la mateina comienza a chispear sobre los Argentinos ya de por si habladores. Es un círculo sin fin - mientras más mate usted beba, más usted habla, y mientras más habla, más tiempo usted estará bebiendo mate.

Por estas razones, usted nunca deberá dejar pasar la oportunidad de beber a mate. Pero adviértase - la primera vez que lo intente, por mas aventurero que sea, lo encontrará probablemente desagradable a la vista. Estos son comentarios de personas que se aventuraron a probar el mate:
"Vera que el contenido del mate se presenta como si alguien hubiera escupido en él."
"Fue como poner mis labios alrededor de un tubo de escape.

Los bebedores de mate recién iniciados lo han descrito su sabor como a tierra, humo de hoguera, hojas marchitas y agua hervida. Hasta se ha llegado a pensar que se trataba de alguna droga por la similitud del mate y la bombilla con una pipa.

El mejor consejo es perseverar, así usted lo empezara a amar y reverenciar tanto como los Argentinos. En el proceso usted proveerá a sus anfitriones la asombrosa y divertida visión de un gringo tomando mate. Personalmente, después de meses de perseverancia ahora estoy como enganchado como cualquier argentino y no puedo concebir un día sin un mate.

La etiqueta.
El ritual del mate es algo evocador de la ceremonia nativa-americana de la pipa de la paz. La oferta del mate es una muestra de la amistad, y ser incluido en una ronda de mate significa que le han aceptado. Ningún Argentino que se precie de tal soñaría con tomar mate en soledad sin ofrecerlo a quien este a su alrededor. Si un Argentino le ofrece un mate usted puede sentirse contento de haber llegado tan lejos.

Sin embargo no debe sentarse y relajarse aun. Un asombroso e intrincado sistema de reglas y de regulaciones gira alrededor del arte de beber mate. Si comete un error ahora con el mate usted podría ver como se esfuma su oportunidad de causar una buena impresión a sus nuevos amigos - para no mencionar el objeto de burlas a las que se sometería.

La primera cosa que usted debe estar saber es acerca de decir, o mejor dicho no decir, gracias. A la mayoría de nosotros cuando nos es ofrecida una bebida automáticamente agradecemos a nuestro anfitrión. Pero si usted agradece a un Argentino que acaba de darle (o cebarle) un mate, será tomado como 'no quiero mas'. Acto seguido será excluido de la ronda siguiente y puede terminar encima sintiéndose relegado al ver pasar el mate por delante sin que ya no vuelvan a convidarle nuevamente. Bueno no lo han relegado, al agradecer usted ha dicho que no quería mas mate. Si usted realmente siente que no puede aceptar una bebida sin decir algo, intente algún comentario elogioso que otro, quizás algo como ' yum, muy bueno o ' gran mate éste. Pero nunca diga gracias, a menos, claro, que usted no desee más.

Una vez que usted haya aceptado un mate, se esperará que beba todo el contenido. No hay lugar para medias tintas en el ritual del mate. El problema, sin embargo, es que usted colocará una pajilla caliente de metal en su boca y su instinto le indicará devolverlo rápidamente a la persona que más cerca se encuentre. Hacer esto equivale a una grave equivocación social, seria como darle a alguien las sobras de algo. Usted sabrá cuándo ha bebido todo el líquido porque la bombilla hará un ruido similar a un gorjeo ruidoso - debe sonar como el ruido que hace cuando esta acabando de beber un granizado a través de una pajilla. Solamente una vez que usted ha hecho el ' ruido del granizado' podrá pasar el mate al cebador.

Esto nos conduce a otro potencial campo minado del mate. En lugar de hacer frente el hecho de tener que finalizar esta bebida caliente y ampollante de un gran y largo sorbo, usted puede tentarse en jugar por un tiempo con la esperanza de que la bebida se enfrié o que alguien le evitará el suplicio quitándole el mate. Esto es considerado como algo terriblemente descortés, recuerde que hay otros esperando que usted termine para poder tomar también. Uno nunca debe quedarse con el mate demasiado tiempo; usted deberá acabar la bebida en unos pocos sorbos como sea sin llegar a ponerlo sobre la mesa y devolverlo rápidamente de nuevo a su anfitrión. (algunos mates se diseñan con un fondo redondo para no poderlos colocar sobre la mesa.)

De vez en cuando, en una tentativa vana de enfriar el mate, los bebedores inexpertos de mate juegan con la bombilla. ¡No se tiente! La bombilla deberá permanecer como le sea entregada y no se debe mover. Bajo ninguna razón se le ocurra sacar la bombilla del mate o, peor aun, no intente revolver el mate. Si usted lo llegara a hacer, oirá gritos de horror y el mate será arrebatado de sus manos inmediatamente, como si usted fuera un niño pequeño que hace lío con su alimento.

Una vez que usted acabe el mate, usted debe darlo siempre de nuevo al cebador (la persona que preparó el mate), quien lo rellenará y lo pasará a la persona siguiente en la ronda.

Lenguaje del mate

El mate implica un lenguaje muy sutil. Usted debe estar enterado de esto para no enviar mensajes no intencionales, o peor aun, para que usted mismo no reciba mensajes o si lo recibe sepa interpretarlos. Si el mate se tapa (usted no puede beberlo porque la bombilla se encuentra obstruida por pequeñas partículas) significa que usted no es bienvenido y debe tomarlo como insulto. Desgraciadamente, si un mate ha sido mal preparado esto sucederá con frecuencia lo cual significa que el mensaje no es intencional. Si usted sobrellena o derrama el mate, la persona siguiente en beber de él será engañada por su pareja. Por supuesto, a menos que usted realmente sea muy supersticioso, usted debe tomar las precauciones que considere convenientes.

El mate se mezcla a menudo con los varios ingredientes tales como leche o la miel y éstas pueden llevar también mensajes ocultos. Solamente los bebedores serios de mate toman en serio los refranes tradicionales del gaucho:

Mate amargo - Indiferencia.

Mate dulce - Amistad / Bienvenida.

Mate con bálsamo - Estoy enojado con vos.

Mate con cinamomo - Estoy interesado en vos.

Mate con limón - Preferiría no verte.

Mate con Azúcar quemada - Estoy pensando en vos.

Mate con cáscara de naranja - Ven a buscarme.

Mate con elisa - Tu tristeza me aflige.

Mate con leche - Estima, respeto.

Mate con café - Estaba enojado pero te perdono.

Mate con miel - Matrimonio.
Preparare el mate en siete sencillos pasos

El matero, o cualquier bebedor de mate, deberá conocer el arte de prepararlo. Aquí hay siete puntos los cuales lo convertirán en un as en la materia:

1. Llene el mate (recipiente) con 2/3 de yerba mate.

2. Cubra la parte superior del mate con su mano, voltéelo y sacúdalo suavemente. Así las partículas más pequeñas quedaran arriba lo cual evitará que se tape la bombilla.

3. Vierta agua caliente (a 80ºC aproximadamente), nunca use agua hervida, suavemente dentro de uno de los extremos del mate cercanos a la bombilla, hasta que la yerba se eleve hasta el borde del mate. Si lo ha hecho correctamente, vera que la superficie estará cubierta de espuma.

4. Deje el mate reposar por algunos segundos. Puede ser necesario volver a echar agua en el mate debido a que las hojas secas del mate han absorbido algo de agua. Pero tenga cuidado en no llenarlo demasiado.

5. Tome la bombilla y con su pulgar insértela firmemente dentro del mate. A partir de este momento, no la mueva, juegue o la saque aun cuando haya que volver a llenar el mate con agua. Y nunca la use para revolver.

6. Si usted prepara el mate, usted debe tomar el primero, que es normalmente muy amargo y fuerte. Como el cebador, será su deber para rellenar el mate con agua cada vez y volver a pasarlo.

7. Si el mate pierde su fuerza y pequeños pedacitos del tallo aparecen flotando en la superficie, su mate se ha lavado y habrá perdido su gusto. Para evitar que el mate se lave - lo cual sucederá eventualmente si usted ha cebado ya demasiados - agregue un poco más de yerba mate cada tres o cuatro cebadas.

Curación y cuidados de su mate

Si usted compra un mate nuevo de calabaza o madera, su mate no sabrá como usted lo ha probado cuando fue convidado hasta que no lo haya curado. Para hacer esto, usted debe llenar su mate nuevo de yerba mate usada, agregar agua caliente y la dejarlo estar por un día. El día siguiente el quitar toda la yerba mate y raspar cualquier tejido fino que pueda quedar en el interior. Repita el proceso entero. Puede necesitar hacer esto por varios días.

Es un pecado cardinal lavar su mate con detergente; el mate quedaría impregnado con un sabor jabonoso por semanas. Límpielo simplemente con agua fría y déjelo estar para que se seque. La bombilla debe ser limpiada regularmente de modo que el tamiz del extremo no se tape con pequeñas partículas. Muchas bombillas se pueden desmontar para hacer la limpieza más fácil.

Extraño bastante, a pesar de su renombre universal, usted no podrá pedir un mate en un restaurante o un café. Lo más cercano que usted puede conseguir allí es un mate cocido, que es yerba mate en una bolsita de té.

Este texto que pongo a continuación,circulaba por Internet hace un tiempo, no conocía al autor hasta que una amiga argentina me dijo que el autor de este texto es Hernan Casciari.
Y que este texto circuló por muchos lugares bajo la autoría de Lalo Mir. Es verdad que él lo leyó en la radio, pero no es el autor. Esas cosas que pasan y quedan en el imaginario colectivo… pero ahora el mismísimo Lalo quien lo ha desmentido.

EL MATE ESA BEBIDA...

El mate no es una bebida, corazones de otro barrio. Bueno, sí. Es un líquido y entra por la boca. Pero no es una bebida. En Argentina o en Uruguay nadie toma mate porque tenga sed. Es más bien una costumbre, como rascarse.

El mate es exactamente lo contrario que la televisión. Te hace conversar si estás con alguien, y te hace pensar cuando estás sola. Cuando llega alguien a tu casa la primera frase es “hola” y la segunda “¿unos mates?”. Esto pasa en todas las casas. En la de los ricos y en la de los pobres. Pasa entre mujeres charlatanas y chismosas, y pasa entre hombres serios o inmaduros. Pasa entre los viejos de un geriátrico y entre los adolescentes mientras estudian o se drogan. Es lo único que comparten los padres y los hijos sin discutir ni echarse en cara. Peronistas y radicales ceban mate sin preguntar. En verano y en invierno. Es lo único en lo que nos parecemos las víctimas y los verdugos. Los buenos y los hijos de puta.

Cuando tenés un hijo, le empezás a dar mate cuando te pide. Se lo das tibiecito, con mucha azúcar, y se sienten grandes. Sentís un orgullo enorme cuando un esquenuncito de tu sangre empieza a chupar mate. Se te sale el corazón del cuerpo. Después ellos, con los años, elegirán si tomarlo amargo, dulce, muy caliente, tereré, con cáscara de naranja, con yuyos, con un chorrito de limón. Cuando conocés a alguien por primera vez, te tomás unos mates. La gente pregunta, cuando no hay confianza: ¿Dulce o amargo. El otro responde: -Como tomes vos.

Los teclados de Argentina tienen las letras llenas de yerba. La yerba es lo único que hay siempre, en todas las casas. Siempre. Con inflación, con hambre, con militares, con democracia, con cualquiera de nuestras pestes y maldiciones eternas. Y si un día no hay yerba, un vecino tiene y te da. La yerba no se le niega a nadie. Éste es el único país del mundo en donde la decisión de dejar de ser un chico y empezar a ser un hombre ocurre un día en particular. Nada de pantalones largos, circuncisión, universidad o vivir lejos de los padres. Acá empezamos a ser grandes el día que tenemos la necesidad de tomar por primera vez unos mates, solos. No es casualidad. No es porque sí. El día que un chico pone la pava al fuego y toma su primer mate sin que haya nadie en casa, en ese minuto, es porque ha descubierto que tiene alma. O está muerto de miedo, o está muerto de amor, o algo: pero no es un día cualquiera. Ninguno de nosotros nos acordamos del día en que tomamos por primera vez un mate solos. Pero debe haber sido un día importante para cada uno. Por adentro hay revoluciones.

El sencillo mate es nada más y nada menos que una demostración de valores… Es la solidaridad de bancar esos mates lavados porque la charla es buena, la charla, no el mate. Es el respeto por los tiempos para hablar y escuchar, vos hablás mientras el otro toma y viceversa. Es la sinceridad para decir: basta, cambiá la yerba! Es el compañerismo hecho momento. Es la sensibilidad al agua hirviendo. Es el cariño para preguntar, estúpidamente, ¿está caliente, no? Es la modestia de quien ceba el mejor mate. Es la generosidad de dar hasta el final. Es la hospitalidad de la invitación. Es la justicia de uno por uno. Es la obligación de decir “gracias”, al menos una vez al día. Es la actitud ética, franca y leal de encontrarse sin mayores pretensiones que compartir. Ahora vos sabés, un mate no es sólo un mate… ¿Calentás el agua?.

Que os parece si despues de todo lo que os he contado nos tomamos un mate y charlamos un rato...

UNA PELÍCULA PARA NO OLVIDAR...

2009-06-16T11:38:00.004+02:00

La decisión de Sophie.(Sophie´s Choice).
Ayer estuve cenando con una vecina mía,por cierto la única española que tengo el resto son extranjeros semi-residentes.Y después de la cena me dijo vamos a ver una película que me han regalado.Y era "a decisión de Sophie".Ésta película la había visto hace 27 años casi recién estrenada y me encantó.

La lucha de una mujer por recuperarse después de estar en el infierno y de haber tomado una desición dolorosa. Las interpretación de Meryl es la mejor de su carrera, por ella se llevó el oscar, no se queda atrás Kevin Kline que está estupendo.
Muy pocas películas sobre el Holocausto han dado una visión tan realista y tan dura como lo ha hecho este film de Pakula. Excelentemente adaptado del libro de Styron, este fuerte relato nos hace emocionar con un mensaje para nada positivo ni menos aún esperanzador. Jamás he visto una actuacioón como la de Meryl Streep, quien hace de una madre que ha cargado con una vida tremendamente dolorosa, cosa que no ha dejado de suceder y que nos hace reflexionar acerca del tormento que vivieron millones de inocentes.

La decisión de Sophie.(Sophie´s Choice).

El pasado sobre nosotros, Las heridas abiertas
Stingo, el joven protagonista de La Decisión de Sophie, somos todos nosotros. Espectadores impávidos a los despropósitos del mundo, horrorizados por la capacidad de hacer el mal del ser humano, pero demasiado asustados y pequeños para poder intervenir. Stingo asiste a la revelación de Sophie, una joven polaca que vive una tormentosa relación con un estadounidense, Nathan, que la salvó cuando llegó al nuevo mundo después de la Segunda Guerra Mundial. Y en el pasado de Sophie, tanto Stingo como nosotros, atisbamos como se puede herir de por vida el alma de un ser, cómo podemos utilizar tanto nuestra mezquindad para hacer que, entre otras cosas, una madre tenga que elegir entre dos hijos.

Porque el Siglo XX nos pertenece a todos, y todos hemos hecho de él que en incontables eones de tiempo sea el más sanguinario de todos, justo cuando creíamos que los valores sociales y morales de la raza humana se desarrollaban para un bien común. Pero es innegable que en ese siglo, que se abrió con una matanza ideológica (la Revolución Rusa) y se cerró con otra (la caída de las Torres Gemelas) ha creado tantas muertes y traumas que nos cuestionemos nuestro gentilicio de “Raza Superior”. La historia de La Decisión de Sophie pudo pasar, y los dolores de personas como ella sin duda fueron sufridos.

La película, injustamente olvidada a día de hoy, es un potente y desgarrador retrato del nazismo, pionera en la utilización de la vertiente humana de la historia, y una de las mejores películas de Pakula, que cuenta su historia de un modo clásico e innovador para entonces (los flashbacks), y consigue hacer fluida y emotiva la excelente y densa prosa de William Styron en la novela. Combina los dos tiempos narrativos con precisión, el “alegre” devenir de los protagonistas en Nueva York; y el gris pasado de Sophie en Auschwitz, con un diseño de producción tan bueno que casi se puede oler el humo de los crematorios.

Kevin Kline da un fascinante ejercicio de interpretación en su primera película como el desequilibrado Nathan. Y Merl Streep. Si ella fue lo que fue, es lo que es, y será lo que será para el mundo del cine es en gran parte por esta película. Más allá de cuestiones técnicas como el uso de la voz en cuanto a los idiomas que habla, o la vista de su mellado cuerpo, su interpretación en en el filme va más allá de lo calificable. Su Sophie es uno de los mayores y mejores personajes que nos ha dado el séptimo arte, ya que casi nunca se ha visto una comprensión tan total, desde las entrañas hasta el último cabello, de un personaje. Todos los planos de La decisión de Sophie en que ella aparece están cargados de una tensión y una vida que no se pueden calificar sólo como cine. La estructura de Sophie como muñeca rusa emocional que va abriéndose a lo largo de la trama y nos deja atisbar los episodios de una vida marcada por la tragedia, son servidos por una actriz perfecta y envidiable, que con está película define para siempre lo que significa ser actor.

Como solo tengo halagos para ésta película,me gustaría recomendarla a quienes no la hayan visto yo pasé una noche estupenda viéndola por segunda vez.

¿SERÁ VERDAD QUE SOMOS SIMPLES MARIONETAS? Y SI ES ASÍ,¿QUIÉN MUEVE LOS HILOS? PARTE 2ª

2009-06-14T10:58:00.005+02:00

"Nosotros tendremos un Gobierno Mundial, agrade o no.
La única pregunta es saber si se creará por conquista o por consentimiento".
Senador Paul Warburg. Masón, miembro del C.F.R. y del Grupo Bildelberg.
Actas del Senado Americano, 17 Febrero 1950

Desde 1954 los más influyentes líderes del mundo forman parte del Club Bildelberg.

Todos los presidentes de EE. UU. desde 1958 y todos los altos funcionarios de la Unión Europea han sido socios de dicho Club Mundialista, participando en sus reuniones anuales.

El hecho de que presidentes de gobiernos, multimillonarios, líderes políticos, etc, se reúnan en una ciudad durante una semana tendría que ser una gran noticia, sin pasa desapercibido para el gran público a pesar (o más bien por obra de) de que los propietarios de Imperios Mediáticos como Ropert Murdoch (Fox), Redstone (Viacom group) o JL Cebrián (Grupo Prisa) son miembros del CB.

Bildelberg es dirigido por el Comité de los 300, aunque no sea ese número exactamente de miembros del comité, en realidad no llegan a la decena.

Los dirigentes del C-300 deciden quien es invitado a la reunión anual, quien puede pasar de "invitado" a "colaborador ", el cuál asistirá a las reuniones menores y a los grupos de estudio y en última instancia a ser admitido en los 300. El número de "invitados" suele rondar el de 150, mientras que los activos el de 80.

Ha sido presidente de reunión (que no del Club) durante años el multimillonario italiano Umberto Agnelli, (del grupo FIAT y el club de fútbol Juventus).

Los asistentes al CB, intentan aparentar de cara a la opinión pública, que sus encuentros son actos informales, sin embargo a nadie se le escapa que el una vez al año, los políticos más poderosos del planeta se encierren en un lujoso palacio de Europa o en un gran hotel americano junto a directivos de multinacionales, sindicalistas, directores de conglomerados multimedia, líderes ecologistas, funcionarios de la O. N. U., etc, a planificar la marcha del mundo sin dar cuenta en los parlamentos de sus países ante sus ciudadanos, no tiene nada de "informal".

Todo lo contrario, es un delito en casi todos los estados de Europa y América, por ejemplo:

La Ley Logan (de EE. UU.) prohíbe y sanciona que un funcionario público estadounidense (incluido el presidente) trate temas públicos con empresarios sin dar cuenta a su respectivo Consejo.

El Código Penal español tipifica los encuentros de funcionarios políticos con empresarios al margen de los ciudadanos como Cohecho y Tráfico de Influencias.

El Código Penal canadiense, el italiano, francés y alemán hacen lo mismo, castigando tanto al político como al empresario (si se le puede llamar empresario al dueño de una multinacional con más ingresos que un país medio europeo).
Sin embargo esas leyes no se aplican cuando se trata de los dueños - reales - del mundo.

Esperanza Aguirre, miembro del P. P., presidenta de la Comunidad de Madrid.

J. L. Cebrián, P. S. O. E. - Grupo Prisa, son miembros activos de Bildelberg con perspectivas de ingresar en los 300.

Jordi Pujol y Manuel Fraga Iribarne abandonaron el Club por motivos de edad.

Bill Clinton era un don nadie antes de asistir a la cumbre Bildelberg de Baden Baden 1991, en Alemania.

Allí le prometió a David Rockfeller, que si era elegido presidente de EEUU fomentaría:

El Tratado de Libre Comercio.

La supresión de aduanas para el comercio entre Canadá, EEUU y México para miles de productos (tratado que por otra parte convirtió a miles de trabajadores norteamericanos en desocupados). Y de pasó terminó de arruinar la campo mexicano

En 1992 fue elegido presidente...

Otros políticos desconocidos que siguieron los dictados de la familia Rockefeller y del clan Rotschild tras asistir a reuniones son:

Tony Blair, elegido primer ministro británico.
Romano Prodi, que alcanza la presidencia de la U. E. en 1999.

François Miterrand era un cadáver político en 1980, sin embargo el Bildelberg lo lleva a la presidencia de Francia ayudado de millones de euros para su campaña y un apoyo total de las televisiones y prensa, a cambio de "unir " Alemania y Francia en el terreno económico.
En España se han reunido dos veces una en Palma de Mallorca y el invitado de honor fué Adolfo Suarez ,que pasó a ser presidente del Gobierno.La segunda vez fué en Galicia,creo recordar que en La Toja y El invitado fué Esperanza Aguirre las siguientes elecciones las ganó el PP.
A todos estos datos tengo que añadir el comentario tan a certado de mi querida Pafermi que tiene mucha razón Fidel está donde está porque ellos quieren (Los Bildelberg)al igual que Chavez.

Durao Barroso, fue elegido presidente de la U. E. en la reunión de Stresa, Italia, de Junio de 2004.
ElPeter Sutherland: es irlandés, antiguo comisario europeo, presidente de BP Amoco en Londres, antiguo presidente y director de gestión de Goldman-Sachs, y actualmente, presidente de la rama europea de la Comisión Trilateral (alta instancia del nuevo orden mundial) y miembro del grupo Bilderberg (otra instancia del nuevo orden mundial)

El último miembro de los Bildelberg que se sepa tiene conesión directa con el Vaticano.
Primero nos enteramos de lo de Kissinger: Asesor consultivo de area de política exterior del Vaticano. Ahora un nuevo “bildelberg” entra en acción. Según fuentes informadas Peter Sutherland ha sido nombrado también entre los cercanos de Benedicto.
Peter Sutherland: es irlandés, antiguo comisario europeo, presidente de BP Amoco en Londres, antiguo presidente y director de gestión de Goldman-Sachs, y actualmente, presidente de la rama europea de la Comisión Trilateral (alta instancia del nuevo orden mundial) y miembro del grupo Bilderberg (otra instancia del nuevo orden mundial).
Estados Unidos tenía previsto invadir Irak en 2002, los miembros del Bildelberg obligaron al gobierno norteamericano a retrasarla hasta marzo de 2003 para que las multinacionales francesas tuvieran tiempo de retirar sus inversiones. En un principio los miembros norteamericanos del CB se negaron, pero en cuestión de horas millones de euros financiaban campañas y manifestaciones "pacifistas " contra EE.UU.

Cada mes de mayo una caravana de limusinas negras se dirige hasta el hotel escogido por la organización. En su interior, un centenar de banqueros, jefes de gobierno, economistas, presidentes de multinacionales, académicos y responsables de los medios de comunicación. Todos ellos se encierran durante un intenso fin de semana pocos días antes de la reunión del G8. El sistema de seguridad para proteger a este grupo es tan elitista como sus miembros. Entre ellos, varios agentes de la CIA. Este año se ha celebrado en una isla griega.
La conferencia del Club de Bilderberg 2009 se celebrará en el hotel 5 estrellas Astir Palace Nafsika en Vouliagmeni, Grecia, entre el 14 y el 17 de mayo.

Esta es la isla que han alquilado para ellos en exclusiva.
Normalmente esta reuniones son secretas y no se sabe nunca la lista de invitados,pero gracias a un periodista del preiódico "El Guardian" que consiguió infiltrarse no se sabe muy bien como la publicó y aquí os la dejo.
Componentes de los Bildelberg e invitados.

2009 Bilderberg Attendance List
Queen Beatrix of the Netherlands,
Queen Sofía of Spain
Étienne Davignon, Belgium
Josef Ackermann, Germany
Keith B. Alexander, Director of the NSA, USA
Roger Altman, USA
Takis Arapoglou, National Bank of Greece, Greece
Ali Babacan, Turkey
Balsemão, Francisco Pinto, Portugal
Nicolas Baverez, France
Franco Bernabè, Italy
Xavier Bertrand. France
Bildt, Carl, Sweden
Jan Björklund, Minister for Education, Sweden
Christoph Blocher, Switzerland
Alexandre Bobard, France
Henri de Castries, AXA, France
Juan Luis Cebrián, El Pais, Spain
W. Edmund Clark, TD Bank Financial Group, Canada
Kenneth Clark, ΤD Βank Financial Group, Great Britain
Luc Coene, National Bank of Belgium, Belgium
Richard Dearlove, ex head MI6, Great Britain
Mario Draghi, Βanca d΄Ιtalia, Italy
Eldrup, Anders, Denmark
Elkann, John, Fiat SPA, Italy
Enders Thomas, CEO Airbus, Germany
José Entrecanales, Spain
Isidre Faine Casas, La Caixa, Spain
Niall Ferguson, Harvard Business School, USA
Timothy Geithner, USA, Secretary of the Treasury
Dermot Gleeson, Ireland
Donald E. Graham(Washington Ρost Company)
Halberstadt, Victor, Professor of Economics, Leiden University, Netherlands
Ernst Hirsch Ballin, Netherlands
Richard Holbrooke, USA
Jaap de Hoop Scheffer, NATO Secretary General, Denmark
James L. Jones, National Security Advisor, USA
Vernon Jordan, USA
Robert Kagan, USA
Jyrki Katainen, Minister of Finance, Finland
John Kerr, Baron Kerr of Kinlochard, Great Britain
Mustafa Koç, Turkey
Roland Koch, Germany
Sami Kohen, Journalist, Turkey
Henry Kravis, USA
Marie-Josée Kravis, USA
Neelie Kroes, European Commissioner for Competition. Netherlands
Odysseas Kyriakopoulos, S&B Group, Greece
Manuela Ferreira Leite, Portugal
Bernardino León, Spain
Jessica Mathews, Carnegie Endowment for International Peace, USA
Philippe Maystadt, European Investment Bank, Belgium
Frank McKenna, ΤD Βank Financial Group, Canada
John Micklethwait, The Economist, Great Britain
Thierry de Montbrial, Institut français des relations internationales (IFRI), France
Mario Monti, Bocconi University, Milan, Italy
Miguel Ángel Moratinos, Minister of Foreign Affairs, Spain
Craig Mundie, Microsoft, USA
Egil Myklebust, SAS Group, Norway
Matthias Nass, Die Zeit, Germany
Denis Oliven, Le Νouvel Οbservateur, France
Frederic Oudea, Societe Generale, France
Cem Özdemir, Alliance '90/The Greens, Germany
Tommaso Padoa-Schioppa, Italy
Papalexopoulos, Dimitris, CEO, Titan Cement Co. S.A., Greece
Richard Perle, Αmerican Εnterprise Ιnstitute, USA
David Petraeus, Commander, U.S. Central Command, USA
Manuel Pinho, Minister of Economy and Innovation, Portugal
Robert Prichard, Τorstar Corporation, Canada
Romano Prodi, ex Prime Minister, Italy
Heather Reisman, Ιndigo Βooks & Μusic Ιnc., Canada
Odd ? Reitan, Norway
Michael Ringier, Czech Republic
David Rockefeller, USA
Dennis Ross, USA
Barnett Rubin, USA
Alberto Ruiz-Gallardón ?, Mayor of Madrid, Spain
Suzan Sabancı Dinçer, Turkey
Indira Samarasekera, President of the University of Alberta, Canada
Rudolf Scholten, Social Democratic Party, Austria
Jürgen Steb, Germany
Pedro Solbes, Spain
Serra Sabanci ?, Turkey
Lawrence Summers, USA
Peter Sutherland, Ireland
Martin Taylor, Barclays Bank, Great Britain
Peter Thiel, USA
Matti Vanhanen, Prime Minister, Finland
Daniel Vasella, Novartis AG, Switzerland
Jeroen van der Veer, CEO Royal Dutch Shell, Netherlands
Guy Verhofstadt, ex Prime Minister, Belgium
Paul Volcker, USA
Jacob Wallenberg, Sweden
Marcus Wallenberg, Sweden
Martin Wolf, Financial Τimes, Great Britain
James Wolfensohn, USA
Paul Wolfowitz, USA
Fareed Zakaria, USA - Newsweek
Robert Zoellick, World Bank, USA
Dora Bakoyannis, Minister for Foreign Affairs, Greece
Anna Diamantopoulou, Greece
Yannis Papathanasiou, Minister for Economy and Finance, Greece
Georgios Alogoskoufis, Greece
George David, Coca-Cola 3E, Greece
Este año Esperanza Aguirre ha sido sustituida por Gallardon.

Conozca ahora un poco mas de los Bildelberg y la Trilateral Comission y las decisiones del Vaticano sobre sus “asesores”…

En 1954, muchos de los hombres más poderosos del mundo se reunieron por primera vez bajo el patrocinio de la familia real holandesa y la familia Rockefeller en el lujoso hotel Bilderberg de la pequeña ciudad holandesa de Oosterbeck. Durante todo un fin de semana debatieron sobre el futuro del mundo. Al acabar las sesiones, decidieron volver a reunirse cada año para intercambiar ideas y analizar la evolución internacional. Se bautizaron a sí mismos como Club Bilderberg y, desde entonces, cada año, se reúnen durante un fin de semana en un hotel de mundo para decidir el futuro de la humanidad. Entre los miembros actuales de este selecto club se encuentran Bill Clinton, Paul Wolfowitz, Henry Kissinger, David Rockefeller, Angela Merkel, Jacques Chirac, Donald Rumsfeld, Toni Blair y George Soros, además de muchos otros jefes de gobierno, empresarios, políticos, banqueros y periodistas de países de todo el mundo. Españoles de primer nivel también forman parte de este selecto club. Entre ellos se encuentran Rodrigo Rato, Matías Rodríguez Inciarte, Juan Luis Cebrián, Joaquín Almunia, Pedro Solbes, Loyola de Palacios, José Borrell, Jaime Carvajal de Urquijo y Javier Solana.

El Club Bilderberg no es una sociedad secreta.Ellos dicen de si mismos que se trata tampoco de una nueva teoría conspiradora sobre el dominio del mundo. El Club Bilderberg es totalmente real y tangible. Existe como institución oficial y se han publicado algunos artículos sobre él. La prestigiosa BBC británica, por ejemplo, le dedicó su atención el 27 de septiembre de 2005. Sin embargo, en más de cincuenta años de reuniones en las que se ha producido una concentración inusitada de poder y dinero en el mismo momento y en un solo lugar, nunca se ha filtrado ninguna información de lo que se debatía en el Club Bilderberg. Jamás se ha dejado entrar a la prensa a las deliberaciones, ni se ha emitido ningún comunicado sobre las conclusiones a las que habían llegado los asistentes, ni tampoco se ha hecho pública ningún acta con el orden del día.(Menos éste año).

Directivos del propio Club Bilderberg han afirmado que esa discreción es necesaria para que los participantes en los debates puedan hablar con libertad, sin ver al día siguiente sus declaraciones reflejadas en los periódicos. Sin duda, esa discreción permite al Club Bilderberg deliberar con más libertad. Pero eso no responde a la pregunta fundamental: ¿Sobre qué hablan los más poderosos del mundo en esas reuniones?.
En cualquier democracia moderna se protege el derecho a la intimidad, pero ¿no tiene el público derecho a saber de qué hablan los más importantes presidentes, primeros ministros, reyes y reinas de todas las casas europeas cuando se reúnen con los empresarios y banqueros más ricos de sus respectivos países?.

¿Qué garantía tienen los ciudadanos de que el Club Bilderberg no es un centro de tráfico de influencias y de cabildeo si no se les permite conocer de qué hablan allí sus representantes? ¿Por qué el Foro de Davos y las reuniones del G8 aparecen en todos los periódicos en portada y permiten asistir a miles y miles de periodistas, mientras que nadie cubre las reuniones del Club Bilderberg a pesar de que asisten a ellas con regularidad los presidentes de entidades financieras como el Fondo Monetario Internacional, el Banco Mundial, la Reserva Federal y el Banco Central Europeo, presidentes de las empresas más poderosas del mundo, como DaimlerChrysler, Coca Cola, Pepsi Cola, Ford, General Motors, Novartis, AstraZeneca, British Petroleum, Shell, Chase Manhattan Bank, UBS Warburg, Soros Fund Management, Kissinger and Associates, Nokia, Motorola, Ericsson, American Express, France Telecom, German Telecom, British Telecom, Goldman Sachs, Lazard Freres, Deutsche Bank, JP Morgan, Xerox, Microsoft y Oracle, EADS, secretarios de Defensa y vicepresidentes de Estados Unidos, representantes de comités nacionales democráticos y republicanos estadounidenses, directores de la CIA y del FBI, secretarios generales de la OTAN, todos los comisarios europeos, senadores y congresistas estadounidenses, primeros ministros europeos y líderes de los partidos de la oposición, gobernadores de todos los bancos centrales de todos los países europeos, los principales editores y los directores de los principales periódicos del mundo? Resulta sorprendente que pocos medios consideren que una concentración de personalidades así no es noticia cuando cualquier viaje de algunos de ellos en solitario suele llegar a los titulares de las noticias en televisión.

Yo me hice estas preguntas casi quince años atrás,que es cuando tuve noticias de ellos por primera vez. Empecé entonces una investigación(o un deseo de saber). Lentamente traspasé una a una todas las capas de secretismo del Club Bilderberg,muchas de las página que consulté en su día han desaparecido,habiá una entrevista de una periodista española que contaba como recibió amenazas de muerte muy subliminalmente,he intentado buscarlas y el señor Google me dice que no existe.
Me compré el libro de Daniel Estulin,y no me descubrió mucho aunque tengo que reconocer que está muy bien documentado.
Y lo que descubrí me puso los pelos de punta. Más allá de ser un centro de influencia, el Club Bilderberg es el gobierno mundial a la sombra, el que decide con un secretismo total en sus reuniones anuales cómo se llevarán a cabo sus planes.

Los Secretos del Club Bilderberg se adentra en las reuniones secretas y explica por qué un grupo formado por políticos, empresarios, banqueros e individuos poderosos formaron la sociedad secreta con más poder en el mundo. Los Secretos del Club Bilderberg incluye fotografías y documentos inéditos de las reuniones, además de detallar las acciones pasadas, presentes y futuras de los Bilderberg. Como dijo Benjamin Disraeli, primer ministro inglés, «el mundo está gobernado por personajes que no pueden ni imaginar aquellos cuyos ojos no penetran entre los bastidores».

El 11 de septiembre de 2001, el Club Bilderberg,inició una guerra que «no tendrá fin mientras vivamos». Esa guerra no se libra en aras de la justicia. Su único fin es el petróleo. Quien gane finalmente esta guerra controlará los últimos vestigios de las reservas de petróleo y gas natural del Planeta. La raza humana libre está en peligro de extinción. Los Bilderberg lo saben muy bien. De ahí las «guerras sin fin» en Afganistán, Iraq, Sudán, Irán, la cuenca del mar Caspio y las que se librarán contra Arabia Saudí, los Emiratos Árabes Unidos, Siria y Venezuela dentro de muy poco tiempo. Todo forma parte de un conflicto global para controlar a la Humanidad. Quienes controlan el petróleo controlan la Tierra. Y el Gobierno Mundial Único-Nuevo Orden Mundial se aprovecha de todos los recursos tecnológicos disponibles para dominar al reticente mundo.

El objetivo final de esta pesadilla es un futuro que transformará la tierra en un planeta-prisión mediante un mercado único globalizado, controlado por un Gobierno Mundial Único, vigilado por un Ejército Mundial Unido, regulado económicamente por un Banco Mundial y habitado por una población controlada por microchips cuyas necesidades vitales se habrán reducido al materialismo y la supervivencia: trabajar, comprar, procrear, dormir, todo conectado a un ordenador global que supervisará cada uno de nuestros movimientos (Esto último son puras elucubraciones mias pero tal y como veo la cosa ,va se que soy vidente).
En este inminente futuro incierto, el pueblo cree que hay algo malvado que está al acecho en las sombras, esperando la oportunidad de abalanzarse, aguardando el momento oportuno. Podemos sentir su escalofriante presencia. A la mayoría de la gente le gustaría ignorarla pero ya no puede hacerlo. Ese «algo» se ha introducido lentamente de manera sigilosa y forzada en nuestra conciencia y en nuestra psique colectiva. En este libro yo muestro qué es ese «algo» y revelo sus planes apocalípticos. Pero aún hay más.
Pero aún hay más. También descorro el velo del lucrativo tráfico mundial de drogas y explico cómo los bilderbergers se encargan de gestionarlo. Al contrario de lo que nos han contado, la guerra en Kosovo no se libró en pro de la libertad sino por drogas. La economía global asociada a las drogas genera aproximadamente 700.000 millones de dólares al año en beneficios en efectivo líquido. ¿Quién se beneficia? Las familias más opulentas y poderosas del mundo, como demuestro en el capítulo sobre Kosovo. Milosevic era bruto, pero se le quitó de en medio y finalmente se le asesinó porque el Imperio necesitaba beneficios ilimitados. Como el 80 por ciento de la heroína que entra en Europa lo hace a través de Kosovo, Yugoslavia estaba condenada a desaparecer.

También nos han dicho que Osama bin Laden y sus terroristas de Al-Qaeda perpetraron los atentados del 11-S. Como el mundo estaba horrorizado, nosotros quisimos creer en otra MENTIRA. El 11-S,guardó relación con el petróleo, o más bien con la falta de petróleo como requisito previo necesario para una Guerra Total que nos llevará a los brazos abiertos con que nos espera la Esclavitud Total.

Los Beatles, los Rolling Stones, Monterrey, Woodstock, la emisora Top 40 y MTV son metáforas de un lavado de cerebro devastador, cortesía del Instituto Tavistock de Comportamiento Humano. Creíamos que habíamos «descubierto» a los Beatles, a los Stones, a los Animals y a los Mamas and the Papas. Sin embargo, cruel y previsoramente, a las órdenes de Tavistock, los investigadores sociales más brillantes del Planeta nos implantaron estos grupos. Formaban parte del experimento humano de alto secreto de efectividad devastadora, que pretendía degradar al individuo y reducir su esfera de influencia espiritual. Combinados con los experimentos con LSD financiados por la CIA y los experimentos supersecretos de narcohipnosis MK-ULTRA, realizados con el fin de crear un asesino humano perfecto, el «Candidato Manchú»,DEGRADAR AL HOMBRE hasta dejarlo al nivel de la BESTIA, el sueño de Frédéric Nietzsche de HOMBRE-BESTIA visto a través de los ojos del Club Bilderberg, su extrema locura.
Sin embargo, a escala mundial se está despertando la conciencia general, dado que el pueblo está empezando a vislumbrar su irracionalidad; esta concienciación está empezando a capacitar nuestro aprendizaje y comprensión colectivos. Verás, nos han dicho que los acontecimientos mundiales son demasiado difíciles de comprender para un no entendido. ¡Mentían! Nos han dicho que los secretos nacionales deben protegerse celosamente. ¡Claro que sí! Ningún gobierno desea que sus ciudadanos descubran que los mejores y más brillantes compatriotas se dedican al tráfico de drogas, participan en saqueos masivos de planeta, en secuestros y asesinatos. Yo lo hago por ellos.
Conocerás quién trafica con drogas y por qué, quién asesina y quién extrae beneficios de esa gigantesca y omnipresente estafa que se conoce como política. Pero hay esperanza. Los pueblos no deberían temer a sus gobiernos. Los gobiernos, a partir de ahora, deberían empieza a temer a sus pueblos.
Una vez más, estamos ante una encrucijada. El Bilderberg está a punto de celebrar su «fiesta de presentación global» Los puntos de tensión han empezado a romperse en cada rincón del planeta y la gente ha comenzado a tomar partido. Los caminos que sigamos ahora determinarán el futuro de la Humanidad y si atravesamos el siglo XXI como un Estado policial electrónico global o como seres humanos libres, como consecuencia de una concienciación masiva que tenga lugar en Estados Unidos y en el resto del mundo libre frente a las actividades criminales de la élite global.
Entonces mi pregunta,si como parece somos meras marionetas.¿Será verdad que esta gente son los que nos mueven los hilos?.¡Pues estamos apañados!.
Vosotras que pensais...

¿SERÁ VERDAD QUE SOMOS SIMPLES MARIONETAS? Y SI ES ASÍ,¿QUIÉN MUEVE LOS HILOS? PARTE 1ª

2009-06-13T12:56:00.012+02:00

Lo que voy a contar aquí, hace mucho que lo llevo investigando,(suena pretencioso pero es real). Cuando no entiendo algunas cosas,ejemplo:La crisis,hago como los niños chicos me pregunto ¿por qué? siempre estoy con el dichoso ¿por qué?.Y debido a ésa manía mía de darle muchas vueltas a las cosas he llegado a todo esto que voy a contar en dos partes para que no se haga eterna la entrada.

LOS SÍMBOLOS OCULTOS DEL DOLLAR.
Muchas veces he oido hablar de los simbolos ocultos del billete americano, el DOLAR, y me he dedicado a buscar informacion al respecto.

Para empezar tome un billete de 1 Dolar entre mis manos, y comence a verlo con atención. En el frente del billete todo parece estar en orden, pero si miramos con mucha agudeza visual podremos encontrar en el angulo superior derecho, a la derecha del Nº 1, un pequeño, diminuto, casi imperceptible buho.

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Recordemos que el Buho es un el simbolo de los “Iluminati”, una deidad mesopotámica llamada Moloch, asociada a Satanás y a quien los banqueros y jerarcas mundiales rinden culto todos los años en el “Soto Bohemia”, de California, vestidos con las ropas del Ku Klux Klan.
De este lado, parece no haber mas… creo.
Ahora dando vuelta el billete, la primera imagen que impresiona es esa piramide con un ojo en su parte superior.
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La llamada “Piramide con el Ojo que todo lo ve”, símbolo de la masonería y del dios egipcio “Horus”.
En su parte inferior observamos la leyenda “Novo Ordo Seclorum”, traducido sería: “Nuevo Orden Mundial” y en inglés se dice “New World Order”.
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Arriba, leeréis “Annuit Coeptus”, que significa “nuestra empresa es exitosa” o “nuestra empresa es exitosa”.

En la base de la pirámide podemos encontrar escrito en números romanos el año 1776 ( MDCCLXXVI ), en concordancia con el año de la independencia de los Estados Unidos, pero…. tambien el año en que el sacerdote jesuita de origen judío, Adam Weishaupt, fundó esta orden, Los Iluminati.

La piramide, posee 13 escalones, y este dato seria irrelevante si no notamos que en el sector derecho, ese aguila, simbolo americano, posee en una de sus patas, igual cantidad de flechas (13) y … en su otra pata sostinene una rama con 13 hojas.

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Mucho mas curioso es ver que sobre el aguila hay una estrella de David compuesta de 13 pequeñas estrellas.

Tambien podemos encontrar 13 barras en el escudo que aparece en el pecho del aguila.

El numero 13 aparece repetitivamente en los billetes de Dollar, debido a que 13 es la cantidad de estados que se independizaros de Inglaterra, para formar lo que hoy conocemos como Estados Unidos, pero resulta que para los masones es el número de la transformación.

Y como final, el aguila, este bello animal, pero que ademas de aparecer en los billetes de Dollar, fue durante muchos años uno de los principales simbolos del nazismo.
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Realmente muchos simbolos, imagenes, palabras, que nos dejan mucho que pensar.

QUE SUERTE TUVE QUE TE CONOCÍ

2009-06-11T12:18:00.006+02:00

Era el año 1973 cuando te conocí,yo viajaba semanalmente a Madrid por motivos personales,cuando nos presentaron.Aún recuerdo las tardes en el saloncito privado del bar de nuestra amiga Lina en la calle Espíritu Santo. Donde hablamos de lo divino y de lo humano,pero siempre en voz baja,corrían malos tiempos y podíamos acabar detenidas por lo que nuestros huesos habrían ido a parar a la cárcel de Yeserias.Cosa que sucedió desgraciadamente un fin de semana en el que yo no había viajado.¡Uf! me libré por los pelos,no así algunas amigas nuestras que no voy a nombrar ya que hoy en día son políticas,escritoras y periodistas famosas y les corresponde a ellas contarlo.Cerraron el bar a Lina y nos refugiamos en otro cerca de éste último en una travesía de la calle de San Bernardo donde seguimos hablando y porqué no contarlo jugábamos al mus y otras veces al póker.¡Que recuerdos! sobretodo porque te conocí a tí.
Quienes te conocimos opinábamos que era un ser fácil para la sonrisa, para la comprensión, para asumir el error ajeno, y fácil también para llorar en amor y compañía, para escuchar la confidencia última, para encontrar en el semejante un motivo más que sirva para perpetuar su sentido creador. Así te veía yo.
Datos biográficos de GLORIA FUERTES

La biografía de Gloria Fuertes está llena de datos confusos que ella misma se encargó de ir difundiendo y cambiando constantemente: el año de su nacimiento o el número de hermanos, ya que no está claro si fueron seis, ocho o nueve... Hemos intentado reconstruir lo más fidedignamente su vida, pero no descartamos que nosotros también hayamos caído en ese juego que mantenía celosamente para preservar su intimidad.

Gloria Fuertes nació el 28 de julio de 1917 en el madrileño barrio de Lavapiés en el seno de una familia humilde, de madre, costurera y sirvienta, casi muere en el parto, tal como ella misma refleja en los versos de una de sus «autobiografías». Debido a la profesión de su padre, bedel, la familia cambió varias veces de residencia en Madrid.

A los tres años ya sabía leer y a los cinco escribía cuentos y los dibujaba. Luego los cosía con hilos para encuadernarlos. Esos fueron sus libros infantiles.

Sus primeras lecturas las componen el famoso TBO y los cuentos de Pinocho que editaba Calleja, ya que según ella manifestó en varias ocasiones le asustaba Blancanieves allí muerta, y le parecía un horror que en el cuento de Caperucita la abuela fuera devorada por el lobo. Por eso, su cuento preferido era Pinocho, y sus juguetes, los que encontraba por la calle.

Asiste a varios colegios, entre ellos uno de monjas del que no guarda un buen recuerdo. Su madre la matriculó en el Instituto de Educación Profesional de la Mujer en todas las asignaturas propias de su sexo: Cocina, Bordados a mano y a máquina, Higiene y Fisiología, Puericultura, Corte y Confección, Taquigrafía y Mecanografía, pero ella no quería ser ni modista, como su madre, ni niñera, no quería servir a nadie, en todo caso quería servir a todos, así que también se matriculó en Gramática y Literatura. Su madre no podía entender sus aficiones, impropias de la hija de un obrero como eran los deportes y la poesía.

Escribe sus primeros versos a los catorce años.

En 1934 fallece su madre:

A los quince se murió mi madre,
se fue cuando más falta me hacía.

Durante la guerra empieza a trabajar de contable y de secretaria en la fábrica de Talleres Metalúrgicos, y entre cuenta y cuenta escribía cuentos y poemas. Aunque sus lecturas de juventud son los poemas de Bécquer, Rubén Darío y Gabriel y Galán, lo que más le influye a la hora de escribir es la llegada de la Guerra Civil. Esta experiencia dramática de la guerra agudizó su sentido de protesta. Así escribe su primer libro de poemas a los 17 años, Isla ignorada, aunque no lo publica hasta 1950. Soy como esa isla ignorada
que late acunada
por árboles jugosos
- en el centro de un mar que no me
entiende,
rodeada de nada, sola sólo -.

En 1935 publicó sus primeros versos y dio sus primeros recitales de poesía en Radio Madrid y Radio España. En esta época se movía por Madrid con una falda-pantalón y corbata en bicicleta, desde Lavapiés a la Calle Mayor para entregar sus cuentos y poesías en Escuela Española, y compraba libros a hurtadillas en la cuesta de Moyano.

Su primer amor fue un obrero que desapareció durante la contienda, el mal de amor pasó rápido y en 1937, vuelve a enamorarse de un médico al que metieron en la cárcel. Gloria iba a verle todos los días. Algunos versos tratan de este sentimiento doloroso.

Esta foto de su juventud no es muy conocida
En 1939, como ella misma relataba, pasó de la oficina de hacer cuentas a una redacción para hacer cuentos.

Debido al horror de la guerra su visión de la vida es triste y no entiende el absurdo de la civilización moderna capaz de luchar por cosas sin importancia, pero ignoran la destrucción de niños. El tema antibélico estará presente en su poesía de forma contundente:

El día que se implante la Paz,
sobre la Tierra
caerá una nevada tenaz
y duradera.

Una vez acabada la guerra comienza a relacionarse con el mundo de las letras en revistas como Pelayos, o Chicos, Chicas y Chiquitito, éstas últimas bajo la dirección de Consuelo Gil, donde publica cuentos de humor desde 1940 hasta 1955. Colabora como redactora en la Revista Infantil Maravillas, suplemento infantil del diario Arriba, portavoz de la Falange y dirigido por Fray Justo Pérez de Urbel. Lo primero que publicó fueron unas aleluyas y unas historietas de una niña de 9 años llamada Coletas. También aquí presentó a Pelines, un niño de 6 años que llegó a ser más popular incluso que Coletas. Al principio ella misma dibujaba las historietas, pero pronto se hizo cargo de esta labor ilustradora Soravilla. Siguió publicando semanalmente cuentos, historietas y poesía para niños en esta revista hasta el año 1953.

Se estrenan diversas obras suyas de teatro infantil y poemas escenificados en varios teatros de Madrid.

En 1942 conoce a Carlos Edmundo de Ory al que le dedica el poema Delirio y a finales de los años cuarenta entró en las tertulias del grupo literario denominado Postismo, un movimiento de postguerra que era lo más avanzado que podía proponer España estéticamente, bajo el régimen de Franco. Colabora en las revistas Postismo y Cerbatana, junto a de Ory, Chicharro, Sernesi y Francisco Nieva.A éste último tuve el honor de conocerlo gracias a tí Gloria de mi corazón). Por tanto, en estos años se combinan perfectamente sus dos facetas creadoras: la infantil con la poesía social de adultos. Para hacer ambos tipos de poesía Gloria analizaba su estado de ánimo y así actuaba. Para escribir poesía infantil «se hacía niño», tenía que estar contenta y graciosa, imaginativa, fantástica, idear un argumento que les hiciera gracia desde el primer momento y con un vocabulario sencillo, en cambio si tenía algún problema la poesía resultante era la del lector adulto. Cambiaba el humor fácil por la risa amarga, complica las figuras de estilo, aumenta las metáforas y los dobles sentidos, eso sí, nunca utilizaba palabras que tuviera que buscar en el diccionario, su lenguaje era claro, sencillo y llano como ella misma fue a lo largo de su vida.

Y aunque nunca se sintió ligada a ningún movimiento y se definía como «autodidacta y poéticamente desescolarizada», la crítica ha unido su nombre a dos movimientos literarios como la Generación del 50, y el Postismo. Con los de la Generación del 50 le une el haber publicado en esa época y el tipo de poesía de denuncia moral que hacía Celaya, Blas de Otero, José Hierro, García Nieto, Ángel Crespo o Buosoño entre otros cuyos temas son: la soledad, el dolor, la injusticia social, el amor, Dios, la muerte... sin embargo, la principal diferencia entre Gloria Fuertes y estos poetas es que, aunque los poemas de ambos salen del dolor, del desamor y del amor, ni ellos ni los postistas supieron llegar al pueblo de la forma en que lo hacía Gloria Fuertes. Y es que ella decía que «antes de contar las sílabas, los poetas tienen que contar lo que pasa». Lo que no se puede negar es que en estos años sí surge una vertiente de la poesía española marcada por la queja más o menos explícita contra la opresión.

Tampoco podemos pasar por alto que Gloria Fuertes fue una de las voces iniciales de la poesía femenina de posguerra con Carmen Conde y Ángela Figuera, entre otras.

Junto a Adelaida Lasantas, María Dolores de Pueblos y Acacia Uceta funda en 1947 el grupo femenino «Versos con faldas» que se dedica durante dos años a ofrecer lecturas y recitales por cafés y bares de Madrid. Fue un grupo tremendamente activo que organizaba lecturas de poesía y colabora en revistas como Rumbos, Poesía Española, con Gabino Alejandro Carriedo, o El pájaro de paja, dirigida por Ángel Crespo.

En este mismo año obtiene el Primer Premio de «Letras para canciones» de Radio Nacional de España.

Fue fundadora y directora de la revista poética Arquero, (1950-1954) junto a Antonio Gala, Rafael Mir y Julio Mariscal. En 1952 estrena su primera obra de teatro en verso Prometeo en el Teatro del Instituto de Cultura Hispánica y se publica Canciones para niños. En 1954 publica en Caracas Antología Poética y Poemas del suburbio, donde se refleja su solidaridad con las clases marginadas de la sociedad urbana, también aparece Aconsejo beber hilo en la colección Arquero y en Caracas Todo asusta (1958) con el que recibe la primera mención del Concurso Internacional de Poesía Lírica Hispana.

Por estos años publica la obra infantil Pirulí, y organiza la primera Biblioteca Infantil ambulante por pequeños pueblos, llevando libros adonde éstos no llegan por falta de dinero o por el analfabetismo que todavía existía en España.

Entre 1955-1960 cursa estudios de Biblioteconomía e Inglés en el International Institute. Aquí conoce a Philys Turnbull, una de sus mejores amigas. Gracias, en parte, a ella en 1961 obtiene la beca Fullbright para impartir clases de Literatura Española en la Universidad de Bucknell (Pensilvania), Mary Baldwin y Bryun Mawr, hasta 1963. Cuando vuelve a España imparte clases de español para americanos en el Instituto Internacional.

En esta década publica algunas de sus obras más conocidas: Que estás en la tierra (1962), Ni tiro, ni veneno, ni navaja, en 1965 con el que obtiene el Premio Guipúzcoa, Poeta de guardia, en 1968, uno de los mejor considerados por la crítica y Cómo atar los bigotes del tigre, en 1969 con el que consigue el accésit del Premio Vizcaya de Poesía:

Mis mejores poemas,
sólo los lee una persona;
son unas cartas tontas
con mucho amor por dentro
faltas de ortografía
y agonía precoz...

En esta obra la vida o ese «tigre», aparecen dentro de una construcción alegórica, un circo en el que el ser humano debe adquirir el papel de domador y «atarle los bigotes», controlarlos. Bajo este prisma alegórico se entienden poemas que tienen que ver con el mundo circense. Tema, que entronca con su literatura infantil.

Como Cangura para todo, que en 1968 fue todo un éxito al obtener una mención de honor en el Premio Andersen de literatura infantil.

A partir de la década de los 70 Gloria empieza a vivir por y para la literatura. Publica Antología poética (1950-1969) en 1970.

En 1972 obtiene la beca de la Fundación Juan March para literatura infantil, y siguió publicando libros de cuentos como La pájara pinta, y La oca loca.

Un año más tarde aparece Sola en la sala, como testimonio de su propia soledad, de su insatisfacción amorosa. Dice que lo escribió estando por primera vez enferma, y que decía lo que tenía que decir «con la rapidez de un dardo, un navajazo, una caricia». También publica Cuando amas aprendes geografía, así como numerosos títulos infantiles: Don Pato y Don Pito, El camello cojito, Las tres reinas magas, entre otros...

Se convierte en una prolífica poeta, y la poesía constituye el motor de su vida. Llega el momento de su antología titulada Obras incompletas (1975) donde reúne poemas de sus libros anteriores.

Comienza a colaborar activamente en diversos programas infantiles de TVE, como Un globo, dos globos, tres globos, del que compone hasta la sintonía, y La cometa blanca (a partir de 1982) convirtiéndose así definitivamente en la poeta de los niños y es que con los niños le gustaba enredar adivinanzas, pareados y juegos de palabras disparatados y ripios. Fue designada por el diario Pueblo como la «figura más popular».

Sigue publicando obras para adultos como Historia de Gloria: (amor, humor y desamor) y Mujer de verso en pecho, en 1995. Toda su poesía se basa en hablarnos de la realidad que vive y de cómo la vive. Relata su vida, pero tapando las miserias con el humor, que lo utiliza como mecanismo de defensa y mezcla la rabia, la dulzura, la preocupación, la alegría y la incertidumbre. Se definía como «yoísta» y «glorista», y su obra está llena de poemas que se titulen «autobiografía».

Los versos de Gloria Fuertes están llenos de frases hechas, de máximas y proverbios, registros infantiles, coloquialismos, con lo que ella juega ingeniosamente para darles un nuevo significado. Por ello, se dedica, sobre todo a la poesía infantil porque era con los niños con los que mejor podía aplicar este sentido de la poética tan libre y tan sencillo. Sabía que su actitud lúdica de desmontar y reinventar palabras llevaba a los niños a un mundo de fantasía y les provocaba la diversión, a través de esos pareados y rimas facilonas. Juega con el lenguaje como jugaría un niño: El libro loco de todo un poco, La ardilla y su pandilla, Coleta payasa, ¿qué pasa?, Don Pato y Don Pito, El hada acaramelada El abecedario de don Hilario, Pelines, Doña Pito Piturra... entre otros.

Doña Pito Piturra
tiene unos guantes,
Doña Pito Piturra
muy elegantes.

Su fama trasciende los límites de la literatura y Gloria es conocida como poeta y como personaje. Su peculiar voz es familiar en todos los hogares españoles de estos años. Su actividad es imparable: lecturas, recitales, homenajes... y constantes publicaciones. Siempre se sintió querida por la gente, y la aceptación de su popularidad no era vanidad, sino la necesidad afectiva de una persona especialmente sensible. Sin embargo, la crítica y algunos poetas nunca le reconocieron el mérito de ser la figura que más hizo dentro de la literatura infantil y aunque se quejaba de que nunca le habían dado el Premio Nacional de Literatura Infantil, sin embargo, se enorgullecía de haber recibido el Premio Andersen en 1968 por Cangura para todo, así como de contar entre sus amigos nombres tan relevantes como Camilo José Cela que la definió como «una de las más luminosas voces poéticas españolas» incluso en alguna ocasión le confesó que le «gustaría escribir para niños» como ella.

Y es que sus nanas, canciones y poemas están llenas de aliteraciones, anáforas, enumeraciones caóticas, incluso recreaciones de poemas de autores clásicos que parafrasea socarronamente, lo que comporta un gran ingenio. Muchos de sus poemas se siguen utilizado como paradigma de poesía infantil, es decir, poesía hecha con la musicalidad evidente y los mensajes inocentes, que sin embargo, esconden mucho más. Por sus páginas pasan niños, niñas, animales, profesores, montañas, arroyos, lápices, números, payasos, buzos, poetas y hasta un chino llamado Chin-cha-te.

Gloria decía que escribir para niños tenía una gran responsabilidad, ya que lo que pretende es despertar en ellos el amor por la vida, por la gente, las plantas, los animales, pero sin dejar el humor ni la fantasía porque la risa es muy necesaria y constantemente repetía que hay adultos que nunca han sido niños y son seres penosos. Sin pretenderlo, tuvo un gran afán pedagógico ya que consiguió que aprendiéramos la tabla de multiplicar, recitáramos los ríos de España o escribiéramos bien:

Verso para la ortografía
a lavar ropa con uve,
alabar a Dios con be.
Huevo con hache y tomate
apto de aptitud con pe...

En 1997 publicó en la editorial Torremozas, Pecábamos como ángeles, una selección de su poesía amorosa en la que nos presenta su vertiente más apasionada y nos permite escuchar de cerca su corazón, que, entre bromas y verdades, tiene la rara virtud de emocionar siempre.

Cuando Gloria ya conocía la gravedad de su enfermedad le preguntaron que qué tal estaba y ella contestó «Estoy a solas con Dios y mi dolor», pero no estuvo sola ni un minuto, siempre había alguien con ella, incluso cuando murió el 27 de noviembre de 1998 estaba rodeada de sus amigos íntimos, los que siempre estuvieron ahí.

Triunfé con mi poesía
pero no asistí a mi triunfo.
Si tengo algo mejor que hacer
tampoco asistiré a mi entierro .

ALGUNOS DE SUS POEMAS.
YA VES QUÉ TONTERÍA

Ya ves qué tontería,
me gusta escribir tu nombre,
llenar los papeles con tu nombre,
llenar el aire con tu nombre;
decir a los niños tu nombre
escribir a mi padre muerto
y contarle que te llamas así.

Me creo que siempre que lo digo me oyes.
Me creo que da buena suerte.

Voy por las calles tan contenta
y no llevo encima nada más que tu nombre.

CUANDO TE NOMBRAN

Cuando te nombran,
me roban un poquito de tu nombre;
parece mentira,
que media docena de letras digan tanto.

Mi locura seria deshacer las murallas con tu nombre,
iría pintando todas las paredes,
no quedaría un pozo
sin que yo asomara
para decir tu nombre,
ni montaña de piedra
donde yo no gritara
enseñándole al eco
tus seis letras distintas.

Mi locura sería,
enseñar a las aves a cantarlo,
enseñar a los peces a beberlo,
enseñar a los hombres que no hay nada,
como volverme loco y repetir tu nombre.

Mi locura sería olvidarme de todo,
de las 22 letras restantes, de los números,
de los libros leídos, de los versos creados.

Saludar con tu nombre.
Pedir pan con tu nombre.

- siempre dice lo mismo- dirían a mi paso, y yo, tan orgullosa, tan feliz, tan campante.

Y me iré al otro mundo con tu nombre en la boca,
a todas las preguntas responderé tu nombre
- los jueces y los santos no van a entender nada-
Dios me condenaría a decirlo sin parar para siempre.

GLORIA FUERTES
LA GENTE DICE

La gente dice:
«Pobres tiene que haber siempre»
y se quedan tan anchos
tan estrechos de miras,
tan vacíos de espíritu,
tan llenos de comodidad.

Yo aseguro
con emoción
que en un próximo futuro
sólo habrá pobres de vocación.

DECIR LO ESENCIAL

Hay que decir lo que hay que decir
pronto
de pronto
visceral del tronco;
Con las menos palabras posibles
que sean posibles los imposibles
hay que hablar poco y decir mucho
hay que hacer mucho
y que nos parezca poco:
arrancar el gatillo a las armas
por ejemplo.

AUNQUE NOS MURIÉRAMOS AL MORIRNOS

Aunque no nos muriéramos al morirnos,
le va bien a ese trance la palabra: Muerte.

Muerte es que no nos miren los que amamos,
muerte es quedarse solo, mudo y quieto
y no poder gritar que sigues vivo.

EL DOLOR ENVEJECE MÁS QUE EL TIEMPO

El dolor envejece más que el tiempo,
este dolor dolor que no se acaba,
y que te duele todo todo todo
sin dolerte en el cuerpo nada nada.

A tantos días de dolor se muere uno,
ni la vida se va,
ni el corazón se para,
es el dolor acumulado el que,
cuando no lo soportas,
él te aplasta.

Mi accidente será un buen epitafio:
Cuando una calle bajo el sol cruzaba,
de dolor - o de amor - es lo mismo,
murió desbaratada.

CUANDO TE NOMBRAN

Cuando te nombran,
me roban un poquito de tu nombre;
parece mentira,
que media docena de letras digan tanto.

Mi locura seria deshacer las murallas con tu nombre,
iría pintando todas las paredes,
no quedaría un pozo
sin que yo asomara
para decir tu nombre,
ni montaña de piedra
donde yo no gritara
enseñándole al eco
tus seis letras distintas.

Mi locura sería,
enseñar a las aves a cantarlo,
enseñar a los peces a beberlo,
enseñar a los hombres que no hay nada,
como volverme loco y repetir tu nombre.

Mi locura sería olvidarme de todo,
de las 22 letras restantes, de los números,
de los libros leídos, de los versos creados.

Saludar con tu nombre.
Pedir pan con tu nombre.

- siempre dice lo mismo- dirían a mi paso, y yo, tan orgullosa, tan feliz, tan campante.
Y me iré al otro mundo con tu nombre en la boca,
a todas las preguntas responderé tu nombre
- los jueces y los santos no van a entender nada-
Dios me condenaría a decirlo sin parar para siempre.

ESTA ERA GLORIA FUERTES A LA QUE TUVE LA INMENSA SUERTE DE CONOCER Y DE SER AMIGAS EN UNOS TIEMPOS DIFÍCILES.

Gracias por haberme dado tanto,sin necesidad de pediírtelo,cuando más lo necesitaba.
Te imagino en el cielo haciendo poemas para todos los que allí se encuentran.

EL ANGEL CAIDO

2009-06-09T13:02:00.002+02:00

Assunta Adelaide Luigia Modotti nació en Udine, Italia, el 17 de agosto de 1896.
A los diecisiete años emigra a los Estados Unidos con su familia.
Fue actriz en Hollywood, siendo protagonista de varias películas mudas.
En 1921 conoció a Edward Weston, fotógrafo norteamericano que le enseñó a usar la cámara.

En 1922 llegó a México donde conoció a Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
Su vida comenzó de nuevo en México.
País con el que se identificó totalmente, posiblemente le recordase la Italia de su infancia.
Al mismo tiempo, su actitud y sus costumbres chocaron con la moral provinciana del México de la época.

Se hizo miembro de Partido Comunista en 1927.

Participó activamente en la campaña "Manos fuera de Nicaragua" en apoyo a la lucha de Augusto César Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano.

En 1928 conoció a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, en una manifestación en protesta por la ejecución de Sacco y Vanzetti.
Vivió tres meses con Antonio, quien murió asesinado cuando iban paseando agarrados de la mano, el 10 de enero de 1929.
Tina llora después cuando llega a su casa, al amanecer, y ve los zapatos de Mella, vacíos, que están como esperándolo bajo la cama. Hasta hace unas horas, esta mujer era tan feliz que sentía envidia de sí misma.

Pero ella es culpable de ser amante de la libertad. Vivía sola cuando descubrió a Mella, mezclado en la multitud que manifestaba por Sacco y Vanzetti, y por Sandino, y se unió a él sin boda.
A principios de 1930, fue expulsada de México, acusada injustamente de conspirar para asesinar al Presidente.
Llegó a Alemania a mediados de 1930.
Viajó a la Unión Soviética donde se reencontró con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México.
Participó en el Socorro Rojo Internacional.

En 1934 partió hacia España.
Después de la rebelión militar, en 1936, se alistó al Quinto Regimiento y trabajó con las Brigadas Internacionales, con el nombre de María, hasta el fin de la guerra.

En 1939 regresó como asilada a México, donde continuó con su actividad política a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi.
En 1940, el gobierno de Lázaro Cárdenas anuló su expulsión de 1930.
Durante su estancia en México escandalizó a la mojigata sociedad de aquella época por ser una mujer que vivía bajo el mismo techo con un hombre que no era su marido, ni su hermano, salía a la calle después de las ocho de la noche y compartía la mesa en lugares públicos con varios varones; además de tener la costumbre de bañarse desnuda en la azotea de su casa cuando llovía.
Murió, de un ataque cardiaco, el 5 de enero de 1942, tenía en ese momento 46 años.

En su tumba, en el Distrito Federal de México, un poema de Pablo Neruda, la recuerda:
"Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes;
tal vez tu corazón oye crecer la rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa..."

A lo largo de su agetreada vida tuvo tiempo para hacer fotografías.
Sin embargo nunca alardeó de artista:
"Soy una fotógrafa y nada más", escribió.

Tina Modotti fue una mujer que vivió una vida intensa, profunda y comprometida con la época que le tocó vivir.
Además de todo eso nos ha dejado un importante número de grandes fotografías, ¡ casi nada !.

AMIGAS DEL ALMA

2009-06-06T20:24:00.000+02:00

Voy a contar dos historias de amor porque eran de amor aunque ellas dijesen cada pareja por diferentes motivos que solo eran "amigas del alma".
La primera pareja son dos mujeres muy inteligentes y luchadoras además de triunfadoras.
La segunda pareja es anónima yo las conocí en mis primeras vacaciones de verano que pasé al regreso de mi aita a casa,de eso hace muchos pero que muchos años.Entonces yo les veía a las protagonistas de ésta historia como todo el mundo (a excepción de mi abuela que ya os he comentado era muy inteligente y no se le escapaba una)unas amigas del alma unidas por el destino,el amor y el infortunio.
La primera pareja la formaron SUSAN SONTAG Y ANNIE LEIBOWITZ.

¿Quién era Susan Sontag? Moría en el 2004 una de las mujeres más peleonas de la historia reciente. No sólo por su obra, sino por todo lo que supuso esta mujer para la historia de las declaraciones sin tapujos, para la cultura y la literatura americana y por ser defensora comprometida de la verdad y la justicia, y sin embargo, ambigua y escurridiza a la hora de hablar de su vida privada. Se sabe que estaba unida a la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz, una relación que duró tres lustros. Leibovitz se hizo un nombre con sólo 31 años al fotografiar a un John Lennon desnudo abrazado a Yoko Ono para la revista Rolling Stone justo unas horas antes de que Lennon fuera asesinado.

Cuando tenía 43 años recibió radioterapia para curar un cáncer de mama, probablemente, estas radiaciones dieron lugar años después a la leucemía, que padecería hasta su muerte, y que fue lo únicao capaz de hacerla callar. Como muchas otras figuras importantes de la pintura, el arte y la literatura está enterrada en el cementerio parisino de Montparnasse, del que ya hablamos en cmk al hablar de Man Ray.
Ensayista, escritora, articulista y guionista de obras de teatro, nos conviene destacar uno de sus libros por afinidad temática a esta entrada: “Sobre la fotografía”.

Leibovitz es famosa por sus retratos de famosos pero hoy la conoceremos a través de la fotografía de Susan y de la fotografía que Susan tomó de ella.

¿Quién era Annie Leibowitz?.

Annie Leibowitz.
Anna-Lou Leibovitz (n. Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. En 1983 ganó un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum, al año siguiente fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año. En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express y en abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la nombró «Leyenda viviente».
Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.
Leibovitz tuvo una relación romántica con la prestigiosa escritora y ensayista Susan Sontag, a quien conoció en 1988 cuando la fotografió para la sobrecubierta de su libro El sida y sus metáforas. Ellas nunca vivieron juntas, pero tenían apartamentos en los que podían verse la una a la otra. Sontag solía criticar y presionar a Annie para que trabajase más duro, y para que fuera más profunda y personal. De hecho, cuando Leibovitz retrató a Demi Moore desnuda y embarazada, fue Sontag quien persuadió a la editora de Vanity Fair, Tina Brown, para que publicara aquella controvertida foto.
La relación de ambas duró 16 años. Culminó en noviembre de 2004, cuando Susan falleció debido a las complicaciones de un síndrome mielodisplásico que desembocó en una leucemia mielógena aguda. Annie cerró un ciclo junto a ella al fotografiarla en su lecho de muerte, y aun estaba de luto cuando su padre también murió, a comienzos de 2005.
Ni Leibovitz ni Sontag habían aclarado públicamente si su relación era familiar, amistosa o de naturaleza romántica. Sin embargo, cuando Annie fue entrevistada para su libro del año 2006, A photographer's life: 1990-2005, declaró: «Con Susan, era una historia de amor»

En el prólogo de su libro, Leibovitz dio detalles sobre su lesbianismo y su relación romántica-intelectual con Sontag. También contó que ambas estaban preparando un libro juntas, y narró lo difícil que fue el duelo tras el fallecimiento de ella.
Finalmente, Annie reconoció que mantuvo una relación amorosa con Sontag. Cuando se le preguntó porqué se refería a Susan como «compañera» y no específicamente como «amante» o «pareja», Leibovitz dijo que «amante» era lo más apropiado. Más tarde, Annie declaró al periódico San Francisco Chronicle: «Díganos "amantes". Me gusta "amantes". Ya sabe, "amantes" suena romántico. Quiero ser perfectamente clara. Yo amo a Susan». Leibovitz tiene tres hijos: Sarah Cameron (2001), y los gemelos Susan y Samuelle (2005), quienes fueron gestados por una madre de alquiler.

LA SEGUNDA PAREJA.
Argate (Águeda) y Argiñe (Lucía)
Argate era la mayor de cinco hermanos, de los cuales se tuvo que hacer cargo y ejercer de madre ya que una tuberculósis le dejó huerfanos de madre, siendo todos muy niños,ella no regresó nunca más a la escuela para poder atender el caserio cuidar de sus hermanos y padre.¡En fin! como lo había hecho su madre hasta su fallecimiento.
Su único escape ante tantas obligaciones sucedía el domingo cuando bajaba al pueblo a oir misa y allí se juntaba con la que había sido su amiga desde la más tierna infancia,Argiñe. Juntas escuchaban misa y a la salida juntas hacían el camino de regreso a sus respectivos caserios,se sentaban en la orilla del rio y se contaban como habían pasado la semana,se miraban se decían lo mucho que se extrañaban,para después con un ¡hasta el domingo que viene! y un beso en la mejilla se decía adios.
Argiiñe.Era hija única que fué concebida siendo sus padres ya mayores, que le condicionó a estar a su lado durante toda su vida,primero de niña y de mayor cuidándoles hasta que fallecieron.
Ambas amigas siguieron escuchando misa todos los domingos y fiestas de guardar (como se decía antes).
Y cuando se quedaron solas siempre estaban juntas pero cada una vivía en su casa,la gente decía, al verlas entrar en la iglesia, se han quedado solteras por amor a la familia pero como siempre han sido muy amigas se tienen la una a la otra.Y yo que le he visto durante muchos años veía como se miraban con cariño y devoción y le comentaba a mi hermana. Esas dos si que son amigas de verdad.
Ahora sé que si bien es cierto que eran "amigas del alma" tambien es cierto que eran dos mujeres que se amaban en silencio con mucho amor pero también con mucho miedo,miedo a que alguien descubriese su secreto,que se amaban profundamente y con dolor,el dolor que causa creer que aquello que te está haciendo feliz está mal y que pueden criminalizarte las malas lenguas y que la iglesia esa misma a la que no dejaron de asistir ni un solo festivo les habria condenado.
Argiñe murió a los 84 años y dos años más tarde Argate los panteones de las dos familias por caprichos del destino están uno junto a otro.
Ya veis dos historias de amor unas callaron por un motivo y las otras por otro pero ambas parejas se amaron profundamente.

ALGUIEN ME DIJO UN DÍA QUE NO SE PODÍA MORIR DE AMOR...

2009-06-04T12:52:00.000+02:00

Como es posible que conociendo esta historia mi amigo me diga que no se puede morir de amor,no es el único caso,pero si es uno de los que más me impresionaron cuando lo conocí.

Los demonios de Camille Claudel.

Pasó los 30 últimos años de su vida en el manicomio de Montdevergues. Allí murió sola. Abandonada por todo el mundo, incluida su familia. Camille Claudel (1864-1943) cargaba a sus espaldas 79 años de una vida tan dramática como fascinante. Y aún tendría que transcurrir mucho tiempo para que se reconociera su talento como escultora. Sobre todo, para que su personalidad artística volara por encima de su relación con Auguste Rodin. Su maestro. Su amante. Un genio déspota y ventajista, de la que Claudel fue víctima. Como lo fue de su familia ingrata y de la sociedad misógina y envidiosa de la época.
Fueron muchas las vejaciones a las que le sometió Rodin, maestro y amante.
Se le diagnosticó manía persecutoria y delirios de grandeza
Una exposición en la Fundación Mapfre de Madrid, con cerca de un centenar de obras, una de las mayores organizadas hasta la fecha sobre la artista, arroja luz acerca de la obra y la tortuosa personalidad de Claudel. De un paseo por sus salas se extraen muchas conclusiones sobre su obra y sobre su persona. En el imaginario colectivo, ella conserva las trazas sensuales de la actriz francesa Isabelle Adjani, quien la resucitó para el cine en La pasión de Clamille Claudel (1988), de Bruno Nuytten, con Gerard Depardieu como Rodin. Las fotografías descubren una mujer de deslumbrantes ojos verdes con aura dorada y una infinita tristeza.

Hija de una familia pequeñoburguesa, desde muy joven mostró gran facilidad para crear formas con sus manos. Trabajar y moldear todo tipo de materiales. Pero el talento natural no fue suficiente y buscó la maestría de la técnica en un taller.

Pese a que la familia se opuso al sueño de la hija de convertirse en artista, su hermano menor, Paul, escritor y único amigo, consiguió que sus padres autorizasen la entrada de su hermana en un taller. Y que fuera nada menos que en el de Auguste Rodin.

En aquella época, Camille Claudel rondaba los 20 años y se encontraba en la plenitud de su belleza y de la fuerza creativa. Rodin y su alumna se hicieron amantes inmediatamente. Y los tormentos amorosos no tardaron en llegar. No es sólo que él fuese un hombre casado y promiscuo, sino que incluso tenía una "amante estable", Rose Beuret, que se convertiría en gran enemiga y pesadilla recurrente en la vida de Camille. La relación duró casi diez años. Y los ataques de celos y peleas fueron públicos y constantes.

Ella aprendió rápidamente y Rodin le permitió participar en muchas de sus grandes esculturas. Aunque, temeroso de su personalidad y talento arrasadores, intentaba rebajar su protagonismo en el estudio. Camille dejó escrita en su correspondencia de la época que él se aprovechaba de ella, que las obras que presentaba como propias eran producto de su talento menospreciado.

También hubo lugar para otros reproches. Por ejemplo, las vejaciones y humillaciones a las que le sometió Rodin, que solía exhibirse con otras mujeres delante de ella. Entre esta correspondencia hay una carta de Rodin, incluida en la exposición, en la que él deja por escrito la promesa, mil veces rota, de que ella sería la única mujer en su vida.

Obsesionada por el amor, Camille fue convencida por Rodin de abortar cuando quedó embarazada. De nuevo, le prometió que iba a abandonar a Rose Beuret. Todo fue mentira de nuevo y Camille, profundamente humillada, abandonó a Rodin. La artista, entonces, se encerró en su propio estudio y esculpió incansable cabezas de niños. La mayor parte de éstas fueron destrozadas inmediatamente. Los vecinos de su taller la oían aullar todo el día. Camille perdió su belleza y su única relación fueron las decenas de gatos que vagabundeaban por el estudio.

Una tarde, tres enfermeros echaron la puerta abajo y le colocaron una camisa de fuerza. Por orden de su familia, fue ingresada en un sanatorio psiquiátrico próximo a París. Nunca más volvió a esculpir nada. Se le diagnosticó "una sistemática manía persecutoria acompañada de delirios de grandeza". Al final de su vida recuperó la cordura. Nadie la reclamó.

Superviviente de su leyenda
No fue el primero ni será el último caso de una leyenda que oscurece la obra de una artista. Si Frida Kahlo, por ejemplo, fue víctima del espectáculo de su vida junto a Diego Rivera, la existencia de la escultora francesa Camille Claudel se asemejó tanto a un culebrón, que durante muchos años el reconocimento de su obra no estuvo a la altura de de sus logros.

La exposición , ofrece un centenar de esculturas, prácticamente toda la obra de la artista, además de un poco de justicia poética, pues consigue demostrar que Camille Claudel brilló por sí misma, fuera de la alargada sombra de Auguste Rodin.
Documentos, una selección de las apasionadas cartas que se intercambiaron Claudel y Rodin. Casi toda la obra que se expone viene del Museo Rodin de París, de colecciones particulares y de los diferentes herederos de ambos artistas. Es una de las muestras más grandes que se le han dedicado.

Organizada en orden cronológico, la exposición arranca con una colección de bustos familiares realizados en su primera juventud: padres, abuelos o hermanos eran entonces sus modelos. Después se muestra un grupo de obras realizado en colaboración con Rodin, su maestro, hasta llegar a la espectacular Sakuntala, de la que hay siete versiones. Pero la gran estrella es el grupo escultórico que representa su ruptura con Rodin, L?âge mûr (La edad madura), iniciada hacia el final de su relación. En la pieza se muestra a Rodin desnudo, retenido por Camille -arrodillada, también desnuda y suplicante- y arrastrado por una vieja. La costurera y amante del artista, Rose Beuret.

1816 HAMBRUNA Y FRIO

2009-06-03T11:52:00.000+02:00

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También conocido como el Año del Hambre, el Año de la Pobreza o Mil Ochocientos y Helado Hasta los Huesos, 1816 fue el año en que insospechadas aberraciones climáticas sacudieron a decenas de millones, con tormentas de nieve en pleno verano y vientos gélidos que devastaron las cosechas a lo largo de toda Europa, América del Norte y gran parte de Asia. Las calles de Londres y Paris estaban sepultadas bajo nieve a mediados de Mayo, y hubo registros de ríos y lagos congelados por completo a latitudes tan septentrionales como Pennsylvania. La sorprendente causa: El Monte Tambora, un volcán que se creía inactivo en la isla de Sumbawa, entró en súbita erupción, luego de que la expedición del científico holandés Jaan van den Vondel, creador del método de destilación de flogisto, hiciera estallar accidentalmente el interior de la montaña, cubriendo al mundo en un manto de humos piroclásticos y ceniza.
Cosas extrañas se sucedieron durante el verano de 1816. En Nueva Inglaterra cayó nieve en pleno verano. Las lluvias frías eran continuas en Europa. El estado del tiempo para nada parecía ser tiempo de verano. Hacía frío y tempestuoso y estaba oscuro. Por lo tanto, en el hemisferio norte, al año de 1816 se le conoció como “el año sin verano.”

La razón por la ausencia de verano en Europa y en Norteamérica se encontraba del otro lado del planeta, en el Monte Tambora de Indonesia.

El 5 de abril de 1815, el monte Tambora, un volcán, comenzó a retumbar con actividad. Durante los siguientes cuatro meses el volcán estalló, la explosión volcánica más grande que se haya registrado en la historia. Muchas personas que vivían cerca del volcán perdieron sus vidas en el acontecimiento. El monte Tambora expulsó tanta ceniza y aerosoles hacia la atmósfera, que el cielo se obscureció y el a href="/sun/sun.html">Sol fue bloqueado y no se veía. Durante los meses siguientes, estas partículas se esparcieron a lo largo de la atmósfera y tuvieron un efecto sobre el clima mundial. La temperatura global media de la Tierra descendió tres grados centígrados. El efecto era temporal. Eventualmente, la ceniza y los aerosoles lanzados por el volcán cayeron de la atmósfera, permitiendo que nuevamente pudiera verse al Sol brillar.

El año sin verano tuvo muchos impactos en Europa y en norte América. La helada acabó con muchas cosechas. La carencia de luz solar hizo que otras cosechas no prosperaran. Esto aumentó el precio de los alimentos. El precio de la avena aumentó, lo cual hizo que aumentara el precio del alimento de caballos. Los caballos eran el principal medio de transporte, así que con la avena costosa, el costo del transporte también aumentó. Esto incitó a un hombre alemán llamado, Karl Drais, a inventar una nueva manera de trasladarse sin caballo: la bicicleta.

El triste verano también inspiró a muchos escritores. Durante el año sin verano, Maria Shelley, su marido el poeta Percy Bysshe Shelley, y del poeta Lord Byron, estaban de vacaciones en el lago Ginebra. Estando confinados bajo techo por días a causa de la lluvia constante y los cielos melancólicos, los escritores describieron el ambiente triste, oscuro del tiempo de propias maneras. Maria Shelley escribió Frankenstein, una novela de horror que se desarrollaba en un ambiente, a menudo, tempestuoso. Lord Byron describió la oscuridad en un poema que comienza, “yo tenía un sueño, que no era un sueño del todo. El brillante Sol se había extinguido”.

A causa del año sin verano (1816) fue un año difícil para crecer cosechas, la avena que se usaba para alimentar a los caballos escaseaba y era muy costosa. El precio alto de la avena incitó a Karl Drais a inventar un medio de transporte que no requería de un caballo. Su invención: la bicicleta. Diferente las bicicletas hoy día, la versión de Drais no tenía pedales.
Ilustración de una patente francesa.

2009-05-29T11:12:00.000+02:00

En Ciudad Juárez desaparecen mujeres y no se vuelve a saber más de ellas, a menos que sus raptores decidan hacer aparecer sus cuerpos sin vida y con evidencias claras de haber sido brutalmente torturadas y asesinadas, violadas de manera tumultuaria y arrancadas partes de su cuerpo o quemadas. Es un dolor terrible para esta sociedad. ¿No hay nada que mueva a quienes pueden hacer algo al respecto?

La desesperación y miedo de las familias de vivir en tal inseguridad al ver a las hijas salir del hogar sin saber si van a regresar, no son motivo que afecte la voluntad de nadie de poner un freno a estos hechos.

A la fecha estos crímenes están impunes, y a las mujeres desaparecidas nadie las busca... y los asesinatos y desapariciones continúan sin que a la fecha haya responsable alguno. Invitamos al gobierno a que emita alguna acción y deje de seguir ignorando que en esta frontera ocurre algo sumamente grave.

Dejemos de ser cómplices de esta situación. Hacemos un llamado desesperado a todo aquél que su conciencia le exija hacer un mínimo esfuerzo por apoyar esta lucha en contra del feminicidio que parece no tener fin. Cada uno de nosotros, en nuestro ámbito de desempeño puede participar.

Pongamos los limites, la violencia en esta ciudad parece no conocer fronteras. Los asesinatos de mujeres jóvenes y pobres comenzaron a documentarse en Ciudad Juárez en 1993... En 2009 se extiende el terror a la ciudad de Chihuahua... ¿Dónde y cuándo terminará...? .

JUAREZ

Yo soy una de esas mujeres,
de las maquiladoras
enterrada en las fosas
del desierto, con una bata azul
y los ojos abiertos.
Estrangulada, desmembrada,
con mordiscos en los pezones
y en la vagina siete puñaladas.

Al sur de Río Grande las calles tienen ojos,
el alma sonajeros y los machos pistola.
Inmenso como el odio el idioma que hablas
esta noche, al bajar del autobús,
y que quise aprender.

Yo soy uno de esos nombres
en una cruz rosada
bajo la impunidad de las estrellas.
Entre nosotras y la muerte,
al salir del trabajo, sólo estaba el azar.

En Ciudad Juárez cuando discuten
los maridos dicen a sus mujeres:
Te voy a echar al desierto.

NO ME ARREPIENTO DE NADA (PARA PAFERMI )

2009-05-28T10:58:00.000+02:00

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Llevo unos días entrando en el bolo,y veo con asombro como sigue habiendo gente que su principal objetivo al entrar es la de denostar o al menos intentarlo a gente estupenda.¡Joder! es que no se dan cuenta que gente estupenda hay muy poca y que entrar y leer sus comentarios es una alegría para el ojo y el alma?.
Va para ti mi pintora favorita,que te considero estupenda como persona dentro de lo poco que nos conocemos.Yo no voy a ser la deberman tuya en el bolo pero aqui en mi cas escribo lo que me da la gana por eso ¡va por ti maestra!utilizando el argot taurino.
DESNATADA

Estoy al borde de ser borde,
me lo noto.
El precipicio crece,
estoy cansada.
Estoy al borde de ser borde,
estoy a punto de nieve
mucha nieve.Estoy helada.

Estoy al borde de ser borde
y duele mucho.
¡Dios mio,hazme mediocre!
Estoy cansada
de apostarme la vida a cada instante,
de ir desnuda y verte en todo,el alma.

Déjame que me quede aqui
en el medio,
envuelta en celofán
bien razonada.

Dame mesura,Dios,
dame mesura,
mesura chapucera y cotidiana.

Hazme mediocre,Dios
hazme mediocre.
En vez de corazón
una ensaimada.
Y el alma en tetra-brik
para que dure...

Ten compasión
y hazme desnatada.

Si te dedico este poema es porque viendo tus respuestas en el bolo creo que te sientes asi.(Son apreciaciones de una vieja cansada de ver,leer y escuchar tonterias) y no está la vida para perder el tiempo en esas cosas...

REBUSCANDO EN MIS ESTANTERÍAS

2009-05-26T14:23:00.000+02:00

EL PRINCIPITO MAS DE 60 AÑOS ENTRETENIENDO AL MUNDO

"Sé que en algún lugar del mundo,
existe una rosa única,
distinta de todas las demás rosas,
una cuya delicadeza, candor e inocencia,
harán despertar de su letargo a mi alma,
mi corazón y mis riñones.
A esa rosa, donde quiera que esté,
dedico este trabajo,
con la esperanza de hallarla algún día,
o de dejarme hallar por ella".

Traducido a 115 idiomas, siendo la pieza literaria francesa más leída en el siglo XX y la tercera más vendida en todo el mundo, sólo detrás de la Biblia y Das Kapital de Carlos Marx, El Principito es un clásico de la literatura universal y en palabras del filósofo Martin Heidegger, “una de las grandes obras del existencialismo”. Publicado el 6 de abril de 1943, El Principito no recibió buenos comentarios por la crítica. No sería sino hasta 1946 con la edición de Gallimard en Francia, que obtuvo un gran éxito e inmortalizó a su autor, el piloto aviador francés Antoine de Saint-Exupéry, quien desafortunadamente ya no pudo atestiguar este suceso. Saint-Exupéry despegó de Córcega el 31 de julio de 1944 en la que sería su última misión. El objetivo de la misma era tomar fotografías de Annecy y Grenoble, ocupados por los alemanes.
Sus biógrafos cuentan que Saint-Exupéry escribió El Principito sin parar y que leía pasajes de la obra a quienes lo visitaban a la hora de la cena. Considerando sus obras anteriores, El Principito era visto como un libro distinto, extraño, al que los lectores estadunidenses no se acostumbraron de inmediato. Después de todo, las obras precedentes del piloto francés lo hacían aparecer muy viril y era difícil imaginar que ese mismo autor podía redactar un libro para niños.
En realidad El Principito es, en cierta forma, una obra biográfica. La descripción de paisajes que Saint-Exupéry desarrolla en la obra evocan los volcanes que el piloto vio en Dakar. La célebre rosa con la que riñe El Principito, representa a su esposa Consuelo. Por cierto que la famosa riña es el punto de partida para que El Principito inicie su recorrido por siete planetas donde conocerá a extraños personajes hasta que llega a la Tierra y es recibido por una serpiente. Pero quizá de los pasajes más memorables sea el diálogo que El Principito sostiene con el zorro: sólo con el corazón se puede ver bien... lo esencial es invisible para los ojos. A juzgar por esta reflexión, ciertamente Antoine de Saint-Exupéry escribió con el corazón.

El perfume, historia de un asesino.

El perfume: historia de un asesino es una novela del escritor alemán Patrick Suskind publicada en 1985 dividido en cuatro partes y cincuenta y un capítulos, transporta al lector a un mundo con el que no está familiarizado, "el evanescente reino de los olores", a través de su protagonista, Jean-Baptiste Grenouille (grenouille significa rana en francés).

Jean-Baptiste Grenouille, un niño huérfano, nacido en el barrio más miserable de París, posee el don de reconocer miles de perfumes, al tiempo que carece él mismo de olor. Este ser peculiar y carente de sentimientos, inicia un periplo vital que incluye su formación con un famoso perfumista de París, venido a menos, su vida como un salvaje en una cueva y una carrera criminal.

Este libro destaca no solo por la originalidad del argumento, sino también por el tratamiento que se le da a algunos de los episodios de la vida de Grenouille, que lo hace entrar casi en los terrenos del surrealismo. A pesar de su corta extensión es un libro muy prolijo, en el cual se describe con minuciosidad hasta el último detalle, los tipos de perfumes, los elementos de un taller de perfumería, etc. En algunas páginas llega a hacerse un poco pesada la reiteración. Pero las descripciones están bien hechas y te introducen de lleno en la época, contada, cosa curiosa, desde el punto de vista de los olores. No deja de ser notable, ya que normalmente la descripción se centra en elementos visuales. Esta novela rompe esa tendencia. No puede decirse que sea un texto "facilón", algo de lo que pecan muchos best sellers, sobre todo modernos.

De entre los personajes, aparte del peculiar protagonista, empeñando desde niño en tener olor como el resto de los humanos (lo cual puede interpretarse como un deseo de ser "normal", de integración social, como diríamos ahora) destacan el marques de Taillade-Espinade, un aristócrata defensor de la extravagante teoría del fluido letal, cuyas explicaciones resultan de lo más rocambolesco, y Baldini, el perfumista fracasaso e imitador, reconcomido por la envidia hacia el exitoso Pelissier.

Kraken. Atrapados en el abismo

Sipnosis: Nora Pulaski está a punto de cumplir su sueño: alcanzar Marte. Pero semanas antes del lanzamiento de la nave, la NASA prescinde de sus funciones como responsable de la primera misión robótica que perforará el Planeta Rojo. La alargada sombra de su tío, el científico Robert Pulaski, está detrás de esta decisión. Pulaski, pionero en la investigación marciana, desapareció misteriosamente 28 años atrás. Su pista conduce a Nora hasta el Cantábrico. Allí una multinacional petrolífera esconde bajo las aguas un hallazgo de tal magnitud que podría solucionar la crisis energética mundial. Nora tendrá que descender a las profundidades del mar y profanar el misterioso reino de una legendaria criatura en la que ya Julio Verne se inspiró para escribir su magistral Veinte mil leguas de viaje submarino: el kraken. Sin embargo, cuando Nora descubre el secreto de su tío ya es demasiado tarde; en el abismo, no hay escapatoria…
Kraken. Atrapados en el abismo, es el nuevo thriller científico de Luis Miguel Ariza. Su nueva novela aborda temas de absoluta actualidad: los intereses de la industria petrolífera, la vida desconocida que esconden nuestros océanos y la exploración de Marte impregnan una lectura de la que nadie es capaz de despegarse hasta su sorprendente final.
El libro es muy bueno, tanto en la historia como en el lenguaje empleado por el autor, se nota que es un aguerrido periodista experto en temas científicos. La novela te atrapa desde la primera página, en la que comienza contando un aterrizaje en Marte, enlazando la historia con la lucha por los combustibles fósiles y los calamares gigantes (aparentemente no tiene nada que ver, pero Ariza se las ingenia para aunar las tres cosas). Segunda obra de Luis Miguel Ariza, periodista de La Razón, tras su La Sombra del Chamán.
Otro día hablaré de otros tantos,por hoy está bien.

EN HOMENAJE A MI AITA,HIJO Y NIETO DE ARRANZTALES

2009-05-23T10:48:00.000+02:00

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La historia que cuenta esta canción es real sucedió en el pueblo de Zumaia.
Con ella quiero rendir un homenaje a mi aita que era hijo y nieto de arranztales y hasta donde me da la memoria,no conocieron otra profesión que no fuese la de pescadores.Salían a la merluza al gran sol,al bacalao y en teimpo de bajura a la antxoa,es decir se pasaron toda su vida en el mar.
Ya dije que mi padre al terminar la guerra los "ganadores" le arrancaron de sus amores es decir de su familia y del mar para meterlo en una cárcel por el simple hecho de ser vasko,él no había cometido ningún delito aunque por aquel entonces ser euskaldun y no saber castellano era motivo suficiente (pero esa es otra historia).
Hoy quiero dedicar esta entrada a todos los hombres de la mar.Gente con una casta distinta al resto de la gente de tierra.
JOSE MARIA ZUBÍA (AITA MARI).
José María Zubía Cigarán, conocido con el sobrenombre de Mari o Aita Mari (Zumaia, Guipúzcoa, 18 de marzo de 1809 - San Sebastián, 9 de enero de 1866). Fue un marino y pescador que se convirtió en un héroe popular en el País Vasco por los salvamentos marítimos que realizó. Tras su muerte se convirtió en un símbolo de los pescadores vascos y especialmente de aquellos puertos con los que estuvo más relacionado: San Sebastián y Zumaya.

Biografía.José María Zubía nació en la localidad costera guipuzcoana de Zumaia en una modesta familia de pescadores. Desde pequeño se dedicó a faenar en la mar. En su juventud, hacia 1830 se enroló en un mercante que comerciaba con América, lo que le permitió ganar algo de dinero. Hacia 1850 con el dinero que había ahorrado compró una lancha de pescadores y se estableció como patrón de pesca de bajura en el puerto de San Sebastián. Por aquel entonces la pesca de bajura se realizaba en pequeñas embarcaciones a vela y remos conocidas como chalupas.

Fue en el desempeño de su trabajo como patrón donde comenzó a hacerse famoso en San Sebastián y la Costa Vasca por la ayuda que prestaba desinteresadamente a otros compañeros en situaciones difíciles durante las tormentas que sorprendían en la mar a los pescadores. Su lancha siempre estaba dispuesta para prestar pronto y eficaz auxilio al extraviado y al náufrago. Se hizo especialmente famoso por el rescate que comandó el 22 de julio de 1861 cuando una tremenda galerna se levantó súbitamente en la costa guipuzcoana. Desde la ciudad se vio como una lancha había naufragado y 4 de sus tripulantes se debatían entre la vida y la muerte. Sin embargo, las enormes olas hacían que nadie se atreviera a salir a socorrerlos. Entonces Zubía formó un bote con nueve voluntarios y se lanzó al rescate de los marineros de la lancha San José. El bote patroneado por Aita Mari logró rescatar a los 3 tripulantes del barco que lograron aguantar hasta que llegó el rescate. Por este acto Aita Mari y sus compañeros obtuvieron la Gran Cruz de la Beneficencia de la Marina.

El 9 de enero de 1866 se desató otra terrible y súbita tormenta y Zubía partió del puerto de San Sebastián en su barco para rescatar a unos pescadores de una chalupa de Guetaria que trataba de entrar en la Bahía de la Concha. Cuando había logrado poner a salvo en su bote a todos los náufragos, un golpe de mar le arrastró y desapareció para siempre. La muerte de Zubía ocurrió ante numerosa gente que presenciaba el rescate desde la costa. Ese día fallecieron 38 pescadores por la tormenta.

Recuerdo.Las hazañas de Aita Mari y su trágica muerte dejaron una gran conmoción en San Sebastián y en la costa guipuzcoana. Los donostiarras erigieron un busto en el muelle del puerto pesquero donostiarra en honor del pescador para perpetuar su memoria. Este busto fue obra del escultor mallorquín Matheu.

En él se podía leer el siguiente texto escrito en dialecto guipuzcoano del euskera.

MARI AITA MARI! AMAIKA BIZI OSATU ZUK ITXASOARI! ITXASOAK BAÑA, BERE AMORRUETAN ZERORI ORDAÑA. MARI! GURE MARI!
Traducción:

¡MARI, PADRE MARI! ¡ROBÓ USTED INFINIDAD DE VIDAS A LA MAR! LA MAR, SIN EMBARGO, EN SU RABIA A USTED MISMO COMO PAGO ¡MARI! ¡NUESTRO MARI!
En 1900, el busto se sustituyó por un monumento de mayores dimensiones, que es el que hoy en día se puede ver en el puerto donostiarra.

Unos versos escritos también en dialecto guipuzcoano del euskera se pueden leer al pie de dicho monumento:

Monumento en homenaje a Aita Mari que se encuentra en el muelle de San Sebastián¡MARI!
URIKALDUAK SALBATU NAYAZ EMAN ZENDUBEN BIZIYA,
TA GAUR DAUKAZU, GOITALCHATUAZ OBIZ ITSASO AUNDIYA:
¡LO EGIN ZAZU BAGA ZOÑUAZ.... O GIZON MAITAGARRIYA!
ONRATURIKAN ZURE GLORIYAZ DONOSTI ETA KANTAURIYA.
Traducción

¡MARI!
DIO USTED SU VIDA QUERIENDO SALVAR A LOS NÁUFRAGOS,
Y HOY TIENE, ENSALZADO, COMO SU TUMBA EL GRAN MAR :
DUERMA CON EL SONIDO DE LAS OLAS PROFUNDAS...OH, HOMBRE ADORABLE :
HONRADAS CON SU GLORIA SAN SEBASTIÁN Y EL CANTÁBRICO
El antiguo busto fue donado a un sobrino de Aita Mari, que a su vez se lo donó al municipio de Zumaya. El ayuntamiento colocó el busto ese mismo año en un chaflán del edificio de las escuelas de Zumaya, donde hoy en día todavía puede verse.

El ayuntamiento de San Sebastián le dedicó adicionalmente en 1917 una calle cercana al puerto, la antigua Kaiaurreko Kalea o Calle frente al muelle, que fue rebautizada como Calle de Mari. Varios negocios ubicados en el entorno del puerto donostiarra llevan como nombre Aita Mari, en recuerdo del marino.

En su localidad natal, Zumaya, su nombre sigue estando también muy presente. Una calle del casco viejo fue llamada Calle de Mari. También una barriada moderna fue bautizada como Aita Mari en su honor. El campo de fútbol de Zumaya, situado junto a dicha barrio es conocido también como Aita Mari. El cine del pueblo se llama Aita Mari y el club de remo local, fundado en 1975, Aita Mari Arraun Elkartea (Club de Remo Aita Mari).

Vivo como no pidía ser de otra manera de cara al mar,pero sin que suene mal y hablando de sonidos el mar que hoy en día mis ojos ven cuando suena suena como una suave melodía y yo estoy acostumbrada al sonido del mar que me vió nacer que cuando suena es como un rugido con fuerza como la fuerza que tienen los hombres de la mar.
Va por todos vosotros.
ASKO,ASKO MAITE ZAITU (OS QUIERO MUCHO)

CUANDO EL SER HUMANO SE CONVIERTE EN COBAYA

2009-05-22T10:18:00.000+02:00

El experimento del "Pequeño Albert" es una demostración empírica del procedimiento de condicionamiento clásico realizada por John B. Watson y su colaboradora Rosalie Rayner, en la Universidad Johns Hopkins.

Objetivos.
Según describen Watson y Rayner (1920), los objetivos de este experimento eran:

¿Puede condicionarse a un niño para que tema a un animal que aparece simultáneamente con un ruido fuerte?
¿Se transferirá tal miedo a otros animales u objetos inanimados?
¿Cuánto persistirá tal miedo? no lo sabremos hasta finalizar el experimento.

Metodología.

Se seleccionó a un niño sano de nueve meses, Albert, para el experimento. Se le examinó para determinar si existía en él un miedo previo a los objetos que se le iban a presentar (animales con pelo), examen que fue negativo. Sí se identificó un miedo a los sonidos fuertes (como el producido al golpear una lámina metálica con un martillo fuertemente).

El experimento inició cuando Albert tenía 11 meses y tres días. El diseño era presentarle al pequeño Albert un objeto de color blanco y al mismo tiempo un ruido fuerte (golpeando una barra detrás de la cabeza del niño). Después de varios ensayos, el niño sollozó ante la presencia de una rata, y luego mostró generalización del estímulo ante bloques, un perro, lana, un abrigo, etc.

EI (ruido) ----------> RI (llanto)
|
EC (objeto blanco) ---> RC (llanto)
Antes de que fuera posible estudiar la forma de quitar el miedo condicionado, el niño fue retirado de la unidad de hospitalización en donde se encontraba.

Es importante señalar que el experimento del pequeño Albert no se reproduce hoy en día en psicología por considerarlo inmoral.

Referencias.Watson, John B. & Rayner, Rosalie (1920). "Conditioned emotional reactions". Journal of Experimental Psychology, 3(1), pp. 1-14.
Libro ((http://psychclassics.yorku.ca/Watson/emotion.htm)).

John Broadus Watson, (Greenville, 9 de enero de 1878 - Nueva York, 25 de septiembre de 1958). Psicólogo estadounidense que inauguró la escuela psicológica del Conductismo.[1]

Fue uno de los psicólogos americanos más importantes del siglo XX, conocido por haber fundado la Escuela Psicológica Conductista, que inauguró en 1913 con la publicación de su artículo La Psicología tal como la ve el Conductista"

Es célebre la frase en la que sostiene que tomando una docena de niños cualesquiera, y aplicando técnicas de modificación de conducta, podría conseguir cualquier tipo de persona que deseara:

“Dadme una docena de niños sanos, bien formados, para que los eduque, y yo me comprometo a elegir uno de ellos al azar y adiestrarlo para que se convierta en un especialista de cualquier tipo que yo pueda escoger -médico, abogado, artista, hombre de negocios e incluso mendigo o ladrón- prescindiendo de su talento, inclinaciones, tendencias, aptitudes, vocaciones y raza de sus antepasados”.

En Octubre de 1920 Watson fue invitado a abandonar su cátedra en la Universidad Johns Hopkins debido a los rumores que corrían acerca de la relación que mantenía con su asistente Rosalie Rayner (la cual sería su colaboradora en el famoso experimento acerca del condicionamiento del miedo con el pequeño Albert), pasando a trabajar posteriormente como psicólogo para la empresa Thompson (hecho por el cual fue ampliamente criticado por sus colegas de la época).

cuando supe de éste caso,no pude por mas que pensar lo cruel que puede ser el ser humano con sus semejantes (y eso que somos racionales).O al menos asi se nos reconoce.

AUN ESTOY CON LOS OJOS COMO PLATOS DEL SUSTO QUE ME HE LLEVADO EN EL CAJERO

2009-05-21T10:48:00.000+02:00

Ésta mañana,he ido al cajero y no os podéis hacer ni idea el susto que me he metido. He metido mi tarjetita visa electrón con la sana intención de sacar unos euros para hacer unas compras y cual no ha sido mi susto que después de hacer todo el ritual de marcar el pin,(por supuesto poniendo mi manita encima)y veo en la pantalla espere un momento se está procesando la operación.Y ¡bum! susto que te crió se pone toda la pantalla en rojo aparece la foto de Dolores Ibarruri (La Pasionaria) cantando la Internacional y al final una voz me dice.Estimada clienta usted tiene la cuenta en mas números rojos que la señora que sale en la foto.
Os imagináis como me he quedado?.
Joder yo con números rojos y los políticos hablan de que se compran trajes con dinero en mano por valor de mas de 12.000 euros y los compañeros del político trajeado ningunean esos 12.000 euros diciendo que es una pequeñez y el interesado dice que los paga dinero en mano y que no tiene facturas,cuando a mi y al resto de los españolitos de a pie no obligan a guardar las facturas para poder hacer la declaración de la renta. Y voy yo y me pregunto.¿éste señor no ha declarado esos trajes? por que para él es una cantidad insignificante? o por que fue un regalo que el no considera importante?.
Total que yo me quedo con mis números rojos no, lo siguiente...

Yo también quisiera unos trajecitos,o mejor poder llegar a final de mes...
Que dura es la vida para los españolitos de a pie.

ÚNICAMENTE LOS QUE LES CONOCÍAN ENTENDIERON ÉSTA HISTORIA DE AMOR

2009-05-19T15:46:00.000+02:00

Bien es verdad como he dicho en el enunciado, que solo los que les conocían comprendieron ésta "extraña historia de amor".Máxime si digo que la diferencia de edad entre los cónyuges era de casi 50 años.
El separado de una mujer con la que estuvo casado 43 años a su vez manteniendo una relación amorosa que por entonces duraba ya 20 años.
Ella divorciada con un hijo y una vida amorosa muy suigeneris.
Pero ambos muy,pero que muy cultos e inteligentes.
Yo tuve el placer de conocerlos en un viaje a Italia con que por entonces era el padre de mis hijas (me niego a seguir diciendo mi marido).Curiosamente mi... conocía a Alberto,yo por mi parte conocía a la familia de Carmen,casualidades de la vida.
Os voy a poner en antecedentes de quienes eran los protagonistas de ésta historia real pero extraña (ya digo que para los que no los conocían)sobre todo a él,
Él se llamaba Alberto moravia y ella Carmen llera.
Carmen Llera,navarra que a sus 31 años se casó por lo civil , en absoluto secreto, al alba, en el Campidoglio de Roma, con el gran escritor Alberto Moravia, autor de Los indiferentes, 47 años mayor que ella, se ha convertido en un mito para los italianos. Por ella, por ellos, por el idilio, por la boda del año se interesaron desde las publicaciones mas frívolas hasta las más serias, sin excluir ni el órgano oficial del partido comunista L'Unita ni el diario intelectual de izquierdas Il Manifesto.
La pareja Llera-Moravia "ha desencadenado la fantasía fálica de los italianos", afirmaba ayer en el diario Il Manifesto su director, Valentino Parlato. Porque lo que a unos gusta y a otros escandaliza de Carmen es que ha dicho siempre, sin pelos en la lengua, que en su vida la ha dominado siempre "el principio del placer", que lo que le ha apasionado de Moravia es "el contacto corpóreo y sexual".Fascina y desconcierta el que esta española, que a los italianos resulta simpática, afirme en pleno idilio que "una mujer no puede llenar su vida con un solo hombre".

El poeta Dario Bellezza, que ha escrito una poesía para el matrimonio Llera-Moravia -"hoy se casa quien cansado de sufrir, feliz combate la muerte con la amada a su lado"-, ha dicho que Carmen será ideal para el gran escritor Moravia, que "ama a las mujeres que huyen, que lo traicionan".

Pero Carmen, que odia África y que afirma: "Amo sólo el mundo árabe, el desierto", ha aceptado por amor acompañar por una vez a su futuro marido a Zimbabue, donde Moravia ha querido comprar para los dos los anillos de boda, exóticos, de plata. Más fino y redondo el de Carmen, más ancho y aplastado el del escritor.

Carmen, la Ibérica, como la llaman aquí, había decidido al llegar a Italia en 1978 dar un golpe: hacer que se enamorara de ella o un gran pintor, o un gran político, o un escritor. A Moravia le conoció casi por casualidad. Estudiaba en Catania y el diario conservador Il Giornale di Sicilia le encargó que entrevistara al famoso escritor. "No fue un enamoramiento a primera vista", afirman hoy los dos. Pero algo se encendió ya entonces. De hecho, dos años más tarde ambos vivían ya juntos, aún en vida de la difunta Elsa Morante, la esposa legal hasta su muerte de Moravia, ya que la escritora, catolicísima, nunca había aceptado el divorcio.

Renzo Paris, amigo y colaborador de Moravia, catedrático de Lengua y Literatura Extranjera en la universidad de Salerno, ha afirmado que, de las muchas mujeres que han pasado por la vida real o imaginaria de Moravia, esta Carmen Ibérica "parece la más misteriosa de sus personajes", y añade que Carmen puede ser la verdadera protagonista de la última novela del escritor italiano, El hombre que mira.

Mientras tanto, Carmen prepara su primera bomba literaria. Dicen que se la está puliendo su futuro esposo. Se titula Diario íntimo cultural y social. Tiene ya 320 páginas.

Elsa Morante, la mujer de Moravia fallecida recientemente, le dijo a Carmen antes de morir: "Eres demasiado bella". Y añadió con un hilo de amarga pena: "Claro que también yo era un poco española, debido a mis raíces sicilianas".

Carmen, en una de sus últimas confesiones, ha dicho: "El pecado es un concepto que no entiendo", y que en el fondo lo que más le gusta es "no trabajar, ser mantenida y tener tiempo para ella misma". Dentro de unos días todos sus deseos serán realidad, incluso oficialmente.
No puedo dejar de incluir algo de la biograía de Moravia.

Nacido el 28 de noviembre de 1907 en el seno una familia de la burguesía romana, el autor de Il conformista padeció la infancia como un mal estático en forma de tuberculosis ósea, enfermedad que le diagnosticaron a los nueve años, obligándole a transcurrir más de un lustro de su existencia entre la cama de su habitación y las lúgubres habitaciones de un sanatorio de Cortina d’Ampezzo. Fue entonces cuando descubrió el placer de la lectura y las posibilidades que le proporcionaba la escritura, magnífica terapia para desafiar el tedio de la convalecencia.

Moravia nunca fue una persona normal, podía circular por Roma como cualquier transeúnte, pero su presencia chocaba, era diferente. Cuando en octubre de 1922 el Fascismo tomó el poder el futuro escritor se encontraba en Piazza del Popolo vestido a la inglesa, contrastando sobremanera con lo ostentoso del ritual de camisas negras y marchas militares. Su primera etapa literaria se sitúa durante las dos décadas de poder absoluto de Benito Mussolini, y ello, por su absoluta libertad y sentido crítico, le acarreará problemas de índole varia. En 1927 empieza a colaborar en la revista ‘900, donde publicará varios relatos, entre ellos Delitto nel circolo di tennis, donde diseccionará sin piedad alguna lo frívolo e inhumano de las clases acomodadas, condenadas a la excentricidad por lo mísero de su abundancia, idea que marcará parte de su producción literaria. El hombre es un ser aburrido por naturaleza y necesita gastar su tiempo. Esta idea, a la que añade el cinismo y la podredumbre moral burguesa, brillará en todo su esplendor en su primera novela, Gli indifferenti, texto precursor del existencialismo que le permitió saltar a la fama en 1929. Pagada del bolsillo paterno, su Ópera prima es un Gatopardo avant la lettre, diferenciándose del celebérrimo libro de Lampedusa por el contexto histórico y la crueldad mental de Merumeci, quien a diferencia de Calogero Sedara pacta con la aristocracia sin suavidad, con toda la contundencia de una nueva clase fascista que no tiene reparos en destruir para poseer y ostentar. Su victoria, pese a que todo sigue igual, humilla y quita velos, lo burdo se impone y la alienación irrumpe en escena mediante el descarnado retrato que el escritor hace de la aristocracia, grupo social fuera de la realidad de un tiempo gris, mediocre como los personajes de la narración, una de las primeras novelas contemporáneas escritas en suelo itálico, si exceptuamos la magnífica e incomprendida, en primera instancia, obra de Italo Svevo.

La valentía exhibida con Gli indifferenti le pasó factura. Era joven, tenía éxito y publicaba en periódicos y fundaba revistas, pero el régimen lo tenía en su punto de mira, como demostró en 1935 cuando prohibió las reseñas sobre Le ambizioni sbagliate, segunda novela que pasó desapercibida y significó un antes y un después en la vida de Moravia. En los años previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial viajó por el mundo- Estados Unidos, China- y se vio forzado a escribir con seudónimo para escapar a las garras de la censura, que intentó sortear mediante textos alegóricos, como Elio Vittorini con su Conversazione in Sicilia, hasta que se cansó de la ocultación y escribió La mascherata, novela ambientada en una República bananera de Sudamérica con gran parecido a la Italia negra de Mussolini. La segunda edición fue secuestrada.

En 1937 conoce a su joya tormentosa, Elsa Morante, con quien se casará en 1941 y convivirá hasta 1962. Con la autora de La storia vivirá días tranquilos en Capri, donde ultimará la redacción de su Bildungsroman Agostino, y de espera en Sant’Agata a partir de septiembre de 1943, cuando los nazis invaden Italia y los fascistas vuelven a cargar contra el escritor, perseguido y amenazado de muerte. En esos campos campanos ambientará La ciociara, adaptada al cine por Vittorio De Sica en 1961. Su obra fue fuente de inspiración para el séptimo arte. Entre las más destacadas versiones fílmicas de sus textos destacamos Gli indifferenti de Francesco Maselli (1964), Il conformista de Bernardo Bertolucci (1970), La romana de Luigi Zampa (1954), Racconti romani de Gianni Franciolini (1955), La noia de Damiano Damián (1963) o Le mèpris de Jean Luc Godard (1963), quien dijo que bajo la prosa de Moravia había descubierto la esencia de Marcel Proust. Si bien la afirmación nos parece acertada, no se lo pareció tanto a nuestro protagonista, quien rechazó la obra del director suizo por ser diametralmente opuesta a las premisas básicas de su novela.

El triunfo del escritor comprometido-obsesivo: 1944-1990.

Moravia solía definirse como un hombre poco trabajador, que escribía al no tener nada mejor que hacer, sorprendente afirmación en un hombre que revisaba una y otra vez sus textos hasta considerarlos perfectos, acabados. Después de la Guerra entrará en una nueva etapa donde seguirá nadando contracorriente. Cuando Vittorini y Pavese vivían bajo la égida del compromiso comunista- respectivamente con la revista Il politecnico y las publicaciones de la Editorial Einaudi-, el romano desarrollaba una obra de compromiso con su tiempo en el campo de la novela, el ensayo, el teatro, la crítica cinematográfica y el periodismo. Su rechazo a la ortodoxia comunista es un alegato a la libertad del hombre con conciencia en una época abocada al marasmo. Escribe con frecuencia inusual, funda la ejemplar revista Nuovi Argomenti y cosecha los frutos de su incesante trabajo con la concesión de premios importantes como el Strega, ganado en 1952 con su compendio de Racconti, y el Viareggio en 1960 por La noia. Esta novela cierra un círculo que comprende parte de sus obras narrativas de los años cincuenta, obras donde la interiorización del personaje alcanza cotas sublimes que hacen de Moravia un lúcido analista de los males del período, punzante animal literario que descuartiza su sociedad a partir de burgueses a la deriva con los problemas fundamentales de la existencia, víctimas de un malestar contemporáneo sin vía de escape. Un contrapunto agradable y optimista serían sus Racconti romani, pequeños relatos de romanidad en que el pueblo es protagonista con sus pequeñas vivencias cotidianas.

A partir de 1960, cuando se acerca su ruptura con Elsa Morante y la joven Dacia Maraini surge como la nueva musa de vida, se apasiona por lo arcano y lo desconocido. Junto a Pier Paolo Pasolini y otros amigos viaja constantemente por África e India a la búsqueda de un punto de apoyo que le permita escapar de la decadencia de Occidente. Si Pasolini, más poético, consideraba al continente negro como única salvación posible, Moravia lo juzgaba desde una óptica de libertad absoluta, de contraste con Europa y el mundo industrial. Sí, el mundo fuera del mundo, aplicando el sentido reduccionista tan típico del pensamiento occidental, era una tabla válida para amarrarse y flotar. Lo entendía Moravia y lo entendían los estudiantes del ’68, que leyeron con interés su La rivoluzione culturale in Cina sin entenderlo plenamente. Son los años en los que la sociedad italiana se instala en una tensión perpetua simbolizada por el terrorismo, tiempo que el narrador reflejará en uno de sus mayores esfuerzos literarios, La vita interiore, novela entrevista publicada en el fatídico 1978 del secuestro y posterior ejecución de Aldo Moro por parte de las Brigadas Rojas, donde la objetividad del formato no impide que Desideria dé una lección de perversidad y teledirigida sed de sangre irracional.

Dacia Mariani amante de Moravia durante más de 20 años.
La última década de vida de Alberto Moravia será un lento y progresivo, aunque intenso, diluirse en la espiral del adiós. Escribirá más de diez libros entre novela, relatos y ensayos, saldrá elegido como diputado europeo por el PCI en 1984 para tener una tribuna donde argumentar su preocupación por la energía atómica, malvivirá su absurda y senil historia de amor con Carmen Llera y morirá en el baño de su casa del Lungotevere della Vittoria el 26 de septiembre de 1990 a los 82 años de edad. Su obra atraviesa todo el siglo XX europeo, le da forma y se erige en un vehículo de ideas combinado con complejas estructuras narrativas que no esconden la verdadera faz moraviana, filósofo literario que sigue sentando cátedra desde la tumba con novelas inéditas, I due amici, y un legado de gran utilidad para reflexionar sobre la naturaleza del hombre moderno.
Ahora voy a contaros una anécdota sobre éste matrimonio protagonizada por el propio Alberto Moravia.
En una entrevista que le estaban haciendo,un periodista,con intención de reirse del escritor, le hizo la siguiente pregunta.¿No tiene celos de que su mujer siempre valla unida a nombres de otros hombres que no es usted?.Alberto sin inmutarse sonrió al periodista y le dijo.Querido amigo,más vale un pastel para muchos que una mierda para uno solo.Os prometo que esto es verdad y no sabeis las veces que cambió de color la cara del periodista,fue "el burlador burlado". Y es que Alberto Moravia eran palabras mayores .

Una vez más pido disculpas por el ladrillazo...

NO QUIERO DECIRTE ADIOS...

2009-05-18T09:25:00.000+02:00

Esta mañana, me he desayunado con la desagradable noticia de la marcha de Mario Benedetti.
Dicen quienes le conocían que el ya se había ido hace tres años cuando se fue la compañera de toda su vida.
Escritor uruguayo, natural de Paso de los Toros. Fue profesor de literatura en su país, donde colaboró en el semanario Marcha. En los años setenta sufrió exilio en Buenos Aires, Lima, La Habana y España, residiendo alternativamente, en Madrid y Montevideo. Desarrolló una intensa actividad en el periodismo y en recitales poético-musicales junto a intérpretes como Nacha Guevara y Juan Manuel Serrat. Ha cultivado todos los géneros, con iniciación en la poesía en libros como Poemas de oficina (1956), de tono cotidiano y existencial. Con los cuentos Montevideanos (1960) incursionó en el realismo, asociado al costumbrismo, centrado en las clases modestas de la ciudad. En 1960 ensayó la crítica político-social con El país de la cola de paja. Sus novelas La tregua (1960) y Gracias por el fuego (1965) amplían el realismo a la observación de vicios sociales de la clases media y la sociedad de consumo. Luego, su narrativa se politizó en favor de las opciones de la guerrilla urbana con El cumpleaños de Juan Ángel (1971) y Primavera con una esquina rota (1982), incorporando el tema del exilio y el retorno en La casa y el ladrillo (1977), Vientos del exilio (1982), Geografías (1984) y Las soledades de Babel (1991). Su obra de teatro Pedro y el capitán (1979) aborda la problemática moral de la tortura. Recogió su tarea crítica en varias misceláneas, como Letras del continente mestizo, De artes y oficios, El desexilio y otras conjeturas y Crítica cómplice, así como la evocación autobiográfica en La borra del café.

CORAZÓN CORAZA
Porque te tengo y no
porque te pienso
porque la noche está de ojos abiertos
porque la noche pasa y digo amor
porque has venido a recoger tu imagen
y eres mejor que todas tus imágenes
porque eres linda desde el pie hasta el alma
porque eres buena desde el alma a mí
porque te escondes dulce en el orgullo
pequeña y dulce
corazón coraza

porque eres mía
porque no eres mía
porque te miro y muero
y peor que muero
si no te miro amor
si no te miro

porque tú siempre existes dondequiera
pero existes mejor donde te quiero
porque tu boca es sangre
y tienes frío
tengo que amarte amor
tengo que amarte
aunque esta herida duela como dos
aunque te busque y no te encuentre
y aunque
la noche pase y yo te tenga
y no. "
De Mario que puedo decir yo simple mortal.
Digo que él es de los que no van al cielo,son transportados por musas al olimpo,en dorados carros,tirados por caballos alados dejando una gran estela de luz,la prisa de su galopar, es por haber sido llamado a escena ,para seguir componiendo,poemas,cuentos y novelas,como solo él sabe.¡En fin!como los grandes.
Descansa en paz

APROVECHEMOS EL DIA!!!!

2009-05-16T13:29:00.000+02:00

O lo que es lo mismo "Carpe Diem".
La verdad, no se si tengo bueno o malo el día.
Pero para empezar éste poema

COSAS QUE ME DAN PENA

Las cajeras del Día
Los viejos y las viejas.
La asistenta y su hija
Aprendiendo en la Celsa
Que un chinito no engancha
Y a los veinte la entierran.
Los amores que tuve
El milagro que dejan.
El amor recibido
El amor que aún me tiembla.
Me da pena mi casa,
La mesita de Ikea,
El frío, la estufita,
Mi madre y sus tarteras.
Me da pena que acabe
. Me da pena si empieza.
Los balcones del centro
Sus visillos gris perla.
La espalda del polaco
Con su bombona a cuestas.
Me da pena ir al Rastro,
El negro sin licencia.
Me da pena internet
Navegando a dos velas,
Autistas afectivos...
Sin una boca cerca,
Manoseando un ratón
Pornográfica técnica.
Las pelis de la dos.
Tragarse la tristeza.
Me dan pena los lunes
Peinaditos de fiesta.
Los ojos de mi perro
El parque y la cadena.
Me da `pena el atasco
La casita en la sierra.
Los carros del Alcampo
Los créditos vivienda.
Me da pena quererte
Y que tú no me quieras
Seguir sin ti viviendo
O hacer que me lo crea.
Me da pena escribir,
Estos versos que enredan
Mi pecho con su lana
Y la sed de tejerla.

No escribo para mí
Esto es del que lo lea.

Belén mejor no se puede escribir te adoro,dejas tu alma al desnudo,para ti cada día es Carpe Diem.
Gracias por ser así

PARA HOY TENÍA PREVISTA OTRA ENTRADA.(PAFERMI) ESPECIALMENTE PARA TI.

2009-05-15T15:21:00.000+02:00

Ayer entré como hago muchas veces un momento a leer a la gente del bolo,leí,una conversación de Pafermi con Poche en la que hablaban de una bailarina cubana que había sido vecina de ésta última,tal personaje se llamaba MIRTA PLÁ, noté como Pafermi se quedaba triste al enterarse de que había muerto hacía varios años en Barcelona y como es muy habitual en Pafermi puso inmediatamente un video de esta colosal bailarina.
Bien pues yo quiero brindarte esta entrada en la que he recopilado algunas cositas de ella y de sus compañeras.
Espero que te guste, la hago desde el cariño y por supuesto con mucho respeto,pero que conste que tengo pendiente la de las pintoras.(Tu sabes a qué me refiero)me está llevando más tiempo del que imaginaba.Será por aquello de que las mujeres no somos fáciles.
LAS CUATRO JOYAS

Calificada junto a las primeras bailarinas Loipa Araújo, Josefina Méndez y Aurora Bosh, como una de las “cuatro joyas” del ballet cubano, por el afamado y prestigioso crítico inglés Arnold L. Haskell, también ya lamentablemente desaparecido, su pérdida llena de luto a la escena danzaria nacional e internacional.
Nacida en La Habana en el año 1940, Mirta Pla realizó sus estudios de danza en la entonces Academia de Ballet Alicia Alonso, teniendo sucesivamente como principales profesores a Alicia Alonso y a Fernando Alonso, al puertorriqueño José Parés, a la inglesa Mary Skeaping y a los rusos Leon Fokin y Ana Ivanova. Debutó siendo aún estudiante de ballet en 1953, cuando era una adolescente de 13 años. Fue solista entre 1959-1962 y alcanzó el rango de primera bailarina en 1962.
Gobierno francés otorga la Orden de la Legión de Honor post mortem a la bailarina Josefina Méndez (1941-2007), una de las cuatro joyas del Ballet Nacional de Cuba.

Orden de la Legión de Honor post mortem a Josefina Méndez
La orden, el más grande reconocimiento otorgado por el gobierno francés a prominentes personalidades de la cultura y las artes, fue a manos del hijo de Méndez, Víctor Gilí, primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba.

La estrella, fallecida a los 65 años, es considerada por la crítica como una de las figuras insignes del ballet cubano junto a Loipa Araújo, Aurora Bosh y la también desaparecida Mirta Pla.

La Embajada de Francia en La Habana condecoró hoy con la Orden de la Legión de Honor a título póstumo a la bailarina cubana Josefina Méndez, fallecida el pasado 26 de enero a los 65 años. La embajadora francesa, Marie France Pagnier, entregó la más alta distinción que otorga ese país europeo a destacadas figuras de la cultura y las artes a Víctor Gilí, hijo de Méndez y primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba.

En la ceremonia estuvieron presentes la directora del Ballet Nacional, Alicia Alonso; familiares y amigos, según informó la estatal Agencia de Información Nacional. El acto solemne incluyó la proyección de un vídeo de su actuación en el ballet 'Giselle' junto al bailarín francés Cyril Atanasoff en su presentación en la Opera de París en 1972, y un material con imágenes de distintos momentos de la carrera de Méndez, fallecida víctima de un cáncer tras 50 años de dedicación a la danza.

NO SERIAN UNAS MALAS VACACIONES

2009-05-12T15:33:00.000+02:00

A Gary More le llaman el blanco de la voz negra,todo un placer escucharle.

Colindante con Texas, Mississippi y Arkansas, se encuentra el estado de Louisiana, que fuera nombrado así para honrar a Luis XIV, el Rey Sol, cuando sus exploradores, encabezados por La Salle, navegaron a lo largo del río Mississippi con la intención de establecer una ciudad que atrajera a colonos franceses, para que trabajaran a favor del tesoro real.

Por Victor De Lucio Morales

Jean Baptiste Le Moyne, explorador canadiense que se convirtió en gobernador de la colonia francesa, decidió nombrar a esta ciudad “Nouvelle-Orleáns”, en honor al Duque de Orleáns. Sus pretensiones se vieron frustradas cuando el estado fue cedido a España en 1769, y luego a los Estados Unidos, en 1803.

Nueva Orleáns es considerada como un destino turístico y una capital del entretenimiento, sin embargo, no debemos desligarla de su historia, pues en ella se encuentra el origen del mosaico de luces y sombras que dan sustancia a esta ciudad.

Nueva Orleáns Hoy
La ciudad es rica en tradiciones, que se disfrutan desde el arribo, vía aérea, al aeropuerto internacional Louis Armstrong, el cual recrea el ambiente bohemio y el sabor a cultura popular de la ciudad; imágenes emblemáticas del jazz, los muelles del Mississippi, los pantanos, son parte de su decoración.

Aunque las actividades de entretenimiento están orientadas en su mayoría al público adulto, Nueva Orleáns ofrece un sinnúmero de actividades familiares, como son: el rancho de lagartos, la réplica del Natchez, vapor de los tiempos en que Mark Twain escribió Tom Sawyer y en el que se puede surcar el río disfrutando de una espléndida cena con música de jazz, los tours que te llevan a conocer el Acuario de las Américas y el Zoológico, entre otras atracciones.
También cuenta con una amplia gama de restaurantes para todos los gustos. Puedes degustar los mejores cortes de carne, por ejemplo en Shula's, steak-house pertenciente a Don Shula, legendario coach de los Delfines de Miami; o probar la famosa comida regional, llamada cajun, en el Gumbo Shop.
En el área de Bourbon Street, prácticamente encuentras un establecimiento a cada paso, aunque en su mayoría se trata de menús de comida rápida como hot-dogs y hamburguesas, que permanecen abiertos toda la noche, siempre dispuestos a atender a los visitantes.

Bourbon Street & The French Qarter
Debido a la sobrepuesta nacionalidad de esta ciudad, y del estado de Louisiana en general, muchos nombres de calles, avenidas y barrios cuentan con denominaciones hispanas, francas y estadounidenses. En algunos casos, como sucede dentro del French Qarter, las calles principales están identificadas con inscripciones hechas de porcelana de Talavera; en ellas se puede leer, por ejemplo, “Santana Street/Calle de Santa Ana”; o “Bourbon Street / Rue Bourbon”.

En esta última se encuentra el corazón de la ciudad; de día, para visitar tiendas de curiosidades, antigüedades y demás mercancías; de noche para dejarse llevar por una fiesta de luces, licores y música, en una verbena que no tiene fin, aun fuera de la época del Mardi Gras.

Ahí conviven los establecimientos de jazz, como el histórico Maison Bourbon que en un letrero, al centro de su escenario, asume estar “dedicado a la preservación del jazz” con un sin fin de bares para bailar salsa, bandas dedicadas al rock clásico y otros géneros más contemporáneos. Todas en conjunto facilitan la interacción entre los visitantes, sin importar su procedencia.

Mezclados con estos establecimientos, gracias a la libertad de ideas y maneras de hacer negocio, se encuentran bares de table-dance presentes en Nueva Orleáns desde hace décadas, y que han contribuido a mantener su fama como la original Sin City (ciudad del pecado). Aquí se localiza el casi mítico y multi fotografiado Big Daddy's, con su otrora novedoso anuncio de neón y maniquí en columpio, impensable mezcla de un faro y una sirena que ha atraído marineros por generaciones.

Fuera de Bourbon Street están la Plaza de Armas -ahora llamada Jackson Square-, alrededor de la cual se encuentran los carruajes que te pueden llevar a recorrer el French Qarter y la rivera del Mississippi a la vieja usanza, a trote de caballo. Aquí se levanta la Catedral de San Luis, pintada completamente de blanco, que deslumbra durante el día e ilumina la plaza por las noches. Frente a Jackson Square está el Cafe Du Monde, construido en 1862, que da a Nueva Orleáns un espacio con ambiente netamente europeo y rincón idílico para los enamorados.

A media cuadra se encuentra la estatua dorada de Joan of Arc, que antes estuviera ubicada frente al World Trade Center. Es alrededor de Jackson Square, donde se encuentran.

En un día cualquiera, puedes verte sorprendido por una boda con jazz, que actualmente sólo se puede presenciar en Nueva Orleáns, donde la pareja y sus convidados bailan a través de las calles acompañados por una banda que interpreta este género; una celebración que a solteros, casados y divorciados, hace emocionarse con la idea, aunque sea solamente por unos minutos.

Nueva Orleáns es considerada por algunos viajeros como la ciudad menos americana de los Estados Unidos. Y no porque vacile en sus lealtades, sino debido a la arquitectura, mezcla hispana y francesa y los temas populares del French Qarter. Quizá uno de los que más han contribuido a esta percepción sea su “Haunted History" (historia encantada), que da testimonio de las diferentes culturas que han habitado en la ciudad, así como de sus creencias.

Puedes adentrarte en este mundo extraño y tenebroso contratando tours para conocer los cementerios, cuyas tumbas se encuentran en la superficie y no debajo de ella, así como otros recorridos por el mundo del vudú, casas embrujadas, leyendas de fantasmas o aquellos para revivir historias de vampiros reales y literarios.

Fuera del French Qarter
Saliendo del Barrio Francés, si te gustan los deportes, puedes visitar el estadio Superdome, hogar de los Santos, equipo local de futbol americano, cuyos partidos son motivo de grandes verbenas populares.

Si lo que buscas es hacer shopping, en Nueva Orleáns existen varios centros comerciales entre los que destacan el Riverwalk, sobre la rivera del Mississippi y el Esplanade, en dirección a los suburbios.

La ciudad también cuenta con un enorme centro de apuestas y juegos de azar, el Harrah's Casino. En él se encuentra todo tipo de máquinas tragamonedas, mesas de naipes y restaurantes.

Por otra parte, como un tributo a los maestros del blues, está The House of Blues, restaurante y sala de conciertos que es visitado por cientos de bandas a lo largo del año, para deleite del público local y de los visitantes.

Si vas a Nueva Orleáns en periodo de carnaval, encontrarás que el clima va de templado a caluroso, con mucha humedad y mucho sol. Por el contrario, toma precauciones y abrígate bien en caso de que sea en otoño o invierno, pues seguramente encontrarás fuertes corrientes de aire, que hielan el ambiente hasta alcanzar temperaturas bajo cero.

Renovarse… y vivir
Cuando fue creada Nueva Orleáns, se pensó en una ciudad bien conectada con el mar, a través del Mississippi, que se mantuviera segura y alejada de las tempestades que azotan al Golfo de México. Sin embargo, eso no pudo mantener a salvo la ciudad, ni a todo Louisiana, durante 2005, cuando se vio afectada por el huracán Katrina.

A poco más de un año de ocurrida esta tragedia aun es posible ver señalizaciones y cuadrillas de mantenimiento operando en diferentes segmentos de la ciudad y los suburbios, así como algunos locales que mantienen sus puertas cerradas por dificultades económicas.

En medio de esto, ha prevalecido su espíritu, el de sus autoridades y habitantes, sobreponiéndose como atractivo turístico que hoy ha salido a flote al cien por ciento para brindarnos sus tradiciones y mezclas culturales, sus luces, fiestas y bailes, para gozarla al ritmo del clásico “When the Saints Go Marching In”.

SABEMOS DEL SPANGLIS,PERO QUÉ SABEMOS DEL PIDGIN

2009-05-11T10:15:00.000+02:00

El pidgin es una mezcla de filandés y vasko.¿Os extraña? pues que no os extrañe lños balleneros bascos (de ellos hablaré otro dia)en sus idas y venidas consiguieron que se hablase una mezcla de vaskoy filandes que se dió a conocer como " PIDGIN".
El vasco-islandés fue un pidgin hablado por los pescadores y balleneros vascos y los habitantes de Islandia. En este pidgin también es notable la influencia del francés y el inglés, fruto de la convivencia y el comercio entre pescadores de distintos países en las aguas Océano Atlántico norte.

El «Glosario vasco-islándico» aparece por primera vez en un libro escrito en latín editado en Amsterdam en 1937. El autor del libro es el filólogo Nicolás Gerardus Hondricus Deen y fue supervisado por el rector magnífico J. van der Hoeve. En él se incluye un estudio del artículo definido vasco y otro del modo de verter los infinitivos islándicos al euskara. A si como un estudio ortográfico y otro fonético. Concluye la obra con la reproducción pormenorizada de los dos vocabularios.

Este libro fue hallado gracias a don Angel Irigaray y a la paciente investigación de los empleados de la Biblioteca de la Diputación de Guipúzcoa.
Este manuscrito de gran interes data del siglo XVII y se conserva en la biblioteca Amamagnaenae de la Universidad de Haunien, en Islandia. Dicho manuscrito consta de dos glosarios, el primero de 16 páginas, con 517 palabras, y el segundo de 10, con 228 palabras. En total cuenta con 745 palabras en ambos idiomas. En el manuscrito se pueden encontrar palabras de uso común, así como otras propias de la actividad ballenera y su medio. Según las investigaciones que se han llevado a cabo sus autores serían dos personas diferentes, participantes en aquellos contactos comerciales y personales entre balleneros vascos y la población local. Muchos de los termino euskericos son propias del dialecto labortano. Esto parece indicar que los posibles establecimientos vascos en la región de Vestfirdir, de donde procede el manuscrito, serían de la zona vasco-francesa de San Juan de Luz. Se convirtio así la lengua vasca en la primera lengua viva para la cual se hizo un diccionario, aunque rudimentario, en Islandia.

Las crónicas islandesas dicen que los vasco-franceses fueron los primeros en cazar la ballena en aquellas latitudes. Existen documentos islandeses que acreditan la llegada de balleneros vascos ya en el año 1613, pero es probable que llegasen años antes.

Las relaciones entre los islandeses y los balleneros vascos no fueron siempre pacíficas. Hay un episodio muy sangriento relacionado con su presencia en Islandia: la muerte a manos de los islandeses de unos 50 marineros bajo el mando de los capitanes Pedro de Aguirre, Esteban de Tellería y Martín de Villafranca. Estos sucesos acontecieron en los Fiordos del Oeste, entre 1615-1616, cuando, tras el naufragio de tres barcos balleneros fueron asesinados por causas no muy claras.

Ejemplos [editar]
Palabras sueltas [editar]Vasco-islandés Euskera Castellano Frances
sua sua fuego le feu
harria harria piedra pierre
eskora aizkora hacha hache
kanavita ganibeta cuchillo couteau
schularua eskularrua guante gant
unat hunat! ven aqui! venez ici
lingva mihi lengua langue
trucka trukatu trocar troquer

Frases [editar]Vasco-islandés => Christ Maria preseta for mi balia, for mi presenta for ju bustana.
Euskera => Kristok eta Maria balea bat emango balidate isatza emango nizuke nik.
Castellano => Si Cristo y Maria me dan una ballena yo te dare la cola.
Francés => Quand le Christ et Marie me donnent une baleine, je vous donnerai la queue.

Vasco-islandés => Presenta for mi berrua usnia eta berria bura.
Euskera => Emaidazu esne beroa eta burra berria.
Islandés => Gefdu mier heita miölk og nyt smiòr.
Francés => Donne moi du lait chaud beurre frais.
Inglés => Give me hot milk and fresh butter.

Vasco-islandés => For ju mala gissuna.
Euskera => Gizon gaiztoa zara.
Castellano => Eres un hombre malo.
Francés => Vous êtes un mauvais homme.

Vasco-islandés => Zer travala for ju
Euskera => Zer egiten duzu?
Castellano => ¿En qué trabajas?
Francés => Que faites-vous ?

Vasco-islandés => Sumbatt galsardia for?
Euskera => Zenbat galtzerdigatik?
Castellano => ¿Por cuántas medias/calcetines?
Frances => Pour combien de chaussettes?

Vasco-islandés => Ungetorre
Euskera => Ongi etorri
Inglés => Good day
Francés => Bon journée

Vasco-islandés => Fenicha for ju.
Euskera => Zurekin larrua jo.
Inglés => Fuck with you.
Francés => Foutre avec toi.

Vasco-islandés => Gianzu caca.
Euskera => Janzazu kaka.
Inglés => Eat shit!
Francés => Mange de la merde.

Tambien puedo decir que llegaron a las islas de San Pedro y Miquelón que es un archipiélago compuesto por dos islas principales, la isla de San Pedro y la isla de Miquelón, y más de una decena de pequeños islotes, al este de la costa canadiense, en el Atlántico Norte, y a 25 km al sur de la isla de Terranova.Al principio fueron sólo balleneros vascos los que visitaban las islas de manera estacional durante la temporada de pesca, pero a mediados del siglo XVII ya había población francesa asentada de manera permanente.

El nombre Miquelón es de origen vasco (Mikelune), debido a que esta isla fue la base de los pescadores vascofranceses de San Juan de Luz.

Al final del siglo XVII y principios del siglo XVIII, los ataques ingleses en la isla, y la ratificación del Tratado de Utrecht obligaron a la población francesa a abandonarla, y los británicos tomaron posesión de ella durante 50 años, desde 1713 hasta 1763. Los franceses recuperaron la isla en 1763 gracias al Tratado de París (1763) (por el que los franceses cedían todo el territorio de Nueva Francia a Inglaterra, salvo las islas de San Pedro y Miguelón, para finalizar la Guerra de los Siete Años). Los colonos volvieron a vivir tranquilos 15 años.
Tanto es así que la bandera de las islas lleva incluida la IKURRIÑA

EN SUS PAISES DE ORIGEN SON MUY CONOCIDOS .ALGUNO ES SOLO A PEQUEÑA ESCALA

2009-05-09T11:10:00.000+02:00

Si así es estos productos de los que voy a contar algunas curiosidades son algo casi corriente en los países de los que son originarios,aunque creo que aquí los conocen poca gente.
Yo por ejemplo los conocí no hace muchos años y fue porque tenía un negocio a medias con un holandés amigo mio que a la vez estaba casado con una amiga y paisana,tendríais que haberle escuchado hablar euskera con acento holandés era algo digno de oír pero lo que más me flipaba era la facilidad con que aprendió mi lengua algo que he intentao sin mucho éxito con amigos mios...
Bueno no me enrollo.
Os presento a....
GOLDWASSER (agua de oro).
A finales del siglo XVI la alquimia estaba en su apogeo, fue entonces cuando un inventor holandés creó la receta de un licor con virutas de oro, en esos tiempos se creía que el oro poseía innumerables propiedades médicas. Las dos búsquedas más famosas de los alquimistas, por un lado la de la “panacea”, un elixir médico capaz de curar todas las enfermedades, y por otro la de la “piedra filosofal”, una substancia capaz de transmutar el plomo en oro, se encontraron para dar lugar al Goldwasser (agua de oro), un aguardiente que contiene panes de oro en suspensión.

Existen varias leyendas locales sobre la invención de esta bebida, relacionadas con el dios Neptuno que tiene una fuente en el Dlugi Targ (Mercado Largo), en unas concede el licor a los habitantes de la ciudad a modo de milagro, similar al de convertir el agua en vino, como agradecimiento a las monedas que los habitantes de la ciudad tiraban a su fuente, en otras es justamente por lo contrario harto de incordio que suponían para Neptuno estas monedas un día decide blandir con furia su poderoso tridente llenándolo todo de trocitos de metal… incluso este licor.

Pese a estas leyendas poco tuvo que ver Neptuno en su invención y si mucho Ambrosious Vermollen, un holandés que se convirtió en ciudadano de Danzig (nombre alemán de la ciudad que es conocida como Gdansk en polaco) el 6 de Julio de 1598. En aquel tiempo la ciudad formaba parte de la Liga Hanseática y en ella vivían alemanes y polacos motivo por que el cual hoy ambos países consideran este licor una bebida local. Inicialmente se producía en una pequeña casa pero el éxito hizo que en 1704 la producción se trasladara a unas nuevas instalaciones. En aquel tiempo era común utilizar animales para identificar las casas en vez de los números actuales y la nueva factoría tenía un salmón en su fachada, de ahí el nombre de la marca “Der Lachs zu Danzig” (Lachs en alemán significa salmón).

Fuentes fiables aseguran que el Zar ruso Pedro el Grande conoció la bebida cuando visitó la ciudad y se convirtió en un amante de ella hasta el punto que ordenó que se le enviara de manera periódica esta bebida para su consumo personal.

La característica más distintiva de este licor, son sus pequeñas virutas de pan de oro, de 22 o 23 quilates que flotan en él, parece ser su creador podría haberse inspirado en las soluciones alcohólicas que usaban los artesanos que trabajaban con pan de oro, lo que combinado con el auge de la alquimia habría dado la idea a su inventor. Un rumor común es que las virutas de oro producen cortes a su paso por la garganta y en el estomago, lo que permitiría al alcohol entrar directamente en la sangre de tal manera que el alcohol produjera un efecto más rápido. Resulta curiosa la similitud entre este argumento y el papel que jugarían los micro-cristales en el snus sueco , del que hablamos hace unos meses en este blog.

En realidad, el oro es conocido por su suavidad y maleabilidad, pudiéndose a obtener finísimas laminas de hasta sólo 100 nanómetros. En este caso además los copos de oro no tienen bordes afilados por lo que no producen ningún tipo de corte. Por otra parte el oro es un aditivo alimenticio permitido, cuando es puro no resulta tóxico ni irritante, cuyo código de aditivo alimenticio es el E175. Es usado especialmente en los países asiáticos para decorar postres o el café y el té. En cualquier caso las virutas son muy finas, lo cual además permite que el precio del licor no sea prohibitivo (alrededor de 9 euros la botella de medio litro en Alemania).

A parte del oro son necesarias hasta veinte hierbas y especias distintas, tales como el cardamomo, coriandro y limón, con añadidura también de pomelo, junípero, lavanda, canela, apio y nuez moscada, aunque no se ha conseguido demostrar se dice que el oro realza el sabor de todas estas hierbas. Sea cierto o no, este aguardiente, que contiene un 40% de alcohol, tiene un sabor ligeramente dulzón. La receta original ha sido mantenida en estricto secreto pasando de generación en generación, hoy Carl Graf von Hardenburg es su único conocedor, que es también el propietario de la fábrica de licores Hardenberg-Wilthen AG.

Tras la Primera Guerra Mundial, la Ciudad Libre de Danzig quedó separada de Alemana por el Corredor Polaco, por lo que en 1922 Der Lachs abrió una fábrica adicional en Berlín para suministrar la bebida al mercado alemán y al mercado internacional. Después del 1945, cuando la ciudad pasó a formar parte de Polonia, fue la factoría berlinesa la única que seguiría produciendo el original Danzinger Goldwasser.

En la actualidad se da la paradoja que el Goldwasser es un suvenir típico de Gdansk, pese a que las botellas de Der Lachs son importadas, como opción local existen varias marcas polacas que venden un licor similar Gdanska Zlotowka (Oro de Gdansk) o Zlota Woda (Agua de oro). Un restaurante exclusivo, llamado Pod Lososiem ocupa el lugar que la histórica destilería de Vermollen.

PS: Existe un schnapps de canela de origen suizo llamado Goldschlager que es muy similar al Goldwasser, pues también contiene pequeños trocitos de pan de oro. Para que sirva de referencia, sólo 0.1 gramos de oro por botella, lo que por otra parte al precio que estaba el oro este mes de Julio, supondría un coste de unos 3 dólares.
Y ahora os presento a....(redoble de tambores)
La cerveza más cara del mundo.

LA CERVEZA SAMUEL ADAMS.
La cerveza Samuel Adams Utopias es probablemente la cerveza más cara del mundo. Destinada a un público selecto, se fabricaron tan sólo 8.000 botellas en 2003. La cerveza se distribuye en un empaquetado único. El diseño de la botella está inspirado en las viejas calderas de cobre donde los maestros cerveceros elaboraban la cerveza hace cientos de años.

Para su elaboración se han utilizado los ingredientes más selectos del mundo, incluyendo cuatro tipos de lúpulos que dan a la cerveza un gusto a tierra y hierbas y que también aportan cierta nota picante. Los maltas Carmel, vienesa, moravio y bávaro aportan el color ambar brillante. En la fermentación se utilizó una levadura que se usa para el Champagne. Finalmente se envejeció en barriles escoces. El resultado de todo el proceso es una cerveza única, con un sabor levemente afrutado y con una profundidad que recuerda al sabor de un buen coñac.

La cerveza Sam Adams Utopias es una cerveza sin carbonatar que tiene un contenido de alcohol de un 25% del volumen y que debe saborearse lentamente. Ideal para tomar a temperatura ambiente, después de cenar y servida en copa de vino o de brandy.

El precio de una de estas botellas de Samuel Adams Utopias está en aproximadamente 147 euros.
Y por último ...
EL SNUS SUECO.

El snus es un producto basado en el tabaco muy popular en Suecia. Su consumo es parecido al tabaco de mascar que llegó a ser muy popular en Estados Unidos. Al igual que este no se consume en cigarrillos ni es necesario quemarlo, sino que para disfrutar de él basta con poner un poco formando una bola bajo el labio superior durante un rato más o menos largo. Pese a que el producto contiene más nicotina que los cigarrillos, su modo de consumo lo hace menos cancerígeno. Hoy en día se calcula que el 10% de los suecos lo consume, por este motivo Suecia negoció para que no se vetara el producto antes de entrar en la Unión Europea, donde esta prohibido.

El snus sueco está compuesto de tabaco secado al aire proveniente de varias partes del mundo. El tabaco se mezcla con agua, sal, carbonato sódico y aromatizantes (limón, whisky,...). Para prepararlo se calienta normalmente al vapor. Al contrario que el tabaco de mascar americano el snus no pasa por ningún proceso de fermentación y tampoco produce saliva al consumirlo por lo que no es necesario escupir.

El snus se vende en pequeñas cajas, que recuerdan las cajas del betún por su tamaño y por su contenido, o empaquetado ya en porciones en bolsas de plástico. El producto es consumido principalmente en Suecia y en menor medida en Noruega y Dinamarca. Una caja con 50 gramos del producto, aproximadamente 50 dosis, ronda los 3 o 4 euros en Suecia y los 8 en Noruega donde es gravado con impuestos más altos.

Las restricciones que impusieron los gobiernos sueco y noruego a fumar en sitios públicos cerrados, trajeron consigo un incremento de las ventas del snus. Así por ejemplo en Suecia, el snus es consumido desde hace unos 200 años, en 1976, el 43% de los hombres fumaba, mientras que en el 2005 sólo el 14 lo continuaba haciendo, sin embargo durante este período el porcentaje de hombres que consumían snus saltó del 9% al 22. La regulación sobre la compra y venta del snus es la misma que afecta a otros productos del tabaco, como los cigarrillos, aunque en la actualidad la cajas de snus no tienen la obligación legal de llevar las típicas advertencias de "fumar puede matar" que llevan los paquetes de cigarrillos.

Hoy en día todavía mucha gente cree que hubo un tiempo en el que el snus contenía pequeños trocitos de vidrio dentro de la mezcla. Según esta leyenda urbana, estos cristales provocarían micro-cortes en las encías lo que facilitaría que la nicotina llegara a la sangre por lo cual aún sería más adictivo. Hoy en día se sabe que simplemente era un mito, pero como todas las leyendas urbanas sigue resultando creíble para muchos.

Estudios realizados con la Organización Mundial de la Salud indican que la población masculina sueca muestra los niveles más bajos de cáncer de pulmón de Europa, en parte debido al nivel más bajo de consumo de tabaco fumado. Otra conclusión de este estudio indicaba que las mujeres suecas presentaban similares niveles de incidencia de este cáncer que las demás europeas, curiosamente el consumo de snus entre ellas es mucho menor. Pese a estos datos, la organización tampoco recomendó pasar del hábito de fumar al de consumir snus, ya que los efectos del snus todavía son inciertos. De hecho la Unión Europea prohibió su venta en 1992, tras un informe de la OMS que afirmaba que era cancerígeno. El único país de la UE exento de la prohibición es Suecia, en su vecina Noruega, país que no es miembro, también lo es.

Las restricciones que se han impuesto en muchos países europeos al consumo de tabaco fumado, ha provocado que muchos pidan que se levante la prohibición del snus, al ser considerado menos dañino que el fumado, tanto para la persona que lo consume como para los demás. Ya que el snus al ser un tabaco sin humo, no tiene fumadores pasivos. Entre los médicos también hay división de opiniones entre los que lo consideran tan inaceptable como el tabaco que se consume fumado, hasta una minoría (principalmente en la Unión Europea y Canadá) que lo ven como un mal mucho menor comparado con el tabaco para fumar.

En cualquier caso los que se oponen a la venta del snus, no creen que sea un producto completamente inocuo, aunque su efecto en terapias para dejar de fumar sería similar al de los parches de nicotina.

Una de las ventajas del snus frente a los cigarrillos es que no provocaría ningún efecto en los pulmones, otra sería que por su forma de secado, al vapor, contendría menos nitrosaminas, un cancerígeno, que el tabaco de mascar o fumar.

Pese a priori ser menos cancerígeno que el tabaco normal, el snus no elimina el daño causado por la nicotina. Algunos estudios recientes han mostrado el efecto de su consumo continuado sobre la presión sanguínea y un posible riesgo de cáncer de páncreas debido a las nitrosaminas. De todas maneras la relación entre el consumo de cigarrillos y el cáncer de páncreas es mucho mayor.

Recientemente las tabaqueras americanas han empezado a vender en snus en Estados Unidos, pero debido a la percepción negativa del tabaco y la imposibilidad de hacer publicidad, las tabaqueras creen que se necesitara bastante tiempo para dar a conocer el producto. Algunos tienen sus dudas que los fumadores de cigarrillos dejen su hábito al cambiar al snus y otros creen ver otra estratagema de la industria tabaquera para retener a sus consumidores, similar a la que ocurrió con los cigarrillos "suaves" o "light".
Como dato so diré que yo lo probé y sencillamente me resultó asqueroso,te deja un sabor de boca nauseabúndo y si lo consumes de contínuo los dientes se renegrean. Un consejo no lo useis...
Y ahora si, os pido disculpas por el ladrillo que es más bien una fábrica de ladrillos otro dia haré una entrada más corta.

AQUEL DÍA...

2009-05-03T14:56:00.000+02:00

.Aprendiendo
Jorge Luis Borges

Después de un tiempo, uno aprende la sutil diferencia entre sostener una mano y encadenar un alma, y uno aprende que el amor no significa acostarse y una compañía no significa seguridad, y uno empieza a aprender...
Que los besos no son contratos y los regalos no son promesas, y uno empieza a aceptar sus derrotas con la cabeza alta y los ojos abiertos, y uno aprende a construir todos sus caminos en el hoy, porque el terreno de mañana es demasiado inseguro para planes... y los futuros tienen una forma de caerse en la mitad.
Y después de un tiempo uno aprende que si es demasiado, hasta el calor del sol quema. Así que uno planta su propio jardín y decora su propia alma, en lugar de esperar a que alguien le traiga flores.
Y uno aprende que realmente puede aguantar, que uno realmente es fuerte, que uno realmente vale, y uno aprende y aprende... y con cada día uno aprende.
Con el tiempo aprendes que estar con alguien porque te ofrece un buen futuro significa que tarde o temprano querrás volver a tu pasado.
Con el tiempo comprendes que sólo quien es capaz de amarte con tus defectos, sin pretender cambiarte, puede brindarte toda la felicidad que deseas.
Con el tiempo te das cuenta de que si estás al lado de esa persona sólo por acompañar tu soledad, irremediablemente acabarás no deseando volver a verla.
Con el tiempo entiendes que los verdaderos amigos son contados, y que el que no lucha por ellos tarde o temprano se verá rodeado sólo de amistades falsas.
Con el tiempo aprendes que las palabras dichas en un momento de ira pueden seguir lastimando a quien heriste, durante toda la vida.
Con el tiempo aprendes que disculpar cualquiera lo hace, pero perdonar es sólo de almas grandes.
Con el tiempo comprendes que si has herido a un amigo duramente, muy probablemente la amistad jamás volverá a ser igual.
Con el tiempo te das cuenta que aunque seas feliz con tus amigos, algún día llorarás por aquellos que dejaste ir.
Con el tiempo te das cuenta de que cada experiencia vivida con cada persona es irrepetible.
Con el tiempo te das cuenta de que el que humilla o desprecia a un ser humano, tarde o temprano sufrirá las mismas humillaciones o desprecios multiplicados al cuadrado.
Con el tiempo aprendes a construir todos tus caminos en el hoy, porque el terreno del mañana es demasiado incierto para hacer planes.
Con el tiempo comprendes que apresurar las cosas o forzarlas a que pasen ocasionará que al final no sean como esperabas.
Con el tiempo te das cuenta de que en realidad lo mejor no era el futuro, sino el momento que estabas viviendo justo en ese instante.
Con el tiempo verás que aunque seas feliz con los que están a tu lado, añorarás terriblemente a los que ayer estaban contigo y ahora se han marchado.
Con el tiempo aprenderás que intentar perdonar o pedir perdón, decir que amas, decir que extrañas, decir que necesitas, decir que quieres ser amigo, ante una tumba, ya no tiene ningún sentido.
Pero desafortunadamente, solo con el tiempo...

Y así después de esperar tanto, un día como cualquier otro decidí triunfar... decidí no esperar las oportunidades sino yo misma buscarlas, decidí ver cada problema como la oportunidad de encontrar una solución, decidí ver cada desierto como la oportunidad de encontrar un oasis, decidí ver cada noche como un misterio a resolver, decidí ver cada día como una nueva oportunidad a ser feliz. Aquel día descubrí que mi único rival no era más que mis propias debilidades, y que en éstas, está la única y mejor forma de superarme, aquel día dejé de temer a perder y empecé a temer a no ganar, descubrí que no era yo la mejor y que quizás nunca lo fui, me dejó de importar quien ganara y quien perdiera, ahora me importa simplemente saberme mejor que ayer. Aprendí que lo difícil no es llegar a la cima, sino jamás dejar de subir. Aprendí que el mejor triunfo que puedo tener, es tener el derecho de llamar a alguien "amigo". Descubrí que el amor es más que un simple estado de enamoramiento, "el amor es una filosofía de vida" Aquel día dejé de ser el reflejo de mis escasos triunfos pasados y empecé a ser mi propia tenue luz de este presente; aprendí que de nada sirve ser luz sino vas a iluminar el camino de los demás.Aquel día decidí cambiar tantas cosas... aquel día aprendí que los sueños son solamente para hacerse realidad, desde aquel día ya no duermo para descansar... ahora simplemente duermo para soñar.

CUANDO EL HOMBRE HACE LO QUE SOLO PUEDE CREAR LA NATURALEZA

2009-05-01T15:03:00.000+02:00

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Me interesó la historia de éste lugar porque condensa el contraste entre el esplendor de épocas pasadas de un lugar, y la decadencia que trae el olvido cuando creemos que lo bueno es eterno. De éste triste devenir de la vida tampoco escapan personas y familias completas. Espero les guste.

El Mar Salton es en realidad un lago creado por el hombre como consecuencia de un gran error, se encuentra enmedio del desierto en el estado de California (EE.UU.) cercano a la frontera con México, a unos 69 metros por debajo del nivel del mar y con unas dimensiones de 54 km de largo por 24 km de ancho.
La salinidad del Mar Salton es actualmente un 30% más elevada que la de los océanos y aumenta constantemente debido a la rápida evaporación del agua que es de unos 2 metros al año. Este hecho unido al de que el mar Salton no recibe aportes de agua suficientes como para mantener su nivel, provoca una pérdida de agua vertiginosa, agua prácticamente estancada que provoca la muerte de millones de peces en verano ante las elevadas temperaturas de hasta 49ºC.

El Mar Salton era hasta 1980 un destino vacacional perfecto para practicar la pesca, esquí acuático, natación... Hasta aquí se desplazaban miles de familias en busca de descanso y diversión. Cientos de parcelas de terreno se vendireon en el llamado Salton City, donde hoy aún viven algunas personas, generalmente ancianos que se trasladaron a este lugar para pasar aquí sus últimos días.

Desde 1980 Salton City y el Mar de Salton ya no son lo que fueron durante los '50, '60 y '70, Salton City parece hoy en día un pueblo fantasma junto a un lago que desprende fuertes olores y que finalmente desaparecerá.

La formación del Mar Salton se remonta a 1905 cuando una estructura para desviar las aguas del río Colorado falló causando la inundación del emplazamiento del Mar Salton. Anteriormente el mismo emplazamiento formó parte del Golfo de California y más tarde estuvo ocupado por el Lago Cahuilla hasta aproximadamente 1800.
Se redactaron y aprobaron varios proyectos de conservación del Mar Salton tanto para reducir la salinidad como para mantener los cientos de especies de aves y peces que habitan en el mismo, pese a ello, no hay noticias de que se estén llevando a cabo.

A MI ABUELA Y A LA TIERRA QUE ME VIÓ NACER

2009-04-25T11:15:00.000+02:00

. Mañana día 26 se conmemora el aniversario del bombardeo de GERNIKA. La tierra que me vio nacer.
Primero quiero contar una historia que me contó mi abuela una baseritarra ( caserio)hija y nieta de arrantzale,(pescadores). Puede que os parezca a quien me leáis que es muy duro lo que voy a relatar e incluso algunos pensareis que es un cuento, pero os puedo asegurar que es VERDAD una de las muchas virtudes de mi abuela era que nunca mentía y que cuando me lo contó tenía mucho dolor y mucha pena.

Ése domingo 26 de abril de 1937 era día de mercado su hermana había bajado al pueblo a vender las hortalizas de su huerto como todos los días de mercado su marido mi abuelo y mi padre estaban en el mar, allá por el Gran sol a la merluza de pincho. Ella se quedó con una hija y con mi madre (por entonces embarazada de mi hermano mayor) haciendo lo que hacen todas esas mujeres de los caserios atender el ganado, la huerta y preparar la cena para cuando regresasen los demás. Y a eso de las 16.00 horas escucharon las campanas de la iglesia de San Juan anunciando que se fuesen a los refugios antiaéreos mi abuela dejó todo y entró en su cocina nerviosa no sabía que hacer de pronto llegaron algunas mujeres de los caserios colindantes y todas juntas hablaban rezaban y no paraban de hacer elucubraciones sobre lo que estaría pasando en Gernika cuando sobre las 18.30 por los ventanales vieron una explosión muy cerca de nuestro caserio y como si de una manada de fieras se tratase salieron todas ellas en tropel y se encontraron con que un avión alemán había caído y cual fue su sorpresa cuando vieron salir vivo al piloto, no se lo pensaron fue como si les invadiera una necesidad imperiosa de vengar lo que no sabían aún que había ocurrido pero que por el continuo ir i venir de aviones el estruendo de las bombas y las llamas que desde el caserio veían adivinaban y se abalanzaron sobre el piloto. Ella que siempre fue dulce que siempre le he visto reír hasta en los peores momentos que jamás la escuché elevar la voz ni levantar la mano, nos contó que todas a una se echaron encima de aquel alemán que estaba matando a su familia quemando su pueblo asolando su tierra y que solo se levantaron de encima del piloto cuando vieron que estaban llenas de sangre, de sangre de aquel hombre que había venido a su pueblo a matar a su gente entre esa gente que mató posiblemente aquel mismo alemán estaba su hermana gurutze.
No dijeron nada todas se miraron era una mezcla de satisfacción y miedo a las posibles represalias, pero todas guardaron silencio y como si de un acuerdo tácito se tratase nunca comentaron nada. Mi abuela tardó muchos años en contarnos esto que yo por primera vez me atrevo a plasmarlo creo que se lo debo. Y espero que si alguien me lee no juzgue y se limite a leer. Y digo que se lo debo porque hoy buscando y buscando datos para contar el maldito bombardeo he encontrado esta nota.”. Se afirma también que el bombardeo fue una venganza por el linchamiento por parte de la población civil, de un piloto de un bombardero Adolf Herman, derribado en 1937.”(wikipedia)
Yo digo encima de que tardaron en reconocer que fue la DIVISIÓN CÓNDOR y no el lado republicano como se ha afirmado constantemente, dicen que fue una venganza, nunca existió tal venganza porque lo de éste piloto sucedió cuando se retiraba después de bombardear el pueblo algo que por otra parte como he dicho antes estaba sucediendo desde hacía dos horas y media. Que conste que éste piloto fue la única baja de la dichosa División Cóndor.
Mi abuela perdió a su hermana, a varias primas y a una tía suya y amuchos amigos y vecinos, los hombres estaban luchando y los que quedaban eran o muy viejos o muy niños. Que conste que no estoy intentando exculpar a mi abuela no lo necesita. Siempre ha tenido mi amor mi cariño y mi admiración y nunca me paré a pensar si estuvo bien o estuvo mal. Era mi abuela la mejor la más valiente la que fue capaz de salvar a varios de sus hijos y que cuando fusilaron a su marido no pudo llorar y que sin hablar castellano a los tres años de terminar la guerra, fue a Madrid a recoger a su hijo mayor (mi padre) cuando terminó su condena como preso político por lo que se vio obligado a ayudar como tantos otros a construir el “Valle de los Caídos” ese monumento a la muerte y al dolor de tantos y tantos españoles para mayor gloria del dictador.
COMO FUE EL BOMBARDEO

Era domingo día de mercado y aunque lo habían prohibido se terminó por celebrarlo como era costumbre.
Hacia las 16.30 de la tarde empiezan a sonar las alarmas antiaéreas. Un único bimotor alemán Do-17 proveniente del sur comienza a bombardear la villa en dirección oeste-este realizan dos pasadas a baja altura en las que arrojan aproximadamente una docena de bombas de 50 kg, algunas de las cuales impacta en la iglesia de San Juan y en la zona del Paseo de los Tilos que despegaban del aeródromo de Burgos, base de los bombarderos de la Legión Cóndor y vuela en solitario sin escolta de cazas. A continuación aparecieron tres Savoia-79 italianos que sobrevolaron la villa a una altura de 3.800 metros, una única dirección norte-sur entrando por el mar. Arrojaron 36 bombas de 50kg, que según el parte de la Aviacione Legionaria fallaron su objetivo, el puente de Renteria, debido al fuerte viento de cola. Una de las bombas alcanzó de lleno a la sede de izquierda Republicana.
Despegaban desde el aeródromo de Soria, base de los bombarderos de la Aviacione Legionaria y vuelan en solitario y sin escolta, por lo que eligen una ruta más segura, alejada de las posiciones republicanas.
Hacia las 17.00 h, aparece un solitario Heinkel He111, sin escolta y arroja varias bombas de 250kg. No se conoce con seguridad la dirección del ataque de este bombardero ya que el parte de la Legión Cóndor no lo especifica. Cerca de una hora más tarde otro He111 alemán escoltado por cinco cazas italianos Fiat CR-32 bombardean con bombas pesadas la zona del puente, hasta este momento los daños son importantes pero no catastróficos, ya que se habían utilizado bombas rompedoras y explosivas para atacar objetivos concretos como el puente sobre el río Oca.
Bombardeo masivo.
A las 18.00h, comienza la fase más dura del bombardeo. Tras unos minutos de calma, vuelven a sonar las alarmas antiaéreas al divisar en el horizonte tres escuadrillas de bombarderos Ju-42 los junkers atacan en dirección norte-sur siguiendo la línea férrea.
En total 19 aviones que lanzan 20 toneladas de bombas, de las que una cuarta parte son incendiarias responsables del incendio posterior.
La gran cantidad de bombas arrojadas sobre el casco urbano, provocan una gran humareda, por los que los últimos Ju-42 lanzan sus bombas a ciegas. Esto contribuye a la devastación de la villa volaban en formación de cuña lo que les permitía bombardear en “alfombra”, formando pasillo, tras el intenso bombardeo los cazas que les escoltaban, hacen varias pasadas a baja altura ametrallando a la gente que huye de las bombas. Los diez cazas que forman la escolta son 5 Fiat CR-32 italianos y 5 Messersmitt Bf-109 de la Legión Cóndor.
A las 19.30 de la tarde dejan de sonar las alarmas antiaéreas. Gran cantidad de edificios arden como consecuencia de las miles de bombas incendiarias arrojadas.
Pese a la llegada de los bomberos de Bilbao, el fuego se extendió rápidamente, ayudado por el viento que sopló en las horas posteriores al ataque.
Las víctimas.
El Gobierno vasco en un primer momento evaluó el número de fallecidos en 1650 y en más de 800 los heridos. Actualmente los historiadores creen que la cifra real pudo andar por los 250 fallecidos.
Muchas víctimas murieron sepultadas en los refugios sobre todo en el de Santa Maria del que rescataron más de 40 cuerpos.
EL REPORTERO AMIGO DE AGUIRRE.
La noticia del bombardeo llega rápidamente a las portadas de los periódicos internacionales, gracias a la presencia de ese día en Bilbao de varios corresponsales, entre los que se encuentra George Steer que escribe para el periódico londinense The Times y para el New York Times.
Steer es un sudafricano de 28 años que simpatiza con los nacionalistas vaskos gracias en parte a su amistad con el lehendakari Aguirre, viaja esa misma noche a Gernika y queda horrorizado con lo que allí ve.
Tras conocerse la repercusión internacional del las crónicas de Steer, la propaganda franquista emite un comunicado en el que niega la existencia del bombardeo, alegando que la aviación no había podido volar el día 26 debido a la lluvia, y atribuyendo el bombardeo a los republicanos.
Este comunicado negaba también la presencia de la aviación alemana en España. Posteriormente en agosto el coronel von Richtofen al mando de la División Cóndor, envía una carta al cuartel general de Franco en la que admite el ataque aunque falseando la forma en que se produjo, y alegando que la villa ya ardía en el momento de ser bombardeada.
Esta acusación del bando franquista culpando a los rojos separatistas de la destrucción de Gernika impulsa a un ya indignado Pablo Picasso (días antes había sido bombardeada su ciudad natal Málaga) a cambiar la temática del gran mural que estaba pintando para el pabellón español de la Exposición Universal que se iba a celebrar en Paris.
En apenas un mes Picasso termina el “Gernika”, pero su presentación pública es un fracaso, La obra es criticada tanto por los representantes de la República como, por la delegación enviada por el lehendakari Aguirre. Incluso gran parte de la vanguardia artística parisina la ignora.
Termina la exposición y el gobierno rechaza hacerse cargo de la obra, pese haberla pagado, y decide junto al autor enviarla a diferentes partes del mundo con objeto de recaudar fondos para la República.
Y para más “INRI” el general Mola lanza unas octavillas a los habitantes de Bilbao diciendo lo siguiente.
“BILBAINOS, CUANDO LAS BARBAS DE TU VECINO VEAS PELAR PON LAS TUYAS A REMOJAR”.
Así fue como me lo contaron y así es como yo os lo cuento…
Era algo que necesitaba contar mi familia fue protagonista y víctima de tan desgraciado suceso.
Casualidad pero mañana día 26 de abril también es domingo.
ASKO, ASKO MAITE ZAITU AMONA ARGIÑE (te quiero mucho mucho abuela Lucía).

P.D. A pesar de que mi memoria va perdiendo fuerza, recuerdo muy bien la historia cuando le oí contar a mi abuela había mucho dolor demasiado para no recordarlo, pero para los datos de aviones y tipo de bombas he recurrido una página que pertenece a la Fundación Sabino Arana.Gracias…

HASTA QUE LA HIPOTECA NOS SEPARE

2009-04-23T21:32:00.000+02:00

Siempre fui una romántica,es más creía a "pies juntillas" aquellas palabras que dice el cura "hasta que la muerte nos separe"...

Como cambian los tiempos,hoy por la tan traída y llevada crisis se ha convertido toda esa palabreía en esto otro "hasta que la hipoteca nos separe".

Yo entiendo que eso de "hasta la muerte..." ya no se estila aunque siempre pensamos que va a ser así cuando nos enamoramos.Pero ¿Y si la muerte no es del ser humano sino del amor? ¿Por qué seguir? pues si,seguimos hoy en dia seguimos unidos por la hipoteca ya que esta señora se instala en nuestras vidas y nos absorbe y nos une hasta esclavizarnos y nos chupa todo el salario y no nos deja ni un eurito para poder pagar el divorcio y poder al menos ser nuevamente libres para encontrar otro amor que nos entienda.

¡Ea!...la gente de un pueblo de Huelva ya no tiene ése problema .

Una inmobiliaria ha lanzado una super oferta.

PAGAMOS EL DIVORCIO QUIEN COMPRE PISO...

Si como lo oís, ya no tendremos que aguantar al que en otro tiempo fue nuestro amor,y por si fuese poco tenemos opción a casa nueva(eso siempre que tengamos dinero para comprar).

Aquí dejo la noticia que ésta mañana escuche por la tele y ahora la he cogido de este invento fabuloso que es Internet.¡Lo que se dice un copia y pega!.

Geimsa, una inmobiliaria ubicada en San Juan del Puerto (Huelva), ha lanzado una oferta en la que se ofrece a pagar el divorcio y a facilitar un piso desde 68.000 euros, interesándose en el paquete ofertado, hasta ahora, un total de tres parejas. Así lo ha explicado la jefa de personal de la empresa, Vanesa Contioso, quien ha asegurado que el balance es "positivo", indicando además que ofertas de este tipo "podrían relanzar el sector, el cual está muy afectado por la crisis". En cuanto a la oferta de recuperar la soltería y un piso de tres habitaciones por 68.000 euros, ha apuntado que hoy día "un divorcio cuesta mucho dinero", por lo que las parejas pueden acudir a esta inmobiliaria donde un abogado "se encarga de todo el trámite". En este sentido, ha añadido que en la mayoría de los casos el que "sale peor parado de todo el trámite es el hombre", por lo que es a éste al que le puede convenir más la oferta de la pareja. La inmobiliaria, en la que trabajan cuatro personas, ya cuenta con experiencia en este tipo de ofertas y paquetes ya que otra de sus propuestas nació hace tres semanas, y consistió en ofertar un piso y los preparativos de una boda por 100.500 euros. En este sentido, Contioso ha señalado que han recibido estos días la visita de 60 parejas interesadas en este paquete y que "ya están haciendo las gestiones para preparar algunas hipotecas" para las viviendas. Asimismo, ha indicado que el sector inmobiliario está "muy bajo", debido a la afectación de la crisis en el mismo, por lo que de esta forma, esta inmobiliaria pretende salir de la situación económica actual, que es la que les "ha agudizado el ingenio". Una inmobiliaria paga el divorcio a quien compre una de sus viviendas - Nacional_Sociedad - Nacional - ABC.es

ROSAS Y LIBROS PARA TODOS

2009-04-22T14:03:00.001+02:00

Dicen que al salir el sol el 23 de abril de 1616, había en el cielo una gran corona de laurel formada por nubes verdes, aquel día sus rayos lucieron especialmente afilados y al atardecer, los cirros arrebolados formaron una hermosa esquela mortuoria. Tres grandes de la literatura universal se habían marchado con él: Shakespeare, Cervantes y Garcilaso el Inca (considerado el primer escritor moderno del continente americano) Ellos se murieron ese día, pero sus libros quedaron y se multiplicaron, por eso el día 23 de abril se decidió celebrar el día del libro.

En Aragón y Cataluña se celebra también el día de Sant Jordi (San Jorge). Una leyenda originaria de la primera civilización mesopotámica, en la que un dragón exige a los aterrorizados habitantes de Silca una ración tan grande de comida que, al faltar tienen que suplirla con los propios habitantes escogidos en una rifa. Un día la papeleta negra le cae a la propia princesa, pero, antes de ser devorada, aparece un caballero que se enfrenta y vence al gran dragón y, presumiblemente, se casa con la princesa.

La iglesia “cristianizó” la leyenda, haciendo que el caballero fuera Sant Jordi (San Jorge), pero le cambió el final: ¿qué podía hacer un santo casado con una princesa? No. Sant Jordi tuvo un destino más interesante desde el punto de vista doctrinal: fue martirizado y, según Pasícrates, este santo no dio muchas facilidades a su verdugo: pues, por defender su fe, fue atado a una rueda de cuchillos, arrojado a cal viva, sumergido en plomo ardiente, obligado a beber veneno, y finalmente, tras provocar conversiones y resurrecciones, es decapitado, precisamente a medio día de un 23 de abril.

Sea como fuere, el 23 de abril constituye en Cataluña un día de exaltación de la cultura y los sentimientos (existe la costumbre de regalar una rosa y un libro a las personas a quien quieres). Barcelona el epicentro multicolor y dentro de Barcelona las Ramblas se convierten en un incesante río de libros, flores y sonrisas.

Cada año, el 23 de abril, desde las siete de la mañana hasta las diez de la noche,todas las editoriales, tiene una cita con el público en plenas Ramblas, a la altura del Liceo, frente a la calle Hospital, junto al quiosco de prensa, precisamente bajo las fauces de un dragón en forma de farola y de un paraguas, que permanece como emblema de una antigua paragüería. Allí tiene asignado un puesto para la venta de libros una editorial que se llama carena y, sobre todo para que muchos autores se encuentres con su público.
Yo desde ésta mi casa os regalo una rosa y un libro a cada uno,"hoy me siento generosa".
Arriba está la rosa aquí os dejo un poema que me encanta de GABRIEL CELAYA.

LA POESÍA ES UNA ARMA CARGADA DE FUTURO...

" Cuando ya nada se espera personalmente exaltante
mas se palpita y se sigue más acá de la conciencia,
fieramente existiendo, ciegamente afirmando,
como un pulso que golpea las tinieblas,

cuando se miran de frente
los vertiginosos ojos claros de la muerte,
se dicen las verdades:
las bárbaras, terribles, amorosas crueldades:

Se dicen los poemas
que ensanchan los pulmones de cuantos, asfixiados,
piden ser, piden ritmo,
piden ley para aquello que sienten excesivo.

Con la velocidad del instinto,
con el rayo del prodigio,
como mágica evidencia, lo real se nos convierte
en lo idéntico a sí mismo.

Poesía para el pobre, poesía necesaria
como el pan de cada día,
como el aire que exigimos trece veces por minuto,
para ser y en tanto somos dar un sí que glorifica.

Porque vivimos a golpes, porque apenas si nos dejan
decir que somos quienes somos,
nuestros cantares no pueden ser sin pecado un adorno.
Estamos tocando el fondo.

Maldigo la poesía concebida como un lujo
cultural por los neutrales
que, lavándose las manos, se desentienden y evaden.
Maldigo la poesía de quien no toma partido hasta mancharse.

Hago mías las faltas. Siento en mí a cuantos sufren
y canto respirando.
Canto, y canto, y cantando más allá de mis penas
personales, me ensancho.

Quisiera daros vida, provocar nuevos actos,
y calculo por eso con técnica, qué puedo.
Me siento un ingeniero del verso y un obrero
que trabaja con otros a España en sus aceros.

Tal es mi poesía: Poesía-herramienta
a la vez que latido de lo unánime y ciego.
Tal es, arma cargada de futuro expansivo
con que te apunto al pecho.

No es una poesía gota a gota pensada.
No es un bello producto. No es un fruto perfecto.
Es algo como el aire que todos respiramos
y es el canto que espacia cuanto dentro llevamos.

Son palabras que todos repetimos sintiendo
como nuestras, y vuelan. Son más que lo mentado.
Son lo más necesario: Lo que no tiene nombre.
Son gritos en el cielo, y en la tierra, son actos.

QUE PASÉIS UN BUEN DÍA DE SANT JORDI

LA CARA Y LA CRUZ ...

2009-04-20T14:13:00.000+02:00

La historia es la siguiente...
Dos mujeres que su pasión es el canto y en lo único que se parecian es que las dos no habían sido favorecidas por la naturaleza que a ambas las dotó de un no muy agraciado físico y como podreis comprobar en los vídeos sus voces no tenian nada que ver,la primera que se llama FLORENCE FOSTER JENKINS.Su voz era esperpéntica y chirriante pero tenía fortuna.
Esta es su historia.
Nacida como Florence Foster en 1868 en Wilkes-Barre, Pennsylvania, Florence Foster Jenkins recibió lecciones de música en su niñez y pronto expresó su deseo de viajar al extranjero para continuar tales estudios. Aun siendo de familia acomodada, su padre rehusó pagarle el billete, así que se fugó a Filadelfia con Frank Thornton Jenkins, un médico que más tarde se convertiría en su marido (se divorciaron en 1902). Tras su llegada a Filadelfia empezó a ganarse la vida como maestra y pianista. Después de la muerte de su padre en 1909, Jenkins heredó una suma de dinero que le permitió comenzar su carrera musical, habiendo sido antes disuadida por sus padres y su antiguo marido. Entró a formar parte de la vida musical de Filadelfia y más tarde de la de Nueva York, donde fundó y financió The Verdi Club, tomó lecciones de canto y empezó a dar recitales, siendo su primero en 1912. La muerte de su madre en 1928, cuando Florence tenía 60 años, le proporcionó libertad y recursos adicionales a la hora de perseguir sus objetivos.

Basándose en sus grabaciones, es evidente que Jenkins tenía muy poco sentido del oído y el ritmo y era a duras penas capaz de mantener una nota. Era normal que su acompañante hiciera ajustes para compensar sus variaciones de tempo y fallos rítmicos. Aun así se hizo tremendamente famosa, al parecer el público la adoraba por la diversión que proveía en lugar de por su habilidad musical. Los críticos a menudo eran tan crueles que bien pudieron servir para picar la curiosidad del público.

A pesar de su patente falta de habilidad, Jenkins estaba firmemente convencida de su grandeza. Se ponía a sí misma a la altura de sopranos de renombre como Frieda Hempel y Luisa Tetrazzini, y disculpaba las risas que a menudo provenían de la audiencia durante sus actuaciones como procedentes de rivales consumidos por "envidia profesional". Era consciente, sin embargo, de sus críticas, a las que una vez respondió: "La gente puede decir que no sé cantar, pero nadie podrá decir nunca que no canté".

La música de los recitales de Jenkins era una mezcla del repertorio operístico estándar de Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi y Richard Strauss (todos ellos más allá de su habilidad técnica), Lieder (incluyendo obras de Johannes Brahms y "Clavelitos" de Joaquín Valverde, su partitura favorita) y canciones compuestas por ella misma o su acompañante, Cosmé McMoon, de quien consta que ponía caras a Jenkins por la espalda para provocar la risa de los espectadores. Después de su muerte le intentó robar su herencia declarando ser su amante, si bien había una amplia evidencia de que era homosexual. Jenkins a menudo llevaba elaborados disfraces que diseñaba ella misma, algunas veces aparecía con alas y espumillón y, para "Clavelitos", arrojando flores a la audiencia mientras ondeaba un abanico y lucía más flores en su pelo.

Después de un accidente de taxi en 1943 descubrió que podía cantar "Un fa más alto que nunca". En lugar de una demanda contra la compañía de taxis le envió una caja de caros puros al conductor.

A pesar de la petición pública de más apariciones, Jenkins restringió sus actuaciones en directo a unos pocos favoritos y a su recital anual en el auditorio del Ritz-Carlton de Nueva York. La asistencia a sus recitales estaba siempre limitada a su leal club de señoras y otros pocos elegidos (ella misma se encargaba de distribuir las entradas). Con 76 años, Jenkins finalmente cedió a los deseos de sus admiradores y actuó en el Carnegie Hall el 25 de octubre de 1944. Fue tal la anticipación con la que se anunció la actuación, que las entradas se agotaron con semanas de antelación. Jenkins murió un mes después.

Se dijo que los 32 años de carrera musical de Jenkins fueron una elaborada broma sobre el público, lo cual parece contradecirse con la afirmación de que su muerte después de su actuación en el Carnegie Hall fue resultado del rechazo de los críticos. Sin embargo, hay muy pocas evidencias que constaten dichas afirmaciones. Todo parece indicar que Florence Foster Jenkins murió con el mismo feliz y convencido sentido de plenitud que prevaleció durante toda su vida artística.

De la segunda no se mucho más de lo que dice el video y la prensa.
Solo que tiene una voz maravillosa y que hace real el dicho de que no debemos fiarnos de las apariencias...

Y estas son mi cara y cruz de una misma moneda...

TODA ESTA ENTRADA POR SER SEGUIDORA DE G.H. ¡MANDA COJ...!LO QUE HAGO POR NO TENER OTRAS COSAS QUE HACER...

2009-04-19T12:03:00.000+02:00

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Tengo muchos amigos que se asombran cuando les digo que no me he perdido ni una edición de G.H. Me dicen cosas como,¿De verdad que ves és programa?.Como puedes aguantar ver a gente haciendo el vago todo el dia,no me esperaba eso de tí. yo me parto de la risa y me regocijo diciéndoles que no solo veo las galas y los resúmenes sino que he llegado a contratar imagenio para ver las 24 h.son tan jodidamente esnobs que se llaman a escándalo y es que ver ése programa no es cosa de gente culta (todo esto según ellos)yo tengo mi propia opinión.
Bueno!!! Pues indagando sobre la base del formato de G.H llegué al libro de GEORGE ORWELL "1984" Y una cosa lleva a la otra,por eso me encantaría que mis amigos me leyesen esta entradilla y luego me digan que G.H no conlleva culturilla.
El panóptico, una prisión sin rincones
En 1791, el filósofo inglés Jeremy Bentham diseñó su prisión ideal, el panóptico. Gracias a la distribución interna de la prisión uno y sólo un carcelero sería más que suficiente para crear en los prisioneros la opresiva sensación de estar bajo vigilancia permanente. Aunque la idea no cuajó en la Inglaterra de su tiempo, el panóptico ha sido usado como modelo en la construcción de numerosas prisiones en todo el mundo, muchas de las cuales siguen funcionando en la actualidad.

Bentham derivó el diseño de una escuela militar en París diseñada por su propio hermano, Samuel, teniendo en mente el problema de la gestión y supervisión de un gran número de individuos con el menor número de medios. El nombre, panóptico, viene del observar (-opticón) a todos (pan-).

La prisión propuesta por Bentham sería un edificio circular hueco, con una torre central en su interior. El anillo exterior estaría dividido en celdas, cada una de ellas ocuparía todo el grosor del anillo lo cual permitiría que tuvieran ventanas hacia el exterior y el interior. La parte de la celda que da al interior sólo contaría con una reja lo que permitiría al vigilante ver lo que hace el recluso en todo momento. Los reclusos estarían totalmente aislados de sus vecinos por muros, que se prolongan unos centímetros más allá de la reja y sujetos al escrutinio, tanto colectivo como individual por un observador en la torre que no se dejaba ver.

La luz penetraría por las ventanas exteriores de las celdas, llegando hasta la torre central que dispondría de ventanas y celosías. De esta forma, el vigilante podría ver a contraluz la figura de cualquiera de los reclusos, mientras que las celosías impedirían a estos verlo a él, de hecho no podrían saber ni siquiera si realmente estaba allí. A parte del uso de celosías Bentham también pensó en los accesos y comunicación entre las salas de la torre de observación, optando por el uso de muros en zigzag frente a las puertas, estos muros al igual que las puertas cumplirían su misión de evitar la salida de la luz y pero evitarían los chirridos que pudieran delatar las entradas y salidas del observador.

La torre central del panóptico además se convierte en un símbolo de sumisión y de poder, en una representación del poder visible pero que es a la vez no verificable. La torre es visible desde todas las celdas, recordando a los reclusos que en cualquier momento que podrían estar siendo vigilados, sin embargo jamás pueden verificar que esté siendo así.

En el edificio de Bentham es clave esta falta de relación visual entre observado y observador. Pero también los es el aislamiento y el silencio. Incluso en los casos que el carcelero tuviera que comunicarse con algún preso lo haría mediante un tubo metálico y siempre en voz baja. Se produce la paradoja que para el carcelero los reclusos forman una multitud, pero ellos mismos se ven a sí mismos como individuos solitarios aislados. Las celdas formarían una multitud de teatros, que sólo pueden ser vistos por un único espectador.

Más tarde Bentham abandonaría la idea de absoluta incomunicación. Las celdas deberían alojar a 3 o 4 presos, pues pasaría a considerar las relaciones sociales una pieza importante en la reeducación del preso. Bentham concluiría en su obra “The Rationale of Punishment” que la soledad y la incomunicación conducen a la locura.

El sentimiento de “vigilancia permanente” que se desarrollaba en los reclusos según Bentham reduciría el número de intentos de motín o fuga, lo cual no sólo permitiría abaratar los costes de gestión de la prisión al no ser necesarios tantos vigilantes sino porque también abarataría su construcción al no requerir de la construcción de muros tan gruesos y altos. Otra ventaja del panóptico es que permitiría al alcaide de la prisión controlar fácilmente que sus carceleros no descuidaran sus tareas. El panóptico se convierte entonces en un perfecto engranaje social, en el que todos cumplen son su cometido por miedo a ser “observados” realizando lo que no deben, bien sean reclusos o carceleros.

Otra idea de Bentham para “reducir costes” era utilizar a los reclusos como mano de obra en trabajos forzados, tales como andar sobre ruedas que harían funcionar telares o norias para extraer agua. Aunque Bentham no sólo estaba preocupado por la viabilidad económica y la efectividad reformatoria de su prisión, sino que también incluye medidas para velar por la salud de internos y guardianes. Así previó la existencia de letrinas individuales o agua corriente en cada celda así como el uso de calefacción central para caldear el edificio.

A parte de la practicidad de su diseño, el panóptico servía también como un modelo de reinserción de delincuentes. El filósofo inglés aseguraba que pasada una larga temporada en la prisión, el recluso internalizaría de tal manera el sentimiento de estar bajo vigilancia, que este no le abandonaría ni cuando hubiera recuperado su libertad, lo cual disminuiría las posibilidades que volviera a delinquir.

En 1975 el filósofo francés Michel Foucault hizo una crítica del panóptico de Bentham en su obra “Vigilar y castigar”, considerándolo un edificio totalitario. Para Foucault la clave está en la “invisibilidad” del carcelero del panóptico, que lo convierte en “omnisciente” para los presos, es decir un carcelero que pese a no saber si está o no está vigilando, puede estar en todas partes y en todo momento. Para reforzar esta idea en el subconsciente de los reclusos, los carceleros tenían que demostrar cada cierto tiempo su poder por medio del castigo. Finalmente Foucault consideró esta “invisibilidad” del vigilante un método disciplinario opresivo.

Las ideas de Bentham inspiraron también a George Orwell en su novela “1984”, la descripción de un estado totalitario dominado por un gran hermano que todo lo ve.

Bentham dedicó una gran parte de su tiempo y casi toda su fortuna para promover la construcción de una prisión siguiendo su esquema. Tras muchos años e innumerables problemas financieros y políticos, consiguió el permiso del Parlamento inglés para la compra de un lugar donde levantar la prisión. Aunque más tarde, en el 1811, el Primer Ministro se lo revocó, aunque concediéndole una indemnización de 23.000 libras.

Más fortuna tuvo en el exterior, donde a lo largo de los siglos XIX y XX varias cárceles se adaptaron a su modelo, por citar algunos: Edinburgh Bridgewelly (1794), Santo Stefano en Sicilia (1795), Panóptico de Bogotá o el Presidio Modelo en Cuba (1932). Pero también hubo en muchos otros países como Argentina, Estados Unidos, Australia, Holanda…

En España la primera prisión construida bajo este paradigma fue la Prisión de Mataró, construida por el arquitecto Elies Rogent en 1851 e inaugurada en 1863, que fue declarada Monumento histórico en Octubre de 2001.

A parte del éxito de su modelo arquitectónico, la obra de Bentham puso su grano de arena en el cambio de orientación de las políticas penitenciarias. Durante la época anterior, la de las monarquías absolutas, la lucha contra el crimen consistía en el uso de penas ejemplares que intentaban asustar a los delincuentes. Por otro lado como el crimen se asimilaba al pecado, castigar era más que legítimo. Sin embargo se vio que no era un sistema demasiado eficaz.

Sería tras la Revolución Francesa, cuando se empezarían a adoptar algunas de las ideas de Bentham. El medio para que el delincuente desistiera de su idea de delinquir no sería el miedo, sino que simplemente fuera el propio delincuente el que no quisiera delinquir. Las prisiones pasarían de ser un lugar de castigo a uno de rehabilitación.

PS: Por expreso deseo de Jeremy Bentham, su esqueleto, totalmente vestido y con una cabeza de cera (la auténtica fue momificada), se guardad en una vitrina en el University College de Londres. Donde "sigue" participando en las reuniones de su consejo académico.

"A DIOS ROGANDO Y CON EL MAZO DANDO"

2009-04-14T20:20:00.000+02:00

No hace nada más que dos dias hemos pasado la Semana Santa y lo primero que escuchamos en las noticias es que van a juzgar por pederástia al jefe de los LEGIONARIOS DE CRISTO REY.
Y lo triste es que lo presentan como si fuese un caso único cuando la iglesia está llena de casos de igual perversión lo que pasa que siempre la toda poderosa Iglesia siempre lo silenció como hace por costumbre con sus misérias.
Voy a contaros un caso que salió a la luz no hace mucho pero que sucedió hace años.

Todo comenzó con una confesión pública y masiva sacada a la luz por el semanario político italiano L´espresso en su último número de enero, y amenaza con convertirse en el mayor escándalo de pedofilia en sacudir a la Iglesia Católica desde hace al menos un cuarto de siglo. Es el testimonio desgarrador —que las instituciones eclesiásticas han tratado de meter en sordina mediática— de un grupo de ex alumnos de una escuela religiosa de la ciudad de Verona dedicada a tratar niños y adolescentes sordomudos y que involucra a sacerdotes y a profesores aún en actividad, a pesar de que los delitos se cometieron desde la posguerra hasta finales de 1984, según el testimonio del más joven de los ex alumnos involucrados.

Antes de comenzar a contar esta triste historia hay que hacer una breve composición del lugar. En los primeros años después de la Segunda Guerra Mundial, Verona, la ciudad inmortalizada por Shakespeare en Romeo y Julieta, no era todavía parte del territorio que se creará con el llamado milagro italiano de los años sesenta. Aunque el centro urbano ya empezaba a demostrar pujanza, los campos que rodean la urbe estaban repletos de campesinos pobres que recuerdan los años aciagos de la emigración en un país que no lograba levantar cabeza desde principios del siglo XX.

Son los niños sordomudos hijos de esos campesinos pobres los que serán recogidos por los sacerdotes del Instituto Antonio Provolo con el objetivo de darles una educación avanzada. Un “modelo internacional” resalta en L´espresso el periodista Paolo Tessadri, autor del artículo titulado “Nosotros, víctimas de los sacerdotes pedófilos” que hizo público el escándalo. En el tétrico edificio de la escuela “a mitad de camino entre el seminario y la cárcel”, continúa Tessadri, “habrían ocurrido estos episodios terribles”.

Lo primero que llama la atención del escándalo es la cantidad de denunciantes. Más de 60 personas —67 para ser exactos— que se cansaron de golpear las puertas de las instituciones religiosas no para pedir condenas ni compensaciones económicas, sino simplemente para que se expulse a los sacerdotes involucrados en los abusos. Según los testimonios escritos y filmados que recoge el semanario italiano, fueron las firmes condenas del nuevo Papa Benedicto XVI, motivadas por la magnitud de los escándalos sexuales que sacudieron la Iglesia Católica en Estados Unidos, las que los motivaron a hacer también pública su historia. Primero se encontraron en la asociación de sordomudos, luego se pusieron de acuerdo para denunciar los hechos a la curia y a la dirigencia del instituto. Antes de llegar a los medios de comunicación se dirigieron al magistrado del Tribunal Eclesiástico de la diócesis de Verona, Giampietro Mazzoni. La Iglesia les pidió perdón en privado pero no movió a ninguno de los 25 religiosos denunciados que, a pesar de su edad avanzada, en muchos casos continúan trabajando en el instituto reconvertido hoy en un centro especializado en recalificación de desocupados, y gestionado por personal laico y subvencionado por el gobierno regional.

Las historias

Las personas que “venciendo el miedo”, afirma L´espresso, se animaron a contar sus historias tienen hoy entre 50 y 70 años —el más joven tiene 41—. Su calvario comenzó apenas al entrar en el instituto y los abusos continuaron, en algunos casos, hasta que se volvieron mayores de edad, momento en el que abandonaban el internado. Uno de los testigos, de nombre Bruno, que hoy tiene 60 años, cuenta que a finales de los cincuenta se encontró en la escuela con que, por sus rasgos angelicales, era el preferido de los sacerdotes. “A los ocho años quedé sordo”, dice, “a los nueve entré en el Provolo y lo dejé a los 15 años. Tres meses después de ingresar y hasta que dejé el instituto fui objeto de atenciones sexuales, he sido sodomizado y obligado a tener relaciones de todo tipo con sacerdotes y hermanos”. En su denuncia Bruno involucra, según el semanario italiano, a un alto prelado muy famoso en la ciudad de Verona.

Las violaciones tenían lugar, según los testimonios, incluso en los lugares sagrados, “bajo el altar, en el confesionario” y en algunas ocasiones se llevaban a cabo “en grupo, bajo las duchas” de la institución. Los abusos, cuenta Guido, otro de los testigos, “ocurrían en la habitación de uno de los sacerdotes en el último piso. También me obligaba a hacer estas cosas durante las colonias de verano y en el campamento que montábamos en el lago de Garda”. Otro testimonio, el de Carlo, indica también maltratos físicos. “Me obligaban a menudo me castigaban —de rodillas durante horas en una esquina de la habitación, con golpes violentos y bastonazos— si no tenía relaciones con él”. En el nutrido grupo de denunciantes también hay mujeres, ya que el colegio era mixto. Lina, una mujer de 50 años que estuvo interna hasta los 17 en la escuela de sordomudos, recuerda que a los 13 años “durante la confesión cara a cara el sacerdote me tocaba los senos una y otra vez”. Giovanna ha dejado un testimonio por escrito —la mayor parte han sido registrados con una cámara— en donde indica que uno de los sacerdotes “sacaba fuera su miembro y pretendía que lo tocase”. Algunas de las mujeres fueron directamente violadas por sus profesores.

Las reacciones

Mientras la mayor parte de la sociedad italiana reaccionaba con indignación ante este nuevo escándalo que involucra a la Iglesia Católica, las instituciones eclesiásticas naufragaron durante los primeros días entre la admisión de la culpa y los movimientos para intentar poner sordina a la polémica ante los medios de comunicación. En principio, la revista revelaba que el casi centenar de afectados (no todos quisieron grabar sus testimonios) ya se habían dirigido a las instituciones religiosas buscando una disculpa y, sobre todo, que se expulsara a los sacerdotes acusados. Según la Asociación de Sordomudos, en 2006 Danilo Corradi, superior del Instituto Provolo, se encontró con más de 50 ex alumnos a los que pidió “al menos 12 veces perdón por los abusos cometidos por otros religiosos”. Los testimonios reconstruyen una reunión de tonos dramáticos: “Don Corradi que se toma la cabeza con las manos, suda, pide perdón, se pone de rodillas”, afirma el semanario L´espresso. En contacto con el medio, Corradi cambia su versión: “He sentido algo, pero yo llegué en 2003 y de las cosas que han sucedido antes no sé nada”, afirma. El obispo de Verona va aún más allá a la hora de tratar de embarrar la denuncia. En una carta responde al semanario antes de la publicación que “la diócesis de Verona está al oscuro” con respecto a estas acusaciones de “eventual pedofilia”, y luego insinúa que detrás de las denuncias hay un “interés de carácter económico”, afirmando que no son acusaciones que tengan que ver “con personas concretas, sino únicamente de carácter genérico”. La carta del obispo concluye con una lavada de manos al mejor estilo Poncio Pilatos: “No tengo nada que agregar, se seguirán las indicaciones contenidas en el código de derecho canónico”.

Desde la Asociación de Sordomudos llegó también al semanario una respuesta contundente, negando intereses económicos detrás de la denuncia: “Hemos hecho solamente presente el problema, nosotros queremos que estos sacerdotes sean alejados para que aquello que nos han hecho a nosotros no les suceda a otros”. Mientras las verdaderas dimensiones del escándalo van quedado en claro para la opinión pública y los principales medios de comunicación italianos, en el Vaticano, hasta hoy, han preferido guardar un riguroso silencio.
Con estos antecedentes me cuesta creer cada vez más en la IGLESIA aunque para ser sincera hace mucho que dejé de hacerlo aunque crea en Dios se llame como se llame y que aunque parezca contradictorio me encantan las imágenes y la litúrgia de la Semana Santa .

LAS MUJERES SIEMPRE PERDEMOS POR QUE SERÁ?

2009-04-13T15:16:00.000+02:00

Si no fuese porque lo que voy a contar es muy triste le vendría al pelo ese viejo refrán castellano que dice."En caso de duda yo la viuda".Aunque creo que en la India no lo entienden así.
Sati, ¿amor eterno o suicidio a la fuerza?
El sati o la inmolación voluntaria de la viuda de un difunto en su misma pira funeraria, es una práctica hindú que tiene más de 700 años de historia. Prohibida por los ingleses durante su dominación del país en el siglo XIX, aun persiste en nuestros días, aunque en un número mucho menor, pues si bien a principios del 1800 era responsable de unas 500 muertes al año, en los últimos tiempos ronda afortunadamente apenas llega a una o dos por década.

El ritual del sati se cree que surgió en tiempos prehistóricos. Según cuenta la leyenda, Sati era la mujer del dios hindú Shiva, que se mató a si misma, porque su padre había insultado a su marido. El primer registro histórico de estos actos de inmolación proviene de los invasores griegos hace unos 2.300 años. En la antigüedad la mujer era una posesión más del marido y aceptando la teoría que el difunto podía llevarse consigo sus posesiones terrenales si estas eran quemadas, la mujer como una posesión más corría la misma suerte.

Los historiadores sostienen que esta práctica se popularizó en la India cuando comenzaron los ataques de los invasores musulmanes hace 700 años. En esa época Rajasthan, una de las regiones de la India donde el sati ha sido históricamente más popular, era una sociedad feudal. En esta época no era raro que los hombres de familias enteras perdieran su vida en una batalla. En vez de someterse o ser masacradas por los conquistadores, las mujeres optaban por suicidarse. De esta manera el sati estaba entonces asociado con las clases altas feudales.

Los historiadores afirman que durante esta época también se tiene constancia de casos de mujeres que fueron drogadas o atadas a la pira funeraria contra su voluntad, forzadas a cometer actos de sati. Estos casos van en contra de la visión un tanto romántica o de auto-sacrificio del ritual. En cualquier caso existe un debate que intenta determinar hasta que punto influía en esta decisión voluntaria, la presión social y las escasas expectativas de la viuda después de la muerte de su marido.

Es sabido que la viuda podía esperar poco de la vida sobre todo si no tenía hijos, era considerada una figura impura mientras que si cometía el sati se convertía en una figura digna de veneración. De hecho aunque en la actualidad el sati está prácticamente erradicado, la viudas continúan siendo cruelmente estigmatizadas. Mientras que los viudos pueden volver a casarse, a las mujeres les resulta casi imposible, de hecho fueron también los ingleses quienes tras abolir el sati abolieron la prohibición de las segundas nupcias para las mujeres.

Ante este panorama no les queda más remedio muchas veces que llevar una vida de reclusión convertidas en criadas de los suegros o peor aun forzadas a mantener relaciones sexuales con miembros de su familia política Otras se tienen que ganar la vida cantando en templos donde reciben a cambio una pequeña paga y comida, o comerciar con su cuerpo, en su tiempo la palabra "randi", viuda, llegó a ser sinónimo de prostituta.

El ritual solía enfatizar el matrimonio entre la viuda y el difunto, por lo cual era bastante común que la viuda luciera su vestido de boda. Los distintos testimonios dan diferentes versiones del ritual, pero la mayoría de ellos describen a la mujer sentada o echada en la pira funeraria al lado de su marido, incluso algunas veces siendo ella misma la que encendía la pira, otros por el contrario describen a la mujer caminando o saltando sobre las llamas una vez la pira había sido encendida.

El último acto de sati del que se tiene constancia ocurrió en el 2006, cuando Janakrani, una viuda de 40 años, se dice que saltó sobre el cuerpo de su marido mientras estaba siendo quemado siguiendo el ritual hindú. Las investigaciones posteriores llegaron a la conclusión que había sido una decisión voluntaria, por lo que se trataría de un suicidio, tampoco habría habido testigos ni cómplices, pues la mujer habría aprovechado un momento en que se encontraba sola.

Con anterioridad a este caso, en el 2002, también en el estado de Madhya Pradesh, sucedió otro suceso similar en el que esta vez perdió la vido una viuda de 65 años llamada Kuttu Bai, entre los procesados por su muerte figuraban sus dos hijos, que aparentemente no hicieron nada para impedírselo, como tampoco lo hicieron los más de 4000 vecinos de su pueblo que según algunas versiones la animaron con sus gritos y atacaron a la policía que había acudido a impedir el suicidio. Si la policía hubiera tenido éxito, Kuttu Bai, podría haberse convertido en una "sati viviente" como fue el caso de Jaswant Kanwat Chandrawat en el 1985 y vivir el resto de su vida en su "propio" templo.

Pero el caso reciente más famoso y que despertó la indignación dentro y fuera del país sucedió en 1987, cuando Roop Kanwar, una chica de 18 años fue víctima del sati, existen diferentes versiones sobre si lo hizo voluntaria o involuntariamente. Pero la policía acusó a 45 personas de su asesinato, aunque más tarde en 1996 un tribunal absolvió a todos ellos. Más tarde serían otras 11 personas las acusadas de glorificación del sati, incluyendo políticos del estado, aunque también fueron absueltas ante la imposibilidad de probarlo.

Fue el caso de Roop Kanwar el que produjo este endurecimiento de la ley al respecto. La cual pasó a no hacer distinción entre los incitadores y los observadores pasivos, siendo todos igual de culpables. Otras medidas de esa ley intentaron evitar la "glorificación" de las mujeres muertas. Esta glorificación a veces pasa por la construcción de templos a las mujeres fallecidas, así como la conversión del lugar de la pira en sitio de peregrinación. La inmolación de la nueva "diosa" coloca el pueblo en el mapa y provoca un aluvión de peregrinos lo cual reporta pingües beneficios al pueblo.

PS: En "La vuelta al mundo en ochenta días" se describe tal vez uno de los sati famosos, cuando Phileas Fogg y Passepartout rescatan a la princesa Aouda de ser quemada viva.

foto 1 Grabado del 1851, en el que se puede ver como la viuda es acompañada a la pira de su esposo
foto 2 Janakrani, una de las últimas mujeres que ha practicado el sati

+info: Sati en es.wikipedia.org
Sati (practice) in en.wikipedia.org
Viudas y despreciadas en indiga.org

PARA EL SANTO DE MI AMIGA QUE TANTA PACIENCIA TUVO AYER CONMIGO.

2009-04-11T19:53:00.000+02:00

A primera vista parece un monumento irreal y fuera de lugar. Sorprende encontrar una réplica del Partenón de Atenas a orillas del Danubio, un entorno tan diferente del original, especialmente en los días de invierno en los que puede verse nevado. Para entender su historia nos tenemos que remontar al 1807, cuando el príncipe Luis de Baviera tuvo la idea de crear un salón de la fama de los pueblos germánicos.

En 1807 el que se convertiría en Luis I de Baviera era sólo un príncipe de 20 años de edad. Ese mismo año Prusia había sido derrotada y todos los estados alemanes se encontraban bajo el control de Napoleón. Ante esta situación de fragmentación política, los alemanes empezaron a buscar su identidad nacional en el pasado. Como afirma el historiador del arte Jorg Traegger: “En el siglo XIX la nación era una creencia. El arte expresaba esa creencia”.
El príncipe Luis, un admirador de la arquitectura clásica, tenía muy presente su visita el año anterior a Paris y su Panteón, cuando concibió la idea de una colección de esculturas de mármol de los cincuenta alemanes “más gloriosamente excelentes”. Su intención era llamar a la colección Pantheon, pero el historiador Johannes von Muller sugirió “Walhalla”. Un término tomado prestado de la antigua mitología nórdica, el hogar para aquellos guerreros que habían muerto en el campo de batalla. Sin embargo, el valhala ideado por Luis estaría dedicado a los héroes culturales y políticos pan-germánicos, así como a los grandes acontecimientos de la historia alemana.

Luis I convocó el primer concurso público de ideas para su construcción en 1814, que finalmente ganó el arquitecto Leo von Klenze. Pese a la referencia nórdica del nombre, Luis decidió que se usaran formas griegas. Argumentando que el Partenón ateniense era no sólo un modelo de perfección, sino que además su construcción había estado estrechamente ligada con la victoria griega sobre los persas, la cual impulsaría la posterior unidad griega. Desde Prusia, con la que Baviera competía por ser el embrión de la futura Alemania unificada, llegaron otras propuestas de estilo neo-gótico, que abrieron un debate sobre cuál era el estilo más apropiado para expresar la “germanidad”, debate que continuaría después de la unificación.

Los intelectuales de Prusia defendían que la arquitectura gótica había sido el resultado del esfuerzo y talento de toda una civilización, y que podía llegar a competir en perfección con la arquitectura clásica. Sin embargo en Baviera se veían las cosas de un modo muy diferente y el reino se encontraba a punto de iniciar un auténtico “revival griego” que comenzaría con la construcción de la Gliptoteca de Múnich. Leo von Klenze , autor también de la Gliptoteca, era uno de los promotores de este revival y sostenía que sólo existía, ha existido y existirá una arquitectura perfecta, que era la que “descubrieron” los antiguos griegos, el hecho que fueran los griegos sus “descubridores” era considerado una mera casualidad. Por eso, esa arquitectura pertenecía tanto a los alemanes como a los griegos.

Los primeros diseños del Walhalla fueron realizados en 1809-1810. Pero la construcción tendría que esperar hasta liberación definitiva de Alemania. El príncipe Luis que inicialmente se había situado al lado de Napoleón cambiaría de bando en 1813. A partir de ese momento se opondría a las políticas pro-francesas de su padre y pasaría a considerar a Napoleón como el archi-enemigo de la nación alemana por haber abolido el Sacro Imperio Romano Germánico.

Cuando Luis I fue coronado en 1825, ya se habían completado 60 bustos para el nuevo salón de la fama. Pero sus obras no comenzarían hasta el 1830. Cuando se inauguró el templo, el 18 de Octubre del 1842 ya contaba con 96 bustos además de 64 placas para personas o eventos de los que no se disponía de ningún retrato para realizar una escultura.

El templo resultante era de estilo dórico y tenía un aspecto majestuoso, cubierto por un tejado soportado por una estructura de 8 por 17 columnas. A parte de estas columnas, en su exterior recubierto de mármol destacaba el friso, el que da al norte contenía personificaciones de los estados alemanes y el del sur, escenas de una batalla. Su interior era colorido gracias al uso de mármol de diferentes tonos.

El templo está situado cerca de la ciudad de Regensburg en una colina sobre el Danubio rodeado de bosques. Dispone de un amarradero en la orilla del rio desde el que se puede acceder al templo subiendo 358 escalones. Desde allí se pueden contemplar unas vistas preciosas del rio y del entorno.

Puesto que ser de “lengua alemana” era la única restricción a la hora de seleccionar personalidades. Entre las 160 personas iniciales se encontraban personajes de territorios que hoy son Suecia, Austria, República Checa, Polonia, Reino Unido, Holanda, Rusia, Suiza y las repúblicas bálticas. Décadas antes de la fundación del Imperio Alemán en 1871, “alemán” era entendido como “germánico”, e incluía godos, lombardos, anglosajones, holandeses, y alemanes de Suiza.

Posteriormente se fueron añadiendo nuevos bustos y placas. En la actualidad el gobierno de Baviera, como sucesor del rey, es quien decide sobre las nuevas incorporaciones. Cualquiera puede realizar una propuesta, pero sólo las personas que lleven fallecidas un mínimo 20 años son elegibles. Sólo 31 bustos han sido añadidos desde su inauguración, a intervalos irregulares, con una separación mínima de 2 años, aunque en las últimas admisiones esta última norma se ha relajado.

En la actualidad el salón contiene 191 bustos, 12 de ellos de mujeres. Entre las incorporaciones más recientes destacan las de: Albert Einstein (1990), el político Konrad Adenauer (1999), la resistente anti-nazi Sophie Coll (2003) y el matemático Friedrich Gauss (2007). Entre los que habían sido admitidos con anterioridad se encuentran: Erasmo de Rotterdam, Johannes Kepler, Martin Lutero, Richard Strauss, Goethe, Mozart o Ludwig van Beethoven.

PS(i): En Nashville (Tennessee) existe otra réplica del Partenón a escala real, esta se construyó con motivo de la Exposición del Centenario de Tennessee
PS(ii): las celebraciones que se llevaron a cabo con motivo de la boda de Luis I de Baviera en 1810 son consideradas el origen de la Oktoberfest de Múnich

info:
- Walhalla Temple en.wikipedia.org
- Architecture of the 19th century and the Turn of the century by Ágnes Gyetvai-Balogh PhD
- European Architecture 1750-1890, pag 150 by Barry Bergdoll en google books
Me imagino que no tiene nada que ver con tu estilo a la hora de hacer proyectos pero me ha parecido muy curioso saber que antes tambien se hacian concursos de arquitectura,aunque me imagino que tener padrinos contaba mucho al igual que ahora.
GRACIAS POR TU SANTA PACIENCIA

LOS MOMENTOS QUE PASO EN LAS BIBLIOTECAS NO SON COMPARABLES CON NADA.

2009-04-10T12:48:00.000+02:00

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Siempre que voy a una biblioteca es como si me teletransportara a muchos mundos diferentes. Es una experiencia que me fascina.Aunque leer en el baño es algo que siempre hice,es más tenco un cestillo con diferentes libros que leo y releo hasta que los cambio por otros,pero siempre hay libros en mi cuarto de baño.

Hay muchos tipos de libros, pero como recordaba Carl Sagan, una vida humana es excesivamente corta para leer una fracción infinitesimal de lo que se publica y hay que elegir. La primera clasificación, obvia donde las haya, es la que separa lo publicado en dos bloques: lo que me interesa y lo que no me interesa. Así no hacemos juicios de valor sobre las obras.
Dentro de lo que me interesa, una separación muy personal pero clara es la siguiente: lo que es accesible para mí y lo que no lo es. Aquí entramos en un terreno muy personal en el que la disponibilidad de tiempo, mi propia preparación, mis prioridades y mi economía tienen mucho que decir. Escojamos pues lo que me interesa y es accesible para mí.
En este caso existen libros que puedo leer en cualquier lugar y libros para los que necesito una cierta parafernalia exterior: hay libros que sólo puedo leer bajo un flexo, envuelto en humo de tabaco y en silencio absoluto e incluso con papel y lápiz cerca para tomar notas; otros son lecturas de verano en tumbona bajo una sombrilla (nunca a pleno sol, por favor).
En este punto la clave de clasificación personal de libros que les muestro, deja de ser dicotómica y se vuelve multivariante. Tengo libros de escritorio, libros para leer en la cama, libros de tumbona, de taberna y de transporte público. Pero quisiera hablar de un tipo de libros que tengo reservado para uno de mis lugares preferidos; el sancta sanctórum del lector: el cuarto de baño.
En mi taxonomía libresca privada clasificar un libro como libro de cuarto de baño es decir mucho sobre el ejemplar en cuestión, y todo bueno: debe ser un libro ágil; de capítulos cortos para poder leer uno entero en el tiempo racional que uno pasa en dicho lugar; debe ser interesante y debe no encajar exactamente en ninguna de las clasificaciones anteriores. Este último punto es importante, porque estoy muy influida por mis lecturas de historia y siempre me ha fascinado la taxonomía y en particular el esfuerzo humano por clasificar la diversidad esférica en casos anidados, de manera que un caso nunca pertenezca sino a uno y sólo uno de los casos superiores. Así pues, no son para mí libros para leer en ningún otro lugar; y por lo tanto a pesar de lo aparentemente escatológico del asunto este tazón es de absoluta excelencia en lo que a mi respecta. Pocos libros merecen tal categoría.
Así pues, hablemos de los libros para leer en el cuarto de baño. Libros para aprovechar, saborear y disfrutan en cortos espacios de tiempo. Libros cuyos capítulos son joyas que merecen el reposo y la soledad de estos momentos íntimos e intransferibles.
Mi libro actual en estas circunstancias es " Ideas para la imaginación impura ", 53 reflexiones en su propia substancia, de Jorge Wagensberg.
El autor nació en Barcelona en 1948, es licenciado y doctor en Física por la Universidad de Barcelona y profesor de Teoría de los Procesos Irreversibles en la Facultad de Física de dicha universidad, donde dirige un grupo de investigación en biofísica. Es autor de múltiples trabajos científicos aparecidos en publicaciones especializadas internacionales y de una extensa obra de difusión científica hacia otros dominios de la cultura. En 1980 publicó el libro Nosotros y la ciencia (Bosch Editor) y en 1985 Ideas sobre la complejidad del mundo (Tusquets Editores). En 1983 crea la colección de pensamiento científico «Metatemas», también de Tusquets, y desde el año 1991 es director del Museo de la Ciencia de la Fundación ‘la Caixa’.
Tras este cúmulo de avales uno no toma este librito sin esperar algo de mucho interés; de forma que la exigencia a priori es alta. Cincuenta y tres reflexiones en 276 páginas hacen que cada reflexión sea muy cortita en extensión y muy fácil de leer, pero cada una de ellas está llena de bellas implicaciones y reflexiones profundas que se pueden aborar a posteriori. En ellas se muestra al científico como un ser ávido de reflexión y buscador impenitente de fuentes de inspiración en cualquier acontecimiento diario apartentemente trivial.
Un libro en suma excepcional por su interés, digno de un autor que ha demostrado largamente su potencia de divulgador a la vez que su talla de científico, un autor que tituló a otra de sus obras con uno de los títulos más sorprendentes y maravillosos que haya visto nunca; con una frase digna del mejor koan zen: "Si la naturaleza es la respuesta, ¿cuál era la pregunta?" (Colección Metatemas, nº 75; Tusquets editores).
FICHA DEL LIBRO:
TITULO:"Ideas para la imaginación impura, 53 reflexiones en su propio jugo"
AUTOR: Jorge Wagensberg
EDITORIAL: Tusquets Editores
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CONTINUACIÓN DE LA ENTRADA ANTERIOR

2009-04-08T15:26:00.001+02:00

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No he terminado de contar todo o al menos parte del libro EL TIO PETROS Y LA CONJETURA DE GOLBADCH.
Cuentan que el editor lazó un reto a nivel mundial,ofreciendo un millón de dólares a quien consiguiese descifrar la ya famosa conjetura, y os cuento que nadie los ganó. Pero tengo vagos recuerdos de haber escuchado hace varios años en algún canal de tv, o haber leido en alguna revista que un matemático ruso que vivía por los Urales lo habia resuelto y que lo descubrieron cuando encontraron su cadaver.
Fué precisamente ésta noticia la que me hizo ir a mi estanteria de libros pendientes de leer,ya que lo de la conjetura de Golbadch me recordaba a algún libro de los allí guardados,y no os haceis ni idéa de lo que me agradó saber que tenía dicho libro y leerlo.
Comento que se puede conseguir en la página "lacasadellibro.com" por el módico precio de 6 euros, y otra cosa más está descatalogado,asi que si no lo quereis comprar por internet y teneis amistad con alguna libreria sé que os lo pueden conseguir.
Sé que hay muchos y buenos libros nuevos en el mercado pero de vez en cuando leer algo que ya no es novedad es toda una esperiencia.
IO-LAOS no es un tocho es cortito desgraciadamente es cortito es de esos que te dejan un regusto a más...
En WIKIPEDIA SI PINCHAIS LA CONJETURA DE GOLBADCH vereis más cosas y muy interesantes...

ME HA GUSTADO LEERLO UNA VEZ MÁS...

2009-04-07T15:58:00.000+02:00

No es que carezca de libros nuevos que llevarme a mis ojitos,pero de vez encuando me gusta releer algunos de esos que yo llamo mis favoritos y ese libro es.EL TIO PETROS Y LA CONJETURA DE GOLBADCH.
Y por no sé bien que motivos me ha recordado a una personita muy importante para mi que seguro que me lee y sabrá que es por ella.
Ella dice de si misma que es pragmática,excéptica,no creyente y que lo suyo pasa más por lo material ya que su vida es la economía,y que las letras no son lo suyo,pues yo le voy a decir que es una fantástica juntaletras y que se emociona y se preocupa por temas que nos deberian preocupar a todos los seres humanos,ella dice que la música no es lo suyo y cuando escucha un violin se le erizan los bellos y es capaz de gastarse su dinero en ver a alguie que solo conocia por referencias de una vieja loca como yo.
Por eso le dedico esta entrada con todo "Lujo" de detalles del libro jajajaj...
Para ti mi amiga del alma.Hace unos años leí este libro y me fascinó, lo recomiendo a toda la gente que le guste un poco las matemáticas, pero esto engaña un poco, aquí va una pequeña sipnosis;

El Tio Petros y la conjetura de Goldbach a pesar de su título, que engaña con sinceridad, es realmente la historia del sobrino, que crece fascinado por la figura de un enigmático anciano al que su familia de comerciantes considera una oveja negra a pesar de su indiscutible y brillante pasado como matemático. Pero tío Petro no es ahora más que un anciano que vive recluido en una casa de campo, rodeado de libros de matemática que ya no lee, y enfrascado en los problemas del ajedrez. Un poco de rebeldía juvenil se combina en el sobrino con la fascinación por el hombre hasta hacerle desear convertirse también en matemático. Pero su tío le ofrece una prueba, demostrar una simple proposición matemático. Si lo consigue, habrá probado tener talento para esa disciplina. Pero un verano de trabajo no sirve de nada, y el joven se ve obligado a firmar un documento en el que asegura que jamás estudiará matemática y parte a América para realizar sus estudios universitario.

El problema planteado por el anciano es muy simple: demostrar que todo número par superior a dos es la suma de dos primos. Expresable en pocas palabras, es sin embargo uno de los grandes problemas no resueltos de la matemática, la conjetura de Goldbach. Cuando su compañero de cuarto llama la atención del joven al hecho de que su tío le había planteado como prueba un famoso problema no resuelto, éste estalla en cólera y decide enfrentarse al anciano.
Es un libro estupendo que recomiendo vivamente porque transmite la pasión del matemático, que puede ser tan intensa como una pasion amorosa. Cuando acabé de leerlo (y teniendo en cuenta que soy un truño para las mates) tuve la impresión de haberme perdido cantidad de cosas....es como si tratas de explicarle a alguien que no sabe leer lo que se está perdiendo. Las persornas que no saben leer también pueden ser felices, y funcionar por la vida, y tener experiencias personales enriquecedoras....pero se están perdiendo algo intangible... mágico...lo mismo ocurre cuando nuestro pensamiento matemático es un iletrado. Este tipo de sentimiento es el que despierta el libro, además de ponernos en conocimiento de cantidad de mentes que han pasado por el mundo haciendo descubrimientos apasionantes.

AHORA ERES TU UNA ESTRELLA QUE YA NO DEJARÁ DE BRILLAR DESCANSA EN PAZ..

2009-04-07T13:14:00.000+02:00

He bailado,me emocionado y me han besado al ritmo de tus canciones que eran auténticos poemas cantados.
A Silvia le canté muchas de tus canciones ahora lo puedes hacer tú en directo y a viva voz.
Te deseo que encuentres la paz y la felicidad allá donde te encuentres.
Solo me salen palabras de pesar y no quiero que sea así,prefiero pensar que te has ido de viaje a ése lugar donde se van las personas estupendas y que nos esperareis a todos aquellos a los que amais y os aman....

Y PARECE QUE CAMINA POR ENTRE LOS ÁRBOLES CUBIERTOS DE ESTRELLAS EN LA NOCHE DEL LUNES SANTO MALAGUEÑO...

2009-04-06T12:45:00.000+02:00

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Nunca podré olvidar la primera vez que vi al SEÑOR DE MÁLAGA que es asi como le llaman los malagueños,no lloré simplemente mis ojos se llenaron de lágrimas gosdas como puños.Estaba situada en la tribuna de Larios al final de la Alameda y vi como se acercaba parecia que andaba con paso lento y candencioso como si lo meciese el viento.De repente me acordé de una canción que nada tiene que ver con la Semana Santa que pero creo que ¡le va que ni pintado!...
Fina estampa Caballero,Caballero de fina estampa...
Si me trajo a mi memoria esa canción y es porque parecia que caminaba vi como se meneaba su manto como si lo meciese el viento en su andar por entre los árboles de la Alameda que tachonada de estrellas,es una vista que nunca,pero nunca, voy a olvidar.
Recuerdo que le pedí por la salud de alguien muy especial para mi,y por otras muchas personas. A partir de ése día,todos los Lunes Santos vivo con igual intensidad el momento de verlo.Incluso algunas veces e ido al su traslado en el barrio de La Trinidad y a la misa en el Hospital Civil donde su gente,si la gente de su barrio le aclaman a Él y a su Madre La Trinidad y los inundan de flores y les gritan hasta quedarse afónicos piropos y les cantan saetas...
Hoy iré a verle y de nuevo le pediré por todos y por todo pero también le daré las gracias...
Por cierto una vez entrevistaron al mayordomo del Cautivo y contaba que el momento más emocionante y para el más doloroso es cuando después de vestirlo le tiene que poner el cíngulo y siente que es el el que apresa a nuestro Señor Cautivo...
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Diana Navarro le canta todos los años al SEÑOR DE MÁLAGA El CUTIVO